Banksy y la mercantilización del arte / Criticar por criticar o no

Bansky y la mercantilización del arte

Últimamente, veo el arte como negocio, el arte como lanzamiento definitivo del ego. Una afirmación arriesgada, que sin embargo parece más vigente que nunca en un mundo tan banal como el que vivimos,donde cuenta más la fama, la popularidad y el dinero que la dignidad, la reflexión y el trabajo bien hecho y la coherencia.

Hoy en día “casi todo” se considera arte, “casi todos” se autodenominan artistas. Y me consta, cómo no, que en la viña del Señor hay de todo, que una obra viene legitimada por la crítica, las instituciones y el mercado. Sin embargo, en este caso y como lega en la materia, elijo la reprobación frente a la adulación o el testimonio.

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De cine_The Road

THE ROAD

Dir: John Hillcoat
Fecha de estreno: 05/02/2010

Imaginen un mundo postapocalíptico donde todo (o casi) ha desaparecido. No quedan plantas, tampoco animales. Todo es color gris ceniza (fotografía a cargo del fantástico Javier Aguirresarobe) y la esperanza de vida es la desesperanza.

El objetivo, en un escenario similar, no es sino sobrevivir, cueste lo que cueste, aunque para ello haya que dejar atrás una escala de valores, una ética, convenciones y prejuicios. La humanidad sobrevive a base de canibalismo y furor canino bajo unos parámetros totalmente destructivos. La única opción de supervivencia parece ser coger la carretera y dirigirse hacia el Sur, hacia la costa. Un padre ejemplar (Viggo Mortensen) y su hijo (Kodi Smit-McPhee) son los protagonistas de esta road movie atípica a la que le sobra melodrama paterno-filial y anuncio de Coca-Cola de más de dos minutos en pantalla.

Sinceramente, esperaba tanto que no pudo más que decepcionarme. La adaptación del libro de Cormac McCarthy, autor también de No es país para viejos, se queda sin fuelle a mitad de camino. Flaco favor le hace la BSO bajo la batuta de Nick Cave y Warren Ellis, inesperadamente ñoña hasta decir basta. En fin…

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MÁS INFO

Género: Drama

Reparto: Viggo Mortensen, Charlize Theron, Robert Duvall, Guy Pearce, Kodi Smit-McPhee, Michael Kenneth Williams, Garret Dillahunt, Molly Parker

Guión: Joe Penhall
Fotografía: Javier Aguirresarobe
Música: Nick Cave, Warren Ellis

www.widepictures.es/theroad

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De cine_Honeymoons

HONEYMOONS

Dir: Goran Paskaljevic
Fecha de estreno: 30.04.10


Todos luchamos por una vida mejor, por un futuro distinto, más luminoso, menos gris. Honeymoons no es más que el reflejo de esos anhelos, tan humanos como universales. Su trama nos adentra, a modo de road movie, en el devenir de dos parejas, una procedente de Albania con destino Italia, otra de Serbia con dirección a Austria. Ambas historias se suceden de forma paralela y comparten un mismo objetivo: llegar a Europa, metáfora de la tierra prometida. Un anhelo abocado al fracaso más absoluto en forma de frontera e intolerancia. Sigue leyendo

Otro cineasta es posible_David Lynch + Interview project

A modo de road trip David Lynch realiza su particular viaje por la América más profunda haciendo entrevistas a personas anónimas que se va encontrando por el camino, que le cuentan su historia de vida. Una vez recogidas, todas estas entrevistas se convertirán en documental y huella palpable del imaginario colectivo de Estados Unidos. Y es que todos tenemos algo que decir. Si alguien lo duda, sólo tiene que echar un vistazo a alguno de los vídeos. 

Imagen_cinemaniablog

CARACTERÍSTICAS DEL PROYECTO

  • Fecha de lanzamiento: 1 de junio de 2009.
  • 121 entrevistas (112 publicadas hasta la fecha).
  • Nuevo episodio (entrevista) en la web cada 3 días.
  • Cada entrevista dura entre 3 y 5 minutos.
  • 70 días de viaje.
  • 30.000 km recorridos.

Ruta de viaje_Imagen_Interview Project

  • Financiado por Absurda, la compañía de Lynch.
  • Co-dirigido por Austin, hijo de.
  • Producido por Sabrina Sutherland.
  • Entrevistas a cargo de Angie Schimidt y Julie Pepin. Presentadas por David Lynch.
  • Música de Dean Hurley y Stoll Vaughan.
  • Sigue el proyecto en Twitter o Facebook.

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De cine_Ciudad de vida y muerte

CIUDAD DE VIDA Y MUERTE

Dir: Lu Chuan
Fecha de estreno: 09.04.10


Si la zona de seguridad en una guerra es de todo menos segura –en ella son posibles los asesinatos y las violaciones-, algo grave está pasando. Lo grave es, sin duda, la ausencia de respeto de las convenciones establecidas; la inutilidad de establecer unos mínimos requisitos éticos cuando los máximos, la guerra y sus consecuencias, son inevitables. Lo que nos muestra Ciudad de vida y muerte es, en definitiva, la cara más feroz y sombría del ser humano en situaciones como la descrita. Sigue leyendo

De cine_Lourdes

LOURDES

Dir: Jessica Hausner
Fecha de estreno: 31.03.10

Cuando tu única compañera fiel es una silla de ruedas, cuando la única opción para escapar del aislamiento es participar de los peregrinajes (¿dónde quedan los amigos, la familia?), mal pinta el panorama. Así se nos muestra el entorno de Christine (interpretada magistralmente por Sylvie Testud), una joven que emprende un viaje a Lourdes y una mañana despierta supuestamente curada por un milagro. El milagro no sólo opera en sus piernas, capaces ya de andar, sino que, como si antes no fuera posible, le dotan de una vida: ya puede “tener ligue” (el jefe del grupo de peregrinos, un seductor voluntario de la Orden de Malta), conversar con el resto de compañeros de viaje (previamente parece limitarse a ser un simple objeto sin voz ni voto), proponerse retomar sus estudios, tocar el piano e, incluso, crear una familia. Pero, seamos sinceros, “una curación milagrosa es injusta. ¿Por qué una persona se cura y otra no? ¿Qué se puede hacer para curarse? ¿Rezar, escoger la humildad o, por el contrario, no hacer nada, como Christine (nuestra protagonista)?”. Por lo tanto, ¿es Dios injusto en su infinita misericordia? Pregunta retórica, por supuesto, aunque planteada en la trama de la película a través de las experiencias del resto de peregrinos en Lourdes.

El tercer largometraje de Hausner (Viena, 1972), tras sus Lovely Rita (2001) y Hotel (2004) -ambas seleccionadas en la sección Un Certain Regard del Festival de Cannes-, nos habla de la sensación que todos hemos tenido alguna vez, la de tener una vida truncada, bien por la mala suerte, bien por las condiciones físicas y mentales de partida o por cualquier otra razón insospechada. Pero, señores, señoras, todo es cuestión de percepción, así lo afirman nuestros terapeutas, no de milagros o eventos mágicos que cambiarán nuestras vidas para siempre y nos harán alcanzar la vida plena. Los milagros sólo son hechos que, de momento, no tienen explicación o mera herramienta eclesial netamente marketiniana. Lo de Lourdes, parece afirmar Hausner, no es más que un cuento de hadas cruel que genera esperanzas vanas, no es más que opio para un pueblo que espera “salvarse” de la hoguera y vivir en un más allá pletórico, sin hacer nada por ser feliz, por exprimir el jugo vital, en éste acá más asible y más real.

Como remarca la propia cineasta, lo que plantea Lourdes es, en definitiva, el sentido de la vida. Desvelada la historia, sólo podemos recriminarle un metraje excesivo y un lento discurrir, aunque no sin cierto encanto. Pese a todo, se hizo con los Premios Fipresci, Signis, Brian y Sergio Trasatti en el Festival de Venecia 2009 y el Giraldillo de Oro a la Mejor Película en el Festival de Sevilla 2009.

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MÁS INFO

Género: Drama

Reparto: Sylvie Testud, Léa Seydoux, Bruno Todeschini, Elina Löwensohn, Gerhard Liebmann, Gilette Barbier, Katharina Flicker, Linde Prelog, Heidi Baratta, Jacques Pratoussy, Walter Benn, Hubsi Kramar, Helga Illich, Bernadette Schneider.

Guión: Jessica Hausner
Producción:
Martin Gschlacht, Philipe Bober y Susanne Marian.
Director de fotografía:
Martin Gschlacht.
Montaje: Karina Ressler.
Dirección artística: Katharina Wöppermann.

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PUBLICADO POR LA QUE ESTO SUSCRIBE EN NOTODO.COM (aquí pueden ver una buena galería de imágenes de la película)

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De cine_I’m Not There

I’M NOT THERE

Dir.: Todd Haynes
Fecha de estreno: 19.02.10

“Todo lo que puedo hacer es ser yo. Quienquiera que yo sea”
Bob Dylan dixit.

Dylan es ya parte de la Historia de la música popular (nos guste su música o no). Una afirmación, por supuesto, obvia. Tanto como que esta película de Todd Haynes (responsable de Veneno, Safe, Velvet Goldmine y Lejos del cielo), en torno a sus multiples caras, es todo un descubrimiento visual y narrativo.

I’m Not There es una suerte de biopic atípico más que recomendable que, incluso, se atreve a re-escribir algunas escenas de Ocho y medio, la maravillosa película de Fellini a la que debe la visión fragmentada del Yo (el Yo de Bob Dylan en este caso). Una fragmentación que, por otra parte, es posible interpretar como espejo inequívoco de la realidad contemporánea, fragmentada y poliédrica de por sí.

Tan múltiple resulta Dylan (su música, su vida) como las texturas (16 mm, 35 mm y vídeo) o tonalidades (B/N, color, etc.) utilizadas por Haynes para dotar de cuerpo y alma a la deconstrucción de un mito.

Por supuesto, la música es toda dilaniana, eso sí, reinterpretada por gente como Sonic Youth, Calexico, Antony and Johnsons, Cat Power, Mark Lanegan y Jeff Tweedy, entre muchos otros. Todo un lujo de OST que habrá que conseguir como sea.

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“Me sumergí más y más en Dylan, descubriendo todo el material inédito y leyendo cualquier cosa sobre él que cayera en mis manos. Y cuanto más leía, más me daba cuenta de cómo el cambio personal, artístico, etc. había definido su vida. Y la única manera de mostrar eso, era escenificarlo, destilar su vida y su obra en una serie de personajes e historias diferenciados”, afirma el propio Haynes sobre un Dylan al que retrata con sus excesos y sus defectos.

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SINOPSIS

Vía Vértigo Films

Bob Dylan cambió la música popular en los años 60 y desde entonces y hasta hoy nunca ha dejado de influenciar a músicos, escritores, poetas y, en definitiva, a la cultura en general.

La película de Todd Haynes sobre su figura, que cuenta además con la aprobación del legendario músico, es un entretejido de historias en la América de los años 60 y 70. Cada historia expresa un aspecto de la mercúrica carrera de Dylan y han sido filmadas de manera diferente a través de también muy diferentes intérpretes: Woody (Marcus Carl Franklin), un niño negro de 11 años siempre huyendo; Robbie (Heath Ledger), un artista mujeriego siempre en la carretera; Jude (Cate Blanchet), un joven andrógino estrella del rock; John / Jack (Christian Bale), un ídolo folk que se reinventa como cristiano reconvertido; Arthur (Ben Whishaw), un poeta callejero; y Billy (Richard Gere), un famoso fugitivo milagrosamente vivo pero ya haciéndose viejo.

Seis actores interpretando a siete personajes “dilanianos”, inmejorablemente acompañados por la irrepetible música del artista.

PREMIO DEL JURADO EN EL FESTIVAL DE VENECIA.

CATE BLACHETT_GANADORA DEL GLOBO DE ORO, EL LEÓN DE ORO DE VENECIA Y NOMINADA AL OSCAR A MEJOR ACTRIZ DE REPARTO

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MÁS INFO:

Reparto: Cate Blanchet, Christian Bale, Heath Ledger, Richard Gere, Julianne Moore, Ben Whishaw, Charlotte Gainsbourg, Marcus Carl Franklin.

Género: Drama, musical
Guión: Todd Haynes y Oren Moverman
Fotografía: Edward Lachman

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www.imnotthere.es

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Domingo de remember_Los otros del cine español

LOS OTROS DEL CINE ESPAÑOL

Seis nuevos realizadores abiertos a lo imprevisto

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Hoy, en Domingo de remember, le toca el turno a Los otros del cine español, un reportaje que publiqué en la revista Calle20, en noviembre de 2008 (recuerden esta fecha cuando estén leyendo el reportaje, si no quieren perderse). ¿Por qué hoy? Porque quiero que sirva de contraplano a la entrega de los Premios Goya que tendrá lugar esta misma noche.  Por supuesto, no están todos los que son, (faltarían, por ejemplo, Albert Serra, Chapero-Jackson y Antoni Pinent, entre muchos otros), pero sí son todos los que están. Aquí lo dejo…

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Nos les quita el sueño ocupar los espacios de más riesgo de la cinematografía o el vídeo: están abiertos a lo imprevisto, mezclan realidad y ficción, ponen en solfa los cánones de la producción, no se amilanan ante los soportes o los formatos, defienden puntos de vista atrevidos y valientes… Son seis realizadores del otro cine español, el que no llega a las grandes salas.

No son borreguitos que siguen la misma estela o al mismo pastor. Pertenecen a una generación que se mueve libidinosamente en torno a la treintena y comparten códigos, pero también utilizan nuevos lenguajes y se muestran reflexivos y dispares en sus formas estéticas y temáticas. Son seis realizadores-directores que, como dice uno de ellos, están abiertos a lo imprevisto. Con vosotros, el otro cine español:

Isaki Lacuesta

María Cañas

Óscar Pérez

Virginia García del Pino

Lluís Escartín

Jorge Tur Moltó

Ya no hablamos de francotiradores, como lo fueron en su día Joaquim Jordá, Iván Zulueta, Víctor Erice o Pere Portabella, ni tampoco del dualismo que enfrenta con cierto ánimo revanchista y trasnochado a Barcelona y Madrid. Los otros realizadores producen al margen: no necesitan de una gran infraestructura, ni de una macroindustria detrás. Lo importante son las ideas y la intención de hablar y contar con un lenguaje nuevo.

La otredad cinematográfica de la nueva generación «juega en diferentes órdenes: el de la narración, el de la referencialidad y el de la experimentación», explica Josetxo Cerdán, coordinador del prestigioso Máster en Documental Creativo de la Universitat Autònoma de Barcelona (UAB). Los otros realizadores no se dejan constreñir por los géneros, «ya no sirve hablar de ficción y documental».

El otro cine español es básicamente inclasificable e indomable, se muestra comprometido socialmente sin caer en el melodrama, es intelectual aunque no pedante y heterodoxamente lúcido y reflexivo. También hace gala del reciclaje visual y la experimentación: se presenta en forma de corto o mediometraje y utiliza formatos dispares (16 mm, Súper 8, Mini-DV, HD o 35 mm). Hablamos de los raritos de la clase, realizadores con formas disímiles de expresarse y a los que el concepto del cine se les queda pequeño. Casualidad o no, todos ellos viven y trabajan en Barcelona (excepto María Cañas, entre esta ciudad y Sevilla). Quizá sea el efecto llamada de la Pompeu Fabra, la Escola Superior de Cinema i Audiovisual de Catalunya y la UAB.  Las salas comerciales hacen todavía oídos sordos a sus obras. La heterogeneidad en la oferta no entra en sus cábalas, no es rentable. La única opción por ahora es el off: festivales, salas alternativas, museos, galerías de arte y, por supuesto, Internet.  

Pinchen aquí para ver el resto del reportaje (páginas 28-33) con declaraciones de cada uno de los cineastas mencionados.

Ver sólo el artículo en formato revista.

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Otra PELÍCULA es posible_Un hombre soltero

UN HOMBRE SOLTERO

Dir.: Tom Ford
Fecha de estreno: 12.02.10

Un día es sólo un día, pero puede ser el día que marque la diferencia. Un tonto juego de palabras, sí, pero me sirve para introducir lo que aquí acontece, pues todo en esta historia tiene lugar a lo largo de 24 horas (el reloj es una presencia constante que nos va desgranando gota a gota el tiempo en el que transcurre toda la trama).

Estamos en Los Ángeles, 1962, punto álgido de la crisis de los misiles cubanos, así como de la posibilidad de una guerra nuclear, y el miedo se extiende por todo el planeta. Éste es el contexto que acompaña a la trama principal de Un hombre soltero. Pero de lo que realmente nos habla el primer largometraje de Tom Ford (Texas, 1961), acreditado diseñador de moda que, en 2004, fundó su propia productora de cine, FADE TO BLACK, es de la soledad no buscada, de la pérdida del deseo de seguir viviendo cuando nada parece tener sentido.

Un hombre soltero nos cuenta la historia de George Falconer, un profesor universitario (Colin Firth) que pierde a su pareja (Matthew Goode) en un accidente de tráfico, hito a partir del cual intenta seguir adelante, sin apenas conseguirlo, apenas rememorando la vida en común que dejó atrás un inesperado suceso. El sinsentido acecha su vida y decide suicidarse al finalizar el día. Tras esta dramática decisión cada segundo adquiere vital importancia para George y es visto y vivido por éste desde una perspectiva totalmente diferente.

Y es que todos podemos perdernos en algún momento de nuestras vidas. El propio Tom Ford, así lo asume: Hay mucho de mí en mi versión de George. Mucha gente pasa por una especie de crisis espiritual al llegar a la mediana edad. Conseguí grandes logros en el mundo material a una edad muy temprana: seguridad económica, fama, éxito profesional y más bienes materiales de los que podía disfrutar. Tenía una vida personal plena, un maravilloso compañero sentimental con quien llevaba 23 años, dos estupendos perros y gran cantidad de amigos pero, de algún modo, me perdí un poco (…). Nuestra cultura anima a pensar que todos nuestros problemas se pueden resolver mediante bienes materiales. Había descuidado por completo el aspecto espiritual de mi vida.

Ésta es la adaptación cinematográfica de la novela A Single Man de Christopher Isherwood, una novela cuyas formas son las de monólogo interior y que aquí se transforma en una serie de encuentros con otros personajes (entre ellos, una magnífica Julianne Moore y un no menos impactante Nichotas Hoult); un protagonista más cercano a lo políticamente correcto y con claras intenciones de quitarse la vida.

Algunos pensarán que estamos ante la típica película de temática gay. Se equivocan. El tema que aborda es universal, el sentido de la vida, y lo hace desde el respeto y el susurro, contando con una bella fotografía responsabilidad del joven catalán Eduard Grau (fíjense también en cómo van cambiando los colores en función de los cambios emocionales que sufre el protagonista, una banda sonora impecable a cargo de Shigeru Umebayashi (responsable de la susodicha en In The Mood For Love de Wong Kar-Wai) y Abel Korzeniowski, además del buen hacer de Colin Firth, que se hizo con la Copa Volpi en la pasada edición del Festival de Venecia y que ha sido nominado al Oscar a Mejor Actor Protagonista. El filme cuenta, además, con otro español en su haber, el modelo Jon Kortajarena, que debuta en esto del celuloide con un papel secundario, una suerte de morboso James Dean. Y no, NO ES MODA TODO LO QUE RELUCE.

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MÁS INFO

Género: Drama

Reparto: Colin Firth, Julianne Moore, Matthew Goode, Ginnifer Goodwin, Nicholas Hoult, Jon Kortajarena.

Guión: Tom Ford, David Scearce
Fotografía: Eduard Grau
Música: Shigeru Umebayashi y Abel Korzeniowski

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www.asingleman-movie.com

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PUBLICADO POR LA QUE ESTO SUSCRIBE EN NOTODO.COM (aquí pueden ver una buena galería de imágenes de la película)

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Criticar por criticar o no_Wong Kar-Wai_Trilogía

EN EL PASADO, CUANDO LAS PERSONAS TENÍAN SECRETOS Y NO DESEABAN COMPARTIRLOS, BUSCABAN UN ÁRBOL Y HACÍAN UN AGUJERO EN ÉL PARA SUSURRAR ALLÍ SU SECRETO. LUEGO LO RECUBRÍAN CON BARRO. DE ESE MODO, NADIE MÁS LO DESCUBRIRÍA.

El tríptico como retrato posible del amor (o su recuerdo) en Hong Kong, años 60, en tres partes:

Days of Being Wild (1990) nos acerca a 1960.

In The Mood For Love (2000) retrata de 1962 a 1966.

2046 (2004) se ubica de 1966 a 1969.

El tríptico de Wong Kar-Wai funciona a modo de sutil -o no tanto- desembarco de personajes de uno a otro a film (Maggie Cheung, cuyo personaje en los tres responde al mismo nombre, Su Lizhen, y Tony Leung, el señor Chow en los dos últimos trabajos), a modo de cadencia musical que forma parte del relato (boleros incluidos) que recorre las historias marcando su propio ritmo de sublimación del recuerdo -lento- y haciéndose eco de historias melodramáticas estilizadas, poéticas, añoradas (maravillosa fotografía de fotografía Christopher Doyle), repletas de lluvia que empapa tanto como el amor, protagónicos espejos que multiplican personajes e historias hasta el infinito (luces y sombras, encuentros-desencuentros, amor-desamor, lágrimas rabiosas y lágrimas contenidas, deseo no culminado, emociones contenidas), que nos muestran a unos personajes siempre demasiados solos, que nunca acaban de encontrar la felicidad, siempre errantes, como el pájaro sin patas, de vuelo constante, que sólo se posa en el suelo cuando muere al que alude su primer protagonista (Days of Being Wild).

En la trilogía todo es ficción pero, en ocasiones, esa línea ficcional se rompe con la intromisión, vehiculada a través de la televisión, de una realidad política complicada (la de China durante esos años) que anticipa así los nuevos derroteros que está tomando el cine en la actualidad, unos derroteros que rompen los compartimentos estancos entre cine de ficción y cine documental que enconsertaban sus posibilidades.

Es evidente el díptico formado por las dos últimas. Days of Being Wild, sin embargo, se me escapa, me resulta más huidiza, salvo por una recurrencia temática que, además, señala un mismo contexto, los años 60 en Hong Kong, y un mismo director de fotografía. Aparte de todo esto, que no es baladí, lo reconozco, hay algo que no me deja ver nítidamente el tríptico.

Esta nimiedad, desde luego, no tiene la menor importancia (valga la redundancia) y, desde aquí, les recomiendo fervientemente que se empapen de la trilogía y de su laberíntico desarrollo.

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