De cine_Ajami

AJAMI

Dir: Scandar Copti, Yaron Shani
Fecha de estreno: 26.03.10

El verdadero eje motor de “Ajami” es el conflicto árabe-israelí. Pero no sólo eso. El marginal barrio de Jaffa (Israel), que da título a la película, sirve de espejo a la tensa convivencia entre judíos, árabes y cristianos. El filme, asimismo, nos muestra lo peor del ser humano en toda lucha a la desesperada por la supervivencia, cuando los límites de la moral se vuelven difusos.

Escrita y dirigida por el tándem judeo-árabe formado por Yaron Shani y Scandar Copti, “Ajami” va desgranando a lo largo de sus dos partes, casi como en dos tiempos, lo que en dicho territorio -microcosmos- acontece. Sin duda, un planteamiento de lo más acertado para describir la mirada parcial, sesgada, de todo aquel que se acerca a un conflicto –cualquier conflicto- siendo parte de él. La visión global, lo sabemos, sólo puede darse desde la distancia física, temporal y emocional. En el caso de “Ajami”, únicamente retrocediendo en el tiempo y ubicándonos en el lugar del “otro” logramos ver el marco del cuadro, incluso sus matices en blanco –no sólo por la cocaína, también por el remanente de ingenuidad, lealtad y amor que, sorprendentemente, queda en el barrio- y negro –tanto el panorama actual, como el futuro- dentro de un mundo que se nos muestra criminal, temeroso del disparo fácil y sin sentido, de la equivocación de la venganza, de su inutilidad, de sus nefastas consecuencias y, pese a todo, de la lucha por la vida.

“Ajami” escenifica una realidad brutal que traspasa la pantalla a golpe de interpretaciones creíbles, siendo, como son, actores no profesionales (meros vecinos del barrio que recibieron preparación durante diez meses para interpretarse a sí mismos a lo largo de las tres semanas que duró el rodaje) y que ni siquiera tuvieron copia del guión. Cuenta, además, con una estructura narrativa capaz de descolocar al espectador y un ritmo que, en ocasiones, recuerda la urgencia y ferocidad de Tarantino.

Si algo le podemos reprochar es, tal vez, un metraje excesivo sin necesidad alguna, una contextualización centrada en el presente que no abre puertas a la comprensión del pasado. Las razones y origen de todo esto se pierden o se sobreentienden, cuando no debieran: “antes de que la mayoría de sus habitantes fueran obligados a salir de Israel en la catástrofe de Nabka en 1948, Ajami era una próspera ciudad con más de 100,000 habitantes, conocida como la novia del mar. Tras el establecimiento de Israel, decayó. Mientras la vecina Tel Aviv prosperó, los atractivos edificios antiguos de Jaffa quedaron abandonados y en ruinas”, afirma Raja Shehadeh, abogado palestino y escritor, en BBC Mundo.

Seleccionada por Israel como candidata al Oscar 2010 en la categoría de película de habla no inglesa, logró ser nominada, que no ganadora (ganó, como saben, Campanella con “El secreto de sus ojos”), y convertirse en ejemplo de concordia entre árabes y judíos. Concordia que Copti rompió horas antes de la ceremonia de los Oscar: arremetió contra la política que Israel ejerce respecto a la minoría árabe.

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MÁS INFO

Género: Drama
Nacionalidad: Israel

Actores: Shahir Kabaha, Ibrahim Frege, Fouad Habash, Youssef Sahwani, Ranin Karim, Eran Naim, Scandar Copti, Elias Sabah, Hilal Kabob, Nisrin Rihan

Productor: Mosh Danon, Thanassis Karathanos
Guión: Scandar Copti, Yaron Shani
Fotografía: Boaz Yehonatan Yacov
Música: Rabiah Buchari

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PUBLICADO POR LA QUE ESTO SUSCRIBE EN NOTODO.COM (aquí pueden ver una buena galería de imágenes de la película)

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Canciones para un martes

JONATHAN BOULET / A Community Service Announcement

THE BIG PINK / Velvet

AARON THOMAS / Made of Wood

THE SUNSHINE UNDERGROUND Coming To Save You

LET’S GO SAILING / Let’s Go Sailing

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Tiempo de reflexión_beneficiarse de la crisis

BENEFICIARSE DE LA CRISIS, BENEFICIARSE DE LOS DEMÁS

Señores, señoras, este post podría enfocarse desde un punto de vista positivo si lo dedicara a encarar las diferentes posibilidades que cualquier crisis genera: nuevas salidas laborales, creatividad puesta al servicio del trabajo o de la búsqueda de trabajo, etc. Pero no, no voy a ir por esa línea, sino por la mera denuncia verbal, por el derecho al pataleo, a la verbalización, la puesta en escena de situaciones denigrantes a las que algunos nos sometemos (me solidarizo y, por ende, me incluyo) en pro de un futuro mejor, prometido y no siempre real, que nos empuja a aceptar curros a bajo precio o sin precio.

Y es que los empresarios, tan buenos ellos, ESTÁN GENERANDO EMPLEO en época de crisis y vacas flacas (otra cosa son las condiciones):

  • contratan becarios a 100 ó 300 € el mes, full-time, por supuesto, compromiso total, por supuesto, responsabilidad mayor a la correspondiente, por supuesto. Aunque, claro, tendríamos que definir qué se entiende a día de hoy por becario.
  • contratan empleados con amplia experiencia. Eso sí, a bajo coste o permisivos a la explotación, que para algo son los afortunados del cutremercado laboral.
  • contratan freelances que se dejan los cuernos trabajando, que dejan también de ver a su familia, a sus amigos, la luz del sol… Vamos, con dedicación plena y facturación mínima (a ser posible, que apenas puedan pagar autónomos y, mucho menos, IVA).
  • “contratan” a cualquiera que quiera trabajar con presupuesto cero, es decir, gratis. No lo duden, acéptenlo, es la mejor opción para invertir su dinero (llámenlo horas de trabajo, abono transporte, comidas fuera de casa…), posicionarse, dejarse ver, vincularse…

¿ALGUIEN DIJO TOMADURA DE PELO?

(Imagen: Facebook, no recuerdo su origen concreto, su autor primigenio, ruego me disculpen o me iluminen al respecto).

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Después de esta carta abierta a quien quiera escuchar, empatizar, cambiar la situación precario-laboral de sus empleados (porque seguro que la suya no lo es), me limito a dejarles algo que me ha dibujado una sonrisa (viva el tópico en este caso!) esta mañana, por su creatividad, por su inteligente simpleza, por la ausencia de avaricia y consumismo, porque sí. Lo he visto en Microsiervos, copio y pego:

Un organizador de cables tan simple, efectivo y barato como localizar algunos clips de esos que andan perdidos los cajones de casa o de la oficina. ¡Gracias Elenita por iluminarnos con tan genial solución de baja tecnología!

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Domingo de remember_Montxo Armendáriz

ENTREVISTA A MONTXO ARMENDÁRIZ

Estamos en Domingo de remember, por lo tanto, toca retrospectiva laboral. Léase, recuperar alguna entrevista de las que hice en un pasado no muy remoto y colgarla de una percha informativa de actualidad. Esta vez, Montxo Armendáriz es protagonista.

La excusa: El cineasta navarro recibirá el Premio “Ciudad de Huesca” 2010 en la 38ª edición del Festival Internacional de la capital oscense, que se celebrará del 4 al 12 de junio, en tributo a una obra fílmica que aborda la realidad social desde su personal punto de vista con una absoluta libertad creativa.

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ENTREVISTA realizada el 17 de abril de 2007

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Parte del equipo de Autozine (revista digital dedicada al cine, ya desaparecida), cámara, fotógrafo y yo, nos dirigimos a la oficina que Oria Films tiene en la Gran Vía de Madrid. Es un día excesivamente lluvioso y llegamos empapados a nuestra cita con Montxo Armendáriz (Olleta, Navarra, 1949).

Pero pasemos, sin más dilación ni embrollo, a presentar a uno de los cineastas más marcadamente comprometidos con la realidad que nos circunda. Lo importante de su cine no es la fotografía, los actores, la post-producción, ni siquiera la taquilla, como el propio Armendáriz recalca en repetidas ocasiones a lo largo de la entrevista: “me interesan las historias que hablan de la condición humana, de gente sencilla, gente en la que me puedo reconocer o identificar y, en ese sentido, son historias que encuentro generalmente a mi alrededor, bien de gente conocida o bien de gente que haya podido conocer a esa otra gente, que hablan fundamentalmente de lo que nos interesa a la mayoría: por qué te ilusionas, por qué vives, por qué lloras, cuáles son las aspiraciones que tienes…”. Sin lugar a dudas, cuando vemos una de sus películas, nos enfrentamos a historias que recogen nuestra cotidianeidad y nos empujan a enfrentarnos cara a cara con ella. Con esto no queremos decir que el resto de aspectos no destaque, no se cuide o no se tengan en cuenta, sino que no son precisamente el foco de atención de su director y, por lo tanto, no debería serlo de su público. Su cine no es de palomitas, sino de sentimientos e ideas.

Nos preguntamos qué le motiva a ponerse detrás de una cámara y la respuesta es clara y rotunda: “Las historias surgen de muy diferentes procedencias. Algunas veces te las cuenta un amigo, otras te las encuentras (como la de ‘Tasio’ o los personajes de ‘Las cartas de Alou’), otras son vivencias personales (como ‘27 horas’ o ‘Secretos del corazón’)… El origen de las historias es distinto pero, fundamentalmente, lo que me atrapa de todas ellas es el hecho de que haya una historia donde las personas se enfrentan al medio y tratan de buscar unas mejores condiciones de vida”.

Armendáriz es un cineasta de orígenes atípicos (fue profesor de electrónica en el Politécnico de la Rentería y en el Politécnico de Pamplona), pero como todo gran cineasta, su gran afición siempre fue el cine. De hecho, mientras el mundo de la electrónica le daba de comer y pagaba sus gastos, el mundo del cine empezó a emerger paulatina y potencialmente. Así nos lo cuenta el propio implicado: “Siempre quise estudiar cine, pero mi familia (mi padre era obrero) no tenía medios suficientes para que me pudiera desplazar a Madrid y estudiar cine. Me convencieron, con bastante buen criterio, de que estudiara algo rentable y, por supuesto, consideraban que el cine no lo era. Así pues, me dediqué a la electrónica. A partir de ahí estuve durante algunos años trabajando en dicho campo. Sobre todo, dando clases. Pero el cine siempre había estado ahí como algo pendiente, era algo que me gustaba y a lo que quería dedicar mi tiempo y esfuerzo. Entre familiares y amigos formamos una cooperativa en el barrio, el barrio de la Chantrea, donde teníamos un cine club y hacíamos nuestros pinitos en Súper 8. Al final, pusimos un poco de dinero entre todos y pudimos hacer nuestro primer corto en 35 mm, ‘La danza de lo gracioso’. Afortunadamente, pudimos amortizarlo, y no sólo sacamos dinero, sino que nos corrimos una juerga y hasta sobró algo para poder producir el siguiente corto y, así sucesivamente, hasta que llegó mi primer largometraje, ‘Tasio’.”

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VER VÍDEO Tasio

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Es posible que unos orígenes humildes hayan desarrollado en Armendáriz un interés especial por reflejar en sus películas la realidad de la gente sencilla, de los obreros y los trabajadores. Quién sabe. Según nos comenta el propio director, le influyó sobremanera el neorrealismo italiano y es un tipo de cine con el que se identifica: “Fundamentalmente me ha influido el neorrealismo, aunque más el de Rossellini o el de Vittorio de Sica que el de Pasolini”.  Pero, si hablamos de directores contemporáneos, aparecen nombres como Cassavetes, Ken Loach, Stephen Frears o los hermanos Dardene.

Nos preguntamos si siempre fue así, si desde sus inicios tuvo interés por este tipo de temática social, casi ideológica, y si esa preocupación se vio reflejada en sus primeras incursiones cinematográficas. Su respuesta nos saca de toda duda acerca de su coherencia cinematográfica y narrativa: “Mis dos primeros cortos, que eran de ficción, tratan, fundamentalmente, el tema de la incomunicación y el de la manipulación. Tras estos dos cortos, hice otros dos que eran documentales: uno era sobre la ribera de Navarra, ‘Ikuska 11’, un trabajo para Caja Laboral; el otro, era ‘Carboneros de Navarra’, para la Institución Príncipe de Viana. En este último documental tuve la fortuna de conocer al verdadero Tasio, Anastasio Ochoa, un carbonero cuya filosofía sobre la vida me pareció distinta, original, especial… Entre nosotros nació la amistad y de las conversaciones con él surgió el largometraje de ‘Tasio’.”

Imaginamos que pasar del corto al largo tuvo que ser duro, sobre todo por el tema de la financiación y tratándose de un tema tan poco comercial como el que trata ‘Tasio’ (la vida de un carbonero). Tal y como afirma Armendáriz, “había rodado ya cuatro cortometrajes y llega un momento en el que te planteas por qué no aventurarte a escribir el guión de un largo. La historia de Tasio me interesaba, sobre todo porque era la historia de un hombre humilde, de un hombre que tenía su propia filosofía y entendimiento de la vida. Un hombre que pensaba que no tenía que trabajar para otros, que la naturaleza te da todo lo necesario para vivir… Me pareció uno de esos héroes anónimos que no aparecen en las páginas de los periódicos, pero que realmente son capaces de hacer lo que han querido, deseado o pensado durante toda su vida. Fue entonces cuando me decidí a escribir el guión para un largometraje y empecé a buscar financiación. En aquel momento, estaba dando clases en el Politécnico de Pamplona, pedí una excedencia y, después de un año de buscar productor, conocí a Elías Querejeta, le interesó el proyecto, empezamos a prepararlo e hicimos la película”.

Le preguntamos por los aspectos técnicos y Armendáriz reconoce: “Difícil, para mí, fue casi todo. Yo no había trabajado nunca profesionalmente, lo único que había hecho eran los cortometrajes y en un ambiente de familiaridad, de amigos… Lo más novedoso, lo más complicado fue adaptarme a un equipo de trabajo, de producción, de dirección, de fotografía… Pero conté con un equipo maravilloso y muy profesional, que me echó una mano y me ayudó en todo lo que yo no controlaba. ‘Tasio’ supuso un gran aprendizaje para mí y logró ser la escuela de cine que yo no había tenido”.

A partir de aquí, su filmografía fue creciendo con el tiempo. A ‘Tasio’ le siguieron ‘27 horas’ (1986), ‘Las cartas de Alou’ (1990), ‘Historias del Kronen’ (1994), ‘Secretos del corazón’ (1997), ‘Silencio roto’ (2001), ‘Escenario Móvil’ (2004) y ‘Obaba’ (2005). Todas ellas con gran repercusión mediática y buena acogida por parte de la crítica y del público. Un cine que, como ya hemos comentado, gira en torno a los sentimientos y se enfrenta en taquilla con el cine de castillos artificiales que no sólo nos llega desde los Estados Unidos. “Uno busca en el cine reflejar parte de esa realidad que estamos viviendo y que, de alguna manera, el cine sirva de puente y conocimiento humano, que sirva para mejorar nuestras relaciones y lograr un entendimiento cultural entre los diferentes pueblos. Con el cine que hago intento acercarme a ello. Si bien es cierto que hay muchas historias que me gustaría haber tratado o llevado al cine, pero se han quedado por el camino: la insumisión y la adaptación de una novela autobiográfica de Omar Cabezas, uno de los comandantes de la revolución sandinista… Pero todos los proyectos que finalmente he realizado son, en cierto modo, los que también he querido hacer”.

Finalmente, le preguntamos a Armendáriz cuáles son sus proyectos futuros más inmediatos. “De momento, afirma, estoy trabajando en terminar un guión de ficción. Pero, bueno, procuro no hablar de los proyectos hasta que ya están marcha, hasta que son una realidad, porque mientras tanto son sólo proyectos. En este sentido, no voy a adelantar mucho más.”

Su hermetismo al respecto nos obliga a cambiar de cuestión. Pasamos, pues, a hablar de uno de los temas estrella de Autozine, el cine digital y sus vericuetos, su promesa de futuro (si no empieza a ser ya presente)… Armendáriz ha rodado y exhibido su último documental, ‘Escenario móvil’, en formato digital. Además, en sus últimas películas, ‘Silencio roto’ y ‘Obaba’, el rodaje se hizo con 35 mm, aunque toda la postproducción se hizo en digital, incluso el talonaje y el tratamiento de la imagen, pero se exhibió en 35mm. Su opinión al respecto es sincera: “Creo que, poco a poco, el digital se irá imponiendo. El cine digital y toda la filmación digital facilitan que el valor de las historias prime sobre la calidad o la estética, aunque no tiene por qué estar reñido. Tal y como están evolucionando los sistemas de producción, creo que estamos asistiendo a un cambio fundamental en la forma en que se consumen las imágenes, hay cada vez más teléfonos móviles, internet, dvd´s portátiles… Vamos a asistir a grandes cambios y tanto el digital como todos los sistemas que conlleva, tanto de exhibición como de producción, serán los que predominen en un futuro inmediato y copen absolutamente todo el mercado”.

Hablamos de calidad y el cineasta se posiciona nuevamente: “El sistema digital ofrece grandes ventajas y una gran flexibilidad frente al 35 mm. Por un lado, abarata muchísimo los precios, reduce el equipo, no se necesitan las iluminaciones ni el conjunto de técnicos tan grande que conlleva el cine en 35 mm. En ese sentido, posibilita que se pueda hace un cine más cercano y más interesante en donde lo que cuenta es la historia, lo que uno quiere contar, y no la parafernalia que hay alrededor. Hay grandes ejemplos, no sólo de películas dignas, sino de películas maestras que se han hecho con muy bajo presupuesto. El valor de una película no está en el costo de la misma, sino en lo que cuenta y en la forma en que lo cuenta. Hoy en día hay grandes películas que nos hablan de realidades y que están hechas con muy poco dinero. Me refiero a películas como ‘Whisky’ (Pablo Stoll y Juan Pablo Rebella) o ‘Azuloscurocasinegro’ (Daniel Sánchez Arévalo).”

Tras una entrevista que nos deja buen sabor de boca y algunos comentarios y preguntas más (ya sin grabadora o cámara que registre), dejamos atrás su productora no sin antes habernos echado nuevamente unas risas, haber intercambiado impresiones sobre el mundo del cine y haber conocido a una buena persona y a un buen director.  Su trabajo como cineasta es tan sincero y con tan buenas intenciones como el propio Armendáriz. Confirmado.

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Otra FORMA es posible_Extraordinary is the New Ordinary

Lo que ven en la imagen no es sino el stand de 15.000 lápices creado, tal y como indica The Cool Hunter, por el arquitecto de interiores y diseñador industrial Johannes Albert y el diseñador de libros Helmut Stabe para Mitteldeutscher Verlag Publishers.

Por supuesto, es lo que más ha llamado la atención en la Feria del libro de Leipzig (18-21 de marzo). Un ejemplo que me sirve para proporcionarles otros y para asumir el titular de este post: EXTRAORDINARY IS THE NEW ORDINARY, que cojo prestado de la mencionada revista inglesa.

Y es que en un mundo saturado de imágenes, de información, de lanzamientos, de ofertas múltiples y variadas O INNOVAS O NO EXISTES. Así las cosas, veamos unos cuantos ejemplos (recogidos también de The Cool Hunter) y pensemos en ellos cuando nos pongamos a trabajar, a intentar llamar la atención de nuestro público objetivo, sea éste cliente (real y potencial) o empleador (vean CV’s creativos).

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Terra incógnita_Web 2.0 Suicide Machine


¿HARTO DE TUS RELACIONES ONLINE?

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WEB 2.0 SUICIDE MACHINE TE AYUDA A PASAR A MEJOR VIDA

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Escrito por PTQK (22 March 2010) para The TrendNet.
Como el texto me gusta tal cual está, hago un cut&paste (enterito) y lo dejo aquí para que ustedes lo devoren con fruición:
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A pesar de su éxito -o quizás debido a él- cada día son más las voces que se alzan contra la tiranía de las redes sociales. Que si son impersonales y un simulacro de la verdadera socialidad, que si la información que circula por ellas es irrelevante, que si te hacen perder mucho tiempo… y sobre todo: que suponen una amenaza a la privacidad de nuestros datos. Las razones que nos hacen permanecer en las redes sociales también son muchas pero seguramente la más poderosa de todas es la pereza.

Web 2.0 Suicide Machine es una iniciativa independiente y sin ánimo de lucro que te ayuda a darte de baja en las redes sociales de una forma rápida y sencilla. Según dicen en su web, hacerlo por tu cuenta te llevará una media de 9 horas y 35 minutos. Con Web 2.0 Suicide Machine, el proceso dura apenas 1 hora y sin hacer casi nada. Sólo tienes que proporcionarles tu nombre de usuario y tu contraseña y elegir la red de la que quieres desaparecer. A partir de ese momento, todo es automático y visible en tiempo real. El software entra en tu perfil, borra a tus amigos, tus enlaces, tus imágenes y finalmente tu persona.

Desde su lanzamiento a finales de 2009, más de 1800 usuarios se han suicidado online con Web 2.0 Suicide Machine. Se han deshecho 123.000 amistades virtuales y 291.000 tweets han sido eliminados para siempre. Web 2.0 Suicide Machine funciona en todos los sistemas operativos, incluido Linux. De momento las redes sociales en las que puedes suicidarte son Facebook, Twitter, Linkedin y Myspace pero los programadores ya están trabajando para ampliarlo a Flickr y a Google. Aunque el servicio es completamente legal, Facebook ya se ha puesto en contacto con ellos amenazando con llevarlos a los tribunales. La carta que les ha enviado (y que no tiene desperdicio) está publicada en la web.

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MÁS INFO

http://suicidemachine.org

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De cine_Ricos y extraños

RICOS Y EXTRAÑOS

Dir: Alfred Hitchcock
Fecha de estreno: 1932

Heredera del expresionismo alemán, del cine mudo, y sin el factor suspense que se le atribuye indefectiblemente a Hitchcock (tampoco hay cameo por su parte), aunque plagada de ironía (también picardía) y reflexiones sobre el amor, el matrimonio, la pasión y la rutina. Por supuesto, con una rubia (Joan Barry) como protagonista… como en toda su obra.

Así se nos muestra, a priori, Ricos y extraños, curioso filme del cineasta británico, rodado a principios de los  30, ocho años antes de su primer trabajo americano, Rebeca (1940).

[Entre medias, todo hay que decirlo, hubo tiempo para otras delicias fílmicas:  El hombre que sabía demasiado (1934) y 39 escalones (1935)].

Ricos y extraños (adaptación de una novela de Dale Collins) narra, en definitiva, el viaje alrededor del mundo de una pareja que emprende, realmente, sin sospecharlo, un viaje al interior de su matrimonio y se encuentra con la infidelidad y una ventana abierta a la felicidad que, tras un tiempo, cierran: uno, al ser traicionado; otra, por rutina, por amor que más bien es cariño.

Sorprende o, al menos, así me lo parece, el maltrato psicológico (menosprecio) que ella, interpretada por Joan Barry, recibe de él, su marido (Henry Kendall). ¿Más vale, entonces, malo conocido que bueno por conocer? No puedo estar de acuerdo, la verdad. Por lo tanto, no me gusta el entrecomillado Happy End, que ni es happy, ni es nada.


VER VÍDEO

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MÁS INFO

Género: Una mezcla de comedia romántica y drama
Nacionalidad: Gran Bretaña

Actores: Henry Kendall, Joan Barry, Percy Marmont,  Betty Amann,  Elsie Randolph

Productor: John Maxwell
Guión: Dale Collins, Alma Reville
Fotografía: Jack E. Cox, Charles Martin
Música: Hal Dolphe

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