Santiago Auserón / Domingo de remember

Hoy, en Domingo de remember, recupero la entrevista que le hice a Santiago Auserón en agosto de 2008 para la revista EME (El Mundo). ¿La excusa? Estos días presenta su nuevo disco, Río Negro, y ha dado comienzo su gira 2011.

portada Juan Perro_Rio Negro

Imagen portada: La huella sonora

En aquel entonces nos habló de Radio Futura y su disolución, de las descargas ilegales en Internet, de Panero y la poesía, de la autoproducción como salvación y único camino, y de un largo etcétera. Pasen y lean.

 

ENTREVISTA A SANTIAGO AUSERÓN

Santiago Auserón by Quico García
Fotografía_Quico García

Apura precipitada y rápidamente la rueda de prensa de presentación de su último trabajo discográfico, “Canciones de Santiago Auserón con la Original Jazz Orquestra del Taller de Músics”. Grabado en directo el pasado 16 de septiembre de 2007 en el Teatro Principal de Palma de Mallorca, compila una selección del repertorio de Radio Futura y Juan Perro en un formato doble (DVD+CD). Y, sinceramente, suena de vicio. Aprovechamos para hablar con él y nos encontramos con un Auserón (Zaragoza, 1954) que parece someterse a sí mismo a la precisión de las palabras, tanto que matiza cada punto y no deja puntada sin hilo. ¿Demasiado influido por su fiel amante, la filosofía? Quién sabe, pero le sienta bien.

Escuchándole ahora, parece impensable que otrora fuera el compositor de canciones como “No se ría”, “La bola de cristal” y “Soy un electroduende”, entre otras, que ya residen indelebles en nuestro imaginario colectivo. Pero la vida nos cambia, matiza o perfila y, actualmente, Auserón se toma muy en serio a sí mismo, se muestra erudito, buen conversador y siente un profundo respeto por todo lo que acomete profesionalmente. Tanto es así que huye conscientemente de la fama por la fama y ha tomado la decisión razonada y razonable de quedarse fuera de la industria discográfica. La autoproducción es, hoy por hoy, su baza más importante. Le da libertad ante los intereses más mercantiles y menos artísticos. Pero, sobre todo, le permite huir cual alma que lleva el diablo de la imagen de músico-títere, la razón más importante de la desaparición definitiva de Radio Futura. Sin duda, la música pop española se vistió de luto en 1992. Desde entonces Auserón ha buscado, investigado e, incluso, experimentado con todo tipo de sonidos y métricas. Inoculado por la semilla negra, ha germinado Juan Perro, fuerte y sano. Un planeta solitario (o no tanto) en el firmamento de la experimentación sonora que se deja llevar por el son cubano y el jazz.

Durante la entrevista (todo hay que decirlo), cansado ya de responder a la misma pregunta, y sintiéndolo mucho por sus más acólitos fans, nos dice que “Radio Futura no va a volver”. Una pena. Calificado como el mejor grupo español de los últimos 25 años, según una votación realizada por Radio 3 en 2004, ¿cómo no preguntarle por ello? Tras la promo, nos cuenta, viene la calma y promete encerrarse en el estudio a componer nuevas canciones para Juan Perro. Hablemos, pues, antes de que esto ocurra con el visionario y canalla Santiago Auserón.

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Armand Gatti, la revolución de las palabras / Domingo de remember

EDM104_PPLANO_ArmandGatti_fotoPaoloGasparini

Entrevista realizada por la que esto subscribe el 14 de abril de 2010, para la revista El Duende.

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Fidel Castro le otorgó, allá por los 60, el sobrenombre de “El otro Cristóbal”, como aquel “otro” que conquistó América -el mundo, diría yo-, sin armas, con palabras. No en vano, es un celebrado poeta, dramaturgo y cineasta cuya obra entera podría calificarse como una invocación a la resistencia. El ya octogenario Gatti (Mónaco, 1924) sigue conquistando, y no sólo por su verbo. Acudimos a su encuentro con la excusa de la presentación de su Antología poética (Ed. Demipage) en España y se nos muestra como un bebé con su sonajero. Un sonajero que, por momentos, toma la forma de Historia, su historia; por minutos, se transforma en canciones de viva voz que recupera de sus trabajos fílmicos y, por segundos, en puro juego de seducción hacia la periodista. No hay barreras para su genio.

¿Qué le inspira? En realidad la inspiración surge de los encuentros personales, de los movimientos, de los desplazamientos… El objetivo final es andar. Pero también me han inspirado la pobreza de mis orígenes -mi madre era empleada del hogar y mi padre barrendero- y la lucha constante por conseguir una vida mejor.

Usted conoció, siendo reportero, a Che Guevara, Fidel Castro y Mao Zedong. ¿Cómo le sirvió a la hora de crear? Mi obra ha sido mucho más influida por Mao Zedong. Sobre todo, por la relación que creó entre el chino, entendido como lenguaje, y el teatro cuántico, que es a lo que me estoy dedicando últimamente. Mi relación con Mao fue esencialmente poética, es decir, Mao escribía y yo intentaba transmitir eso al público europeo. En cuanto a mi relación con el Che o Castro sólo puedo comentar que fui invitado, a principios de los ‘60, por el incipiente gobierno castrista a rodar allí, como muchos otros artistas afines al régimen que eran invitados a contar la Historia -en realidad, era participar de alguna manera en la promoción del régimen-. Para mí significó rodar una película, El otro Cristóbal, y ganar simbólicamente, a través de una cámara, la guerra que se había perdido años atrás en España. En ella intervino el pueblo, de extras y actores principales, ellos pusieron todos los medios. Fue muy artesanal, un rodaje muy surrealista. Sigue leyendo

Ana María Matute / Domingo de Remember

Ana María Matutes_Quico García

Fotografía_Quico García


Ana María Matute
acaba de recibir el Premio Cervantes 2010, el más prestigioso de las letras españolas y uno de los que se le resistía, comentó durante la entrevista que le hice en septiembre de 2008 para la revista EME (El Mundo). Se convierte, pues, en la tercera mujer en conseguirlo, tras otras dos Marías (permítanme la licencia): María Zambrano y Dulce María Loynaz.

Domingo de remember se convierte así en espacio suyo por derecho propio. A continuación pueden leer la entrevista. Llena de dulzura, pero también de picardía añeja. No en vano, tiene un pasado de esos que marcan con hierro candente y dejan un frío poso repleto de cálida melancolía. Pasen y lean.

 

ENTREVISTA A ANA MARÍA MATUTE

Es considerada “una de las voces más personales de la literatura española”. Tanto es así que, desde 1998, ocupa satisfecha uno de los sillones de la Real Academia Española (su sillón, el K) y ha recibido numerosos premios a lo largo de su trayectoria, desde el Nacional de Literatura al Nadal, pasando por el Planeta y el Lazarillo. Además, fue nominada al Premio Nobel de Literatura en 1976 y, aunque se le resista el Cervantes, en 2007 recibió el Nacional de las Letras Españolas.

Matute (Barcelona, 1926), sin embargo, tiene un pasado de esos que marcan con hierro candente y dejan un frío poso repleto de cálida melancolía. Sin duda, su atípica infancia ha delineado su trayectoria como escritora. La propia Matute nos cuenta que creció en una familia de la pequeña burguesía catalana, pero que no todo fueron parabienes. Su infancia trascurrió entre largos periodos de convalecencia (“era una niña muy enfermiza”) que le obligaron a crear su propio imaginario literario. Las sombras en las paredes de su habitación y los cuentos, afirma, fueron destacados e imprescindibles elementos de juego. Por eso, imaginamos, a la escritora le resulta difícil distinguir entre la delgada línea que separa lo real de lo imaginario. De hecho, el ingrediente “mágico” es clave en su cocción (producción) literaria y convierte gran parte de sus libros en pura quimera. Pero también formó parte de la generación de los “niños asombrados” (ella misma dice haber creado esa expresión) que crecieron y tuvieron que lidiar con un universo perfilado por las grietas del enfrentamiento entre Caín y Abel, el de la España de la guerra y la posguerra. Un universo que, posteriormente, plasmaron en sus relatos, “asombrados” ante la barbarie que habían vivido siendo niños. Matute fue y sigue siendo una niña que devora la vida, que tiene imaginación, pero también memoria. “Con 17 años escribió su primera novela, Pequeño teatro, por la que Ignacio Agustí, director de la editorial Destino en aquellos años, le ofreció un contrato de 3.000 pesetas que ella aceptó. Sin embargo, la obra no se publicó hasta ocho años después.” Los Abel (1948), una metáfora sobre la Guerra Civil, se convertiría así en su primera novela publicada. Posteriormente, llegaron otros relatos, tan inolvidables como el primero. No en vano, la autora entiende el negro sobre blanco como una forma de protesta sin la que no podría vivir y se aplica con empeño y sabiduría. Pero su verdadero éxito de ventas llegaría con Olvidado Rey Gudú (1996). Todo un revulsivo para la novelista. Cuatro años más tarde, vio la luz Aranmanoth. Su última novela hasta la fecha.

Nos encontramos con la octogenaria escritora momentos previos a la conferencia inaugural de los Cursos de Verano 2008 de El Escorial que ella misma llevará a cabo, pese a encontrarse todavía en silla de ruedas recuperándose de una reciente enfermedad (nada grave, nos comentan). Se muestra coqueta y risueña, con ganas de romper esquemas preconcebidos respecto a ella y su aparente fragilidad. La novelista, sin duda, es pizpireta y, antes de empezar la entrevista, pide con fervor un poco de picardía en su Coca-Cola. Irónica responde a nuestras múltiples preguntas, protestando animosamente si no reímos sus gracias (a veces, picardía de por medio, es difícil entender sus palabras). ¿Valoración final? Agradable, pero con acusado carácter. Como un buen vino añejo. Así es Matute. Sigue leyendo

Entrevista a Gerardo Olivares / Domingo de remember

Gerardo Olivares

Hoy Domingo de remember es igual a Gerardo Olivares. ¿La excusa? Una casi perfecta: el próximo 26 de noviembre llega a las salas patrias su nuevo trabajo, Entrelobos, una historia basada en un hecho real capaz de hacer tambalear nuestras hieráticas maneras y congelados sentimientos. Así las cosas, recojo aquí la entrevista que le hice el 27 de diciembre de 2007 para Autozine, por si, como espectadores, quieren conocer un poco más a quien está detrás de la cámara.

MÁS INFO:

http://www.entrelobos.es
http://www.wandavision.com


ENTREVISTA A GERARDO OLIVARES

Olivares (Córdoba, 1964) ha sido noticia en los últimos meses gracias a que 14 kilómetros, su segundo y más reciente trabajo de ficción, ha logrado hacerse con la Espiga de Oro del Festival de cine de Valladolid. El premio no pasaría de anecdótico, sino fuera porque con ello se ha convertido en el primer español en conseguirlo. Recuerden que llevamos más de medio siglo de festival. Pero el cineasta de origen cordobés no es estrictamente un recién llegado con suerte. Ni mucho menos. Su trayectoria profesional es fecunda. Ha dirigido, participado y colaborado en  documentales de viajes, culturales, antropológicos, de investigación y naturaleza entre los que destacan: La Ruta de las Córdobas, La Ruta de los ExploradoresLa Ruta de Samarkanda, Los herederos de Gengis Kan, Los hijos del Jaguar, Bajo la sombra de los Annapurnas, Una nube sobre Bhopal y  Mekong, el río de los nueve Dragos. Todos ellos emitidos en TVE. Vamos, todo un tropel de documentales que Olivares ha disfrutado como un niño. No en vano, abandonó la carrera de periodismo en su tercer año por un trabajo en la revista Los aventureros que le permitió viajar y conocer aquellas culturas y pueblos que sólo podía imaginar o disfrutar de una forma pasiva (en televisión) desde el cómodo sofá de su casa. Pero la cosa no sólo quedó en eso. También creó, en 1991, Transglobe Films, una productora de documentales que dejó atrás hace ya cuatro años en busca de nuevos proyectos.

Sus trabajos, tanto de ficción como documentales, hablan de otras culturas, nos acercan a ellas y nos embaucan con su belleza y diversidad, aunque también pretenden sensibilizarnos con un problema, el del continente africano, que en palabras del propio Olivares es muy serio y “no podemos solucionar subiendo la valla de Melilla tres metros más”.

Ya en su primer trabajo de ficción, La gran final, nos tocó la fibra sensible desde el lado más cómico (hay ciertos matices que recuerdan al Berlanga de la España de gallina y pandereta) y surrealista. Su película planteaba la siguiente situación: qué pueden llegar a hacer personas de diferentes culturas (subdesarrolladas) para poder ver en una pantalla de televisión la final de la Copa del mundo de fútbol. Dejando atrás lo superficial, aprovecha para mostrarnos la particularidad y riqueza de cada forma de vida, de cada pueblo que nos presenta, sin necesidad de caer en lo pedagógico. Por su parte, 14 kilómetros ahonda en el tema de la inmigración. Tanto es así que su título hace alusión a la distancia que separa África de Europa. Una distancia que preocupa y ocupa el centro de atención de un cineasta atípico en el territorio patrio, tanto por sus historias como por sus formas.

Casualidad o causalidad, Olivares es además miembro de Thinking Heads, plataforma desde la que se dedica a dar conferencias sobre la inmigración. Es más, junto a la secretaría de inmigración del Ministerio de Trabajo y Asuntos sociales, dará en breve un ciclo de conferencias por toda España para sensibilizar a la gente joven sobre dicho tema y pretende hacer lo mismo en los países desde los que parten los cayucos. Sigue leyendo

Usun Yoon, esa gran desconocida / Domingo de remember

Usun Yoon-oscarltejeda

Imagen: Óscar L. Tejeda

Como buen Domingo de remember, vamos a echar la vista atrás. En este caso, la protagonista es Usun Yoon, esa gran desconocida a la que el público general le atribuye bondades físicas y cuyo intelecto, que lo tiene, pasa por alto.

ENTREVISTA REALIZADA A USUN YOON EN FEBRERO DE 2009 PARA PLAYBOY

Usun Yoon, se ha colado con estrépito y fanfarria en la parrilla televisiva de La Sexta, pero también en nuestros corazones. Su personaje de reportera “dicharachera” que se hace la sueca siendo coreana ha dado más de un sobresalto a muchas caras populares del show business patrio desde que se “estrenara” como reportera en El intermedio a finales de 2007. Pero también ha desencajado mandíbulas en múltiples hogares. Aunque no le guste, no podemos evitar mencionar que su personaje es la versión femenina del Tonino de Caiga quien caiga. Toda ella (o su personaje) es humor absurdo y surrealista, puro homenaje a Mariano Ozores y las casposas películas post-franquismo. Por eso mismo, afirma ser de Utrera (Sevilla) sin serlo.

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Domingo de remember_Jess Franco

JESS FRANCO, CINEASTA, MADRID, 1936

Es domingo y toca recordar. Les dejo con la entrevista que le hice a Jess Franco en diciembre de 2007 para la sección En esto Creo de la revista Esquire.

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DECLARACIONES DE JESS FRANCO

Nadie es profeta en su tierra. Yo tampoco. Afortunadamente, en el mundo hay más tierras que la mía.

Mi apellido (Franco) es el que recibí de mi padre y no me pidió ni colaboración ni opinión. De todos modos, es un apellido francés de origen. “Los Francos” era el nombre que recibieron los judíos franceses.

El lado salvaje de la vida puede ser el maravilloso tema de Lou Reed o un modo de vivir. Ambas posibilidades me encantan.

Cuando era joven era muy radical, con lo que me gané muchas enemistades. Eso me hizo reaccionar y hacerme mucho más radical.

A mi edad uno ya no traga con nada.

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Domingo de remember_Carlos Fuentes, escritor

ENTREVISTA A CARLOS FUENTES

Recuerden que estamos en Domingo de remember y que, por lo tanto, lo publicado aquí pertenece al pasado. Un pasado, en este caso, muy cercano, dado que mi entrevista a Carlos Fuentes (Panamá, México, 1928) fue publicada en febrero de 2010 en la revista Esquire.

Como ya les he comentado en múltiples ocasiones, la sección “En esto creo”, donde ha sido publicada esta entrevista, no incluye las preguntas del periodista, sólo las respuestas del entrevistado. Pasen y lean.

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Fotografía: Diego Martínez
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Domingo de remember_Albert Boadella

ALBERT BOADELLA_EN ESTO CREO

Fuente imagen: blog de Boadella

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ENTREVISTA realizada en mayo de 2008 /
Publicada en la revista ESQUIRE en octubre de 2008

* Como siempre, comentarles que la revista Esquire, en su sección En esto creo, no publica las preguntas del periodista, sólo las respuestas del entrevistado. Así pues, les dejo las declaraciones que Boadella hizo para Esquire.

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ALBERT BOADELLA (Barcelona, 1943)

Dramaturgo, actor, bufón…

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Como actor siempre me he considerado muy malo. Me he visto más como dramaturgo.

Els Joglars (compañía teatral creada en 1962) significan y han significado mi vida y la de muchísima gente que ha formado parte de ello.

Durante los últimos años, Els Joglars ha sido una de las compañías más españolas. Siempre ha tenido un autor español detrás de sus espectáculos.

La crítica y la sátira son aspectos imprescindibles para una sociedad mentalmente sana, para aplicar una terapia frente a los fetiches y tabúes que la sociedad va creando, que no son sino excusas para ejercer el poder de forma desmesurada.

Mi relación con la autoridad ha sido normalmente complicada. Las relaciones entre los artistas y las autoridades tienen la obligación de ser difíciles. Cuando son fáciles es porque los artistas se han convertido en funcionarios.

La importancia de la Nova Cançò se debe a la imposición absurda y desmesurada de la lengua castellana en Cataluña, lo cual provocó una reacción en contra. La Nova Cançò era nueva en cuanto a que utilizaba la lengua catalana pero, desde el punto de vista musical, no aportaba casi nada.

Josep Pla y Dalí significan los dos extremos mejores de lo que es Cataluña. Uno, con un enorme sentido común, siempre en positivo; el otro, un genio que, muchas veces, a través de expresar lo negativo consigue provocar al ciudadano. Por lo tanto, entre el uno y el otro representarían la perfección de un artista.

El problema del teatro es que el público tiene unos deseos inmensos de ver cosas que muchísimas veces nosotros, los comediantes, no tenemos talento suficiente para ofrecer. Sobre todo, actualmente. El público necesita asistir a un ritual directo, cansado de ver tantas cosas enlatadas.

La libertad de expresión es la forma imprescindible de una comunidad civilizada, pero tampoco puede mostrarse bajo la tensión, el insulto y la calumnia que muchas veces se esconden detrás de este magnífico eslogan.

La Torna supuso un episodio más propio de cuatro o cinco siglos antes que a finales del siglo XX, tal y como aconteció. Supuso para la compañía unas enormes dificultades, puesto que estar en la cárcel durante la transición no es lo que corresponde a una compañía de teatro. Pero, al mismo tiempo, también saber exactamente lo que era el poder, la fuerza… A través de esta experiencia aprendí a que no me volviera a coger otra vez el gato.

Los enemigos son un estímulo importante para un artista. Eso significa que su trabajo no pasa indiferente y es un acicate constante para seguir incitándoles todavía más. Pero si son excesivos o demasiado importantes, como ocurrió con La Torna, puede acabar siendo un gran problema.

La lengua que hablo con mi mujer y mis hijos es el catalán, pero cuando hablo en español siento que también es mi lengua. Por lo tanto, casi diría que no hay diferencias. No sé exactamente en qué lengua sueño.

Me considero anti-urbanita. Vivo desde hace muchos años en el mundo rural y me cuesta soportar el mundo urbano. Pero si tuviera que elegir ser urbanita, prefiero serlo de Florencia o de París.

Del nacionalismo diría una escatología, es como un pedo que sólo le gusta al que se lo tira. El de al lado lo encuentra insoportable. 

Las intenciones son la de ser genio y figura hasta la sepultura. Aunque en eso la última palabra la tiene la naturaleza.

Mi trabajo es básicamente un juego como pueda ser la de un torero o un pintor. La palabra “trabajar” no me parece la más adecuada para significar lo que hago y hace el artista.

El humor es la mejor herramienta para conseguir liquidar el fanatismo y el fundamentalismo de las cosas. El humor es siempre una distancia respecto a los acontecimientos.

Admiro a muchísima gente, pero sobre todo a mis antepasados. Al paleolítico por conseguir en circunstancias tan difíciles cosas como, por ejemplo, las cuevas de Altamira.

Odio tener que trabajar, porque es realmente un castigo bíblico. El hombre debería siempre jugar y, luego, descansar.

El momento más culminante de mi carrera tiene lugar cuando acudo, junto con mi compañía, al Festival de Spoleto, en Italia, pues es partir de entonces cuando empieza nuestra proyección internacional.

Me siento satisfecho con la vida que he llevado hasta el día de hoy. Me parece un auténtico regalo de los dioses.

Mi familia representa para mí lo más cálido, pero también el lugar donde se me perdonan todos mis desequilibrios y mis canalladas.

A los anti-taurinos les diría, en primer lugar, que no coman carne porque están viviendo en una inmensa contradicción y, en caso de ser vegetarianos, les diría que piensen que con su actitud acabarán con una raza extraordinaria como es la del toro de lidia.

El teatro es la única cosa que hago con más o menos placer y una cierta maestría. Soy un inepto total en otras facetas, aunque a veces muestre cierta audacia. Pero es audacia, nada más.

Las “Memorias de un bufón” son una parte de mi vida en la que, sobre todo, muestro las inmensas contradicciones que existen no sólo en los artistas, sino en cualquier persona. Las personas o cosas a las que, a veces, amas mucho pueden ser tus peores enemigos. Creo que es un libro contado con una cierta sinceridad, justo hasta el límite que implica no dañar a gente que todavía está en activo. Eso me pasa por hacer unas memorias demasiado joven. Pero puedo verlo en positivo y es que no quiero ser de aquellos que acostumbran a escribir sus memorias cuando ya han perdido la suya propia. 

Tengo un cierto hartazgo con toda la situación nacionalista, con la política y con el clima que se ha generado en Cataluña en los últimos años.

Actualmente estoy trabajando en una obra, “La cena”. Básicamente trata de expresar la inmensa hipocresía e impostura que ha calado en nuestra sociedad. Todo el mundo hace demostraciones de magnanimidad y bondad que no se corresponden para nada con la realidad. Nunca antes había existido una época tan puritana e hipócrita como la que estamos viviendo y, a partir de este pensamiento, he construido una sátira sobre el medioambiente y el cambio climático.

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Domingo de remember_Álvaro Pombo

Fotografía_ © Daniel Alea (2009)

Aprovechando que se acaba de presentar la Nueva Gramática de la Lengua Española, tras más de una década de trabajo conjunto de las 22 Academias de la Lengua para conformar lo que se ha dado en llamar el “mapa del Español”, recupero aquí una entrevista a Álvaro Pombo (Santander, 1939), escritor, intelectual y miembro de la Real Academia de la Lengua Española (por lo tanto, responsable de esta nueva obra), que realicé para la revista Esquire el pasado mes de marzo.

La entrevista tuvo lugar en su céntrica casa de Madrid entre miles de libros desordenados y amontonados por doquier y una curiosa protagonista, la ceniza (de cigarros, entiéndanme), esparciendo su presencia, marcando territorio (fíjense, sino, en la foto realizada ese mismo día). La intimidad de su abigarrado salón nos mostró al Pombo más inquieto y expresivo, capaz de desprender una energía y una convicción inigualables a la hora de transformar sus pensamientos en palabras.

Sin más rodeos, les dejo sus palabras. Como siempre, les recuerdo que la sección En esto creo en la que la entrevista fue publicada sólo recoge las declaraciones del entrevistado, no las preguntas realizadas por el/la periodista.

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Entrevista realizada por la que esto suscribe en marzo de 2009
Publicada en Esquire en mayo de 2009

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DECLARACIONES DE ÁLVARO POMBO

En mi época éramos muy burros, aunque ahora nos guste pensar que devorábamos libros de Virgilio y Platón. Y no es cierto. Yo fui un estudiante regular, no muy bueno, la verdad.

Es cosa de la derecha afirmar que la gente joven no lee. Yo creo que están muy despiertos y que leen lo que pueden, pero lo hacen de otra manera, por ejemplo, a través de Internet. Para mí es muy cansado hacerlo ante la pantalla del ordenador.

No creo que los libros vayan a desaparecer en favor de Internet. Yo trato de aprovechar sus utilidades y soy consciente de que determinan una relación distinta con el pensamiento y la forma de expresarse del ser humano.

No estoy en contra del matrimonio gay, aunque durante un tiempo sí he criticado el uso de la palabra “matrimonio”. Ahora creo que sí hay que utilizarla porque si no, jurídicamente, se produce una desigualdad en los derechos. Y en vista de que la Iglesia Católica española se está comportando de una manera tan retrógrada, lo apoyo completamente.

Las influencias más importantes de un escritor son siempre las que recibe de joven, no de lo que va leyendo después. En mi vida han sido relevantes escritores como Thomas Mann, Graham Greene y Georges Bernanos; pensadores como Unamuno, Sartre, José Luis Aranguren y José Antonio Marina; poetas como T. S. Eliot, Rilke, José María Valverde, Antonio Machado o Luis Cernuda. Aunque es difícil decir qué cosas de las que uno lee influyen más o menos en lo que hace.

Gané el Premio Herralde de Novela en 1983, pero hasta 1991 no obtuve el de la Crítica. Mientras tanto, estuve trabajando en un banco y haciendo toda clase de actividades. Los premios me han venido muy bien. La venta de libros es complicada y los galardones generan automáticamente publicidad y, por lo tanto, más ventas. Pero, en general, puedo afirmar que he tenido una carrera extensa y laboriosa.

Yo nunca soy jurado de nada. No me gusta decidir sobre el trabajo de los demás. Lo he hecho dos veces con el Premio Planeta, porque creía que tenía esa obligación. Pero es algo que no me gusta, no soy un crítico.

La carrera de un escritor es larga. En verdad, no termina nunca. Una vez has escrito un libro y se publica, lo olvidas y empiezas con el siguiente. Escribir es un oficio que mejora con el paso de los años. El talento puede tener una importancia inicial, pero con el tiempo no es suficiente. Sólo de talento no vive un escritor.

Ser miembro de la Real Academia de la Lengua es un gran honor. Es una institución que vela por la expansión del español y, hoy en día, está muy viva y pujante. Aunque la tarea de los escritores no es hacer los diccionarios; eso es trabajo de los lexicógrafos y filólogos. Mi verdadera función en la Academia es la de creador, la de escritor.

El erotismo y el sentimiento no se pueden separar a la hora de escribir. Pero no mido el porcentaje de cada uno de ellos, no es una receta. Los hombres somos seres sexuados y, en consecuencia, nuestras vidas están llenas de erotismo y sentimiento.

Mi formación católica está bien visible en mis libros. Me considero cristiano, pero en estos momentos debo reconocer que me siento completamente fuera de lo que es la Iglesia Católica.

Un escritor no nace, se hace. Por muchas cualidades personales que uno tenga, si no se trabaja, no se llega a ser escritor. Todo el asunto en esta profesión es la construcción de uno mismo.

Tengo un blog sobre Obama que se llama The First Dog (apombo.blogspot.com), donde trato de recoger mis impresiones sobre tan particular presidencia. Estoy convencido de que en la Red hay muchas posibilidades expresivas para la gente, pero creo que los chat son una auténtica pérdida de tiempo.

Como escritor soy muy metódico. Trabajo a horas de oficina y burocráticamente. Si sacas un folio o dos a diario y trabajas 365 días al año, te salen más de 600. Quitas 300 y, aun así, te sale una novela. Siempre procuro escribir, con ganas o sin ellas.

Empecé muy joven, en el colegio. Tendría unos 12 ó 13 años. Aunque lo de publicar vino mucho más tarde, casi con 40. La primera vez que lo hice en España fue en el 77 con La Gaya Ciencia, la editorial de Rosa Regàs.

Yo he sido poeta antes que escritor. Para mí la poesía es lo mismo que la prosa, forma parte de un bloque completo que es el ir escribiendo. No hago una distinción muy especial entre una y otra.

Siempre escribo el libro que creo que tengo que escribir y trato de hacerlo de la mejor manera posible, con la misma energía y dedicación, trate de un tema u otro. Puedo decir que en todos los casos he escrito el mejor libro que sé hacer.

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Domingo de Remember_Paul Naschy

PAUL NASCHY In Memoriam


Fotografía_  © Óscar L. Tejeda (2007)

Como saben, Paul Naschy (Jacinto Molina), el “hombre lobo”, nos dejó el pasado 1 de diciembre. Como les comenté hace apenas unos días, hoy voy a dedicar la sección Domingo de Remember a recuperar la entrevista que tuve el placer de hacerle en el Festival de Sitges 2007 para la revista Esquire (recuerden que se publicó en la sección EN ESTO CREO, por lo que se recogen las declaraciones, no las preguntas).

Por cierto, en enero está previsto el estreno de su último trabajo como actor en una película de género:  La herencia Valdemar, de José Luis Alemán. Les dejo el tráiler, que lo disfruten.


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Entrevista realizada el 13 de octubre de 2007
Publicada en Esquire en enero de 2008

Mi primera incursión cinematográfica fue en “Rey de reyes” de Nicholas Ray, en 1961, como extra destacado y gracias, sobre todo, a mi aspecto fornido. No en vano, fui campeón nacional de halterofilia en España.

Waldemar Daninsky es el personaje que me ha lanzado a la fama mundial y al cual debo el hecho de ser considerado un icono del cine fantástico junto a personajes de la talla de Lon Chaney, Peter Cushing, Boris Karloff o Christopher Lee.

Yo no iba a ser el protagonista de “La marca del hombre lobo”, la película que me dio éxito mundial, sólo iba a ser el guionista. Se había pensado en Lon Chaney (padre) como actor principal, pero como estaba muy enfermo la productora me propuso hacer unas pruebas, tanto de galán como de hombre lobo, que finalmente superé. Y, hete aquí, que me convertí en el hombre lobo, personaje con el cual llevo ya 14 películas.

No entiendo que Christopher Lee reniegue de Drácula, porque si no hubiera interpretado a este personaje no podría haberse convertido en el mítico actor que es actualmente. Yo también le debo mucho al hombre lobo.

Cuando me dieron el Premio Georges Méliès del festival de cine fantástico de París por “El jorobado de la morgue”, en 1972, no me lo podía creer. Me siento muy satisfecho con los premios recibidos a lo largo de mi carrera. Me han otorgado el Carl Laemmle (nombre que rinde homenaje al fundador de la Universal), un premio que, dentro del fantástico, es como el Oscar y la Medalla de Oro de las Bellas Artes en España, entre otros.

La industria japonesa me llamó, sorprendentemente, para hacer películas sobre la cultura española. Realicé trabajos sobre el Museo del Prado, El Escorial, las cuevas de Altamira, la Historia de España y el Palacio de Oriente de Madrid. De hecho, gané el premio a la mejor película cultural del año en 1981.

Mi periplo japonés duró seis años y supuso un gran enriquecimiento personal. Fui socio de Toshiro Mifune, el mejor actor de todos los tiempos que ha dado Japón, quien había puesto en marcha unos estudios de cine en Tokio. Juntos rodamos series, películas y spots publicitarios.

Han pasado 42 años desde que empecé en esto del cine, llevo más de 100 películas (buenas, malas y regulares) y sigo aquí cumpliendo años y trabajando. Todo terminará el día que me canse y ya no tenga ganas de luchar. Será entonces cuando me dedique plenamente a pintar o escribir.

La obra maestra del género es “Al final de la escalera” de Peter Medak. Es tan buena y tiene tantos resortes que, desde entonces, lo único que se hace es abundar, abundar y abundar en lo mismo.

Me fascinan el expresionismo alemán y la Universal, aunque también me gusta la Hammer, el fantástico italiano y el español.

En España hay un menosprecio por el cine fantástico. En este país o nación de naciones (como le llaman algunos) existe una especie de aversión por la muerte, se la teme mucho y, necesariamente, el fantástico o el cine de terror juega con la pequeña línea roja que divide la vida de la muerte.

Si pasas revista a las mejores películas de la historia del cine, te darás cuenta de que hay muchísimas películas fantásticas: “Tiburón”, “Resplandor”, la versión que hizo Bela Lugosi de “Mr. Jekill y Mr. Hide”, por no hablar de los expresionistas alemanes, los grandes inventores del cine moderno entre los que podemos mencionar a Murnau, Browning o Whale. En España despreciamos el fantástico en general, pero el español todavía más. Aunque sí es verdad que ha habido una pequeña evolución, sobre todo, por parte del público.

Sólo Christian Molina se ha acordado de mí. Con él hice “Rojo sangre” en 2004. De toda esta pléyade de nuevos directores del cine fantástico y de terror españoles que han ido surgiendo, ninguno ha contado conmigo en sus repartos. Es como si, por ejemplo, en Inglaterra teniendo a Peter Cushing o a Christopher Lee y en Estados Unidos a Boris Karloff nadie hubiera pensado en ellos para trabajar. España es un país muy especial.

La diferencia entre el cine de terror que se ha hecho en España y el que se está haciendo ahora es mucha. El cine de aquella época tenía unas raíces muy nuestras, aunque eran cosmopolitas (lo que facilitaba su salida al exterior) y, sobre todo, al ser películas artesanales se daba mucha más importancia al argumento. Tenían un encanto que se ha perdido. Ahora tienen más medios, están mejor realizadas, pero no me interesan nada sus historias.

Ahora mismo me encuentro inmerso en mi nueva aventura cinematográfica, “Empusa”, una película de vampiros que cuenta en su reparto con actores y actrices españoles como Saturnino García o Laura de Pedro. La película sigue la estela del vampiro romántico que creó Polidori, prototipo de vampiro que tan magníficamente han representado Bela Lugosi y Christopher Lee para la gran pantalla. La película se estrenará en unos meses y tendrá una distribución internacional.

Acabo de publicar el cómic “El retorno del Hombre Lobo”, junto con Javier Trujillo, en lo que significa una traslación del séptimo al noveno arte, del celuloide a las viñetas. Amo profundamente el cómic y su estética, ya que está muy cerca del cine. Las viñetas no dejan de ser planos-secuencia.

Mi próximo proyecto pasa por dirigir a Christopher Lee y compartir rodaje con él. Va a hacer de Don Quijote, un papel con el que ha soñado toda su vida, aunque, por supuesto, dentro de una historia algo fantaseada.

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