Domingo de remember_Jesús Ordovás

JESÚS ORDOVÁS_ENTREVISTA

Fotografía_Quico García

Recuerden que estamos en Domingo de remember y que, por lo tanto, lo publicado aquí pertenece al pasado. En este caso remite a enero de 2009, a una entrevista que le hice a Jesús Ordovás, un mito de la radio con quien compartí un mini tiempo radiofónico. Realizada para la revista EME (Unidad Editorial).

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Esta es la historia de un hombre que quiso ser Bob Dylan y se compró una guitarra y una armónica. Esta es la crónica vital de alguien que se dejó llevar por las palabras e ideales de dos de los grandes escritores beat, Jack Kerouac y Allen Ginsberg. Ahora, treinta años después de iniciar su propio camino, nos encontramos con una persona pausada, pero increíblemente activa e interesada por todo lo que acontece a su alrededor (no en vano, es licenciado en Ciencias Políticas), y, sobre todo, satisfecha con su trayectoria personal y profesional. Su nombre ya forma parte de la Historia de la música en España.

Jesús Ordovás
(Ferrol, 1947) se ha convertido por méritos propios en toda una institución. Ha dirigido y presentado uno de los programas radiofónicos más referenciales de las últimas décadas, “Diario Pop” (Radio3), escrito una docena de libros tan reconocidos y reconocibles como “De qué va… el Rrollo” e “Historia de la música pop española”, además de las biografías de Bob Dylan, Bob Marley y Jimi Hendrix; ha dirigido y presentado el programa de televisión “Ipop”, pero también ha ejercido su labor de crítico musical en los medios de mayor relevancia del panorama patrio, desde El País a La Vanguardia, pasando por Ajoblanco y Rockdelux. Afirma orgulloso que la música pop le ha salvado la vida y le ha hecho libre, que le ha permitido “hacer programas de radio y televisión, vivir bien, pagar una hipoteca, ver y conocer a los mejores artistas del mundo, y viajar”. Han sido tres décadas en el mundo de la música, un viaje sonoro vital que le ha llevado desde el vinilo al Ipod. Ahora, tras la baja forzosa (ERE obliga) de Radio3, Ordovás ha pasado a ser el eje motor de dos exposiciones itinerantes coordinadas y dirigidas por el MIMMA (Museo Interactivo de Música de Málaga) y donde se pueden ver fanzines, discos, pósters, entradas de conciertos míticos, maquetas, grabaciones de televisión y un sinfín de elementos característicos del pop español de las últimas décadas y, sobre todo, de la historia de Radio3. Pero también se ha publicado el disco recopilatorio “Diario Pop. 25 años de sintonías” (2008) que recoge todas las sintonías de su tristemente desaparecido programa y que surgieron de la mano de muchos artistas afines a su persona y su trabajo. La primera, recuerden, fue la de Aviador Dro, luego vendrían Derribos Arias, Siniestro Total y muchos otros. Un auténtico resumen sonoro de “Diario Pop”. Un lujo para tus oídos. Le entrevistamos, qué casualidad, en la radio del Círculo de Bellas Artes. No podríamos haber encontrado un lugar mejor en Madrid.

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Siempre se dice que un periodista es un escritor frustrado. ¿Es su trabajo el resultado de un músico malogrado?

Sí, yo soy un Bob Dylan frustrado, él era mi guía y yo quería ser él en todo. Me parece el artista más significativo e importante de la Historia de la música. Dylan fue el responsable, en parte, del buen entendimiento que surgió entre Almodóvar y yo. Nos conocimos a través de unos amigos comunes que eran fans de Dylan. Todos escuchábamos el programa de radio que hacía Ángel Álvarez, , “Caravana”, un piloto de Iberia que iba todos los días a Nueva York y traía en exclusiva mundial los discos que se editaban allí. Eso era en los años 60. Fue él quien nos descubrió los discos de Simon & Garfunkel, Love… Tenía un gusto exquisito y hacía un programa muy culto. Resulta curioso hoy en día que los fans de ese programa nos hayamos convertido en los críticos musicales de toda la prensa y la radio de este país. Gente como Julio Ruiz, Diego Manrique, Rafael Reguer, Ramón Trecet, Julián Ruiz

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Londres, París, California… todos ellos destinos vitales de un Jesús Ordovás joven y con ganas de aprender. ¿Destinos necesarios para lograr una visión panorámica del mundo de la música?

En aquellos tiempos tenía en mente un libro de Jack Kerouac, “On the Road”, que viene a decir algo así como que tienes que salir y ver mundo, porque ahí está la vida. De hecho, las canciones de Dylan van en esa línea también. Me fui de Madrid a Ibiza haciendo autostop, luego a Formentera, posteriormente a París, Ámsterdam y también a Londres… Estuve un año en cada una de las ciudades en las que se suponía que había que estar para enterarte de lo que ocurría en el mundo, saber lo que estaba pasando con la música y conocer cuál era mi lugar en el mundo. Es lo que se conoce como viaje iniciático. Trabajé en muchas cosas distintas. Descargué camiones de coca-cola, recogí cebollas en Holanda, corté cuero como ilegal en el sótano de una tienda de Londres (cuando venía la policía nos escondíamos todos en un armario), previamente había estado trabajando como artesano en un puesto del rastro de Madrid donde me dedicaba a hacer cinturones y bolsos, también vendía discos… Todo tipo de trabajos que aportan una idea de cómo son las cosas realmente y no desde la limitada visión de un estudiante como era yo.

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¿Cómo nace “Diario Pop”, su programa de música en Radio 3?

Bueno, por aquel entonces yo trabajaba en Radio España FM Onda 2 y los programas tenían mucho éxito. Carlos Tena, que era muy amigo nuestro, convenció a la dirección de Radio Nacional de España para que un canal que tenían infrautilizado, el Canal 3 de Radio Nacional, se convirtiera en una emisora parecida a la nuestra. Así surgió Radio3, en el año 79, con gente que estaba haciendo programas en Radio1, como Ramón Trecet, Juan Pablo Silvestre y el mismo Carlos Tena, además de los que estábamos en la otra emisora, Diego Manrique, Rafael Abitbol y yo mismo. Primero hicimos 7 horas de programación, luego 12 y, finalmente, llegaron las 24 horas. Radio3 se ha convertido, con el tiempo, en la radio más influyente de este país en materia cultural, no sólo en el ámbito musical.

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Pedro Almodóvar, al frente de su grupo “Almodóvar & McNamara”, llegó a ser número uno en la lista de “Diario Pop” gracias a su single “Suck it to me”. ¿Podría volver a suceder algo así hoy en día que todo parece tan homogéneo y políticamente correcto?

Bueno, entonces todo lo que se hacía era sorprendente. Por ejemplo, “Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón”, la película de Almodóvar, fue todo un revulsivo. Y la canción “Murciana marrana”, compuesta por él mismo para la ocasión, fue todo un hito. Era la primera vez que Alaska se ponía ante el micrófono como cantante. Salió todo tan bien que Almodóvar se puso a componer más canciones. Tenía mucho ingenio. “Suck it to me” me gustó tanto que empecé a programarla en la radio. También programé las primeras canciones de Kaka de luxe, que eran bastante fuertes. Canciones como “Me voy a suicidar” y “Qué público más tonto tengo” sonaban en Radio España FM Onda 2, una emisora totalmente libre donde podíamos hacer lo que nos diera la gana, siempre y cuando no nos metiéramos con el gobierno. Hoy en día, en los medios es todo más homogéneo, está todo más controlado y normalizado. Hacíamos locuras y barbaridades en los años 80, pero también cayeron cabezas. La de Carlos Tena, al que le quitaron el programa de televisión por el vídeo “Me gusta ser una zorra” de Las Vulpes; a Paloma Chamorro la llevaron dos veces a juicio y, definitivamente, también le quitaron el programa; a Lolo Rico le dejaron sin “La bola de cristal”… Casi todos los programas un poco más transgresores o provocadores que hubo en los 80 acabaron con sus directores de patitas en la calle.

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Hace apenas dos años usted también trabajó en televisión presentando y dirigiendo el programa “IPop”. ¿Cómo surge esta oportunidad? ¿Cree que programas como “No disparen al pianista” han recogido el testigo?

Bueno, “No disparen al pianista” es un programa como casi todos los que se hacen ahora mismo… Sólo promocionan aquellos grupos o músicos que quieren las compañías discográficas. En “Ipop” me ofrecían artistas a los que podía decir que no, si no me interesaba su trabajo. Pero a la larga, siempre ocurre lo mismo, las compañías discográficas presionan a la dirección de los medios para que quiten tu programa y metan otro en el que sí tengan cabida sus artistas. Es lo que ocurrió con “Ipop”. Yo prefería llevar a grupos desconocidos que hacían cosas interesantes que a grupos consagrados, aunque me dieran mayor audiencia. Creo que es lo que toca en la 2 de Televisión Española y lo que hacían en su día Paloma Chamorro y Lolo Rico. Incluso llevaron a sus programas a grupos que no había sacado ni su primer disco.

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¿Hubo bandas que temieran sus críticas? ¿Qué tipo de música tenía cabida en la programación de “Diario Pop”?

Cuando empezó Mecano, la compañía discográfica los llevó a Onda2 y Radio3 para que les entrevistara y me dijeron “trátalos bien, no les hagas preguntas difíciles, que están empezando”. Por aquel entonces ya estaban funcionando Radio Futura, Alaska y los Pegamoides, Derribos Arias y todos los grupos rompedores que se encontraban dentro de lo que se llamó La Movida y a los que yo, por supuesto, programaba. Mecano, sin embargo, fue una creación de la CBS para aprovecharse de ese momento y esa efervescencia y tenían miedo de que los criticáramos como lo que realmente eran, un montaje. A la larga han demostrado que sabían hacer canciones, tuvieron éxito y un público fiel.

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¿Podríamos valorar “Diario Pop” como un programa de radio-resistencia frente al lado más mercantil de la industria discográfica?

Soy una persona que ha trabajado siempre sin seguir las corrientes comerciales impuestas por las compañías discográficas y los medios de comunicación. Eso ha sido posible gracias a trabajar en un medio como Radio3. Ha sido una emisora que nos ha dado una gran libertad desde el principio. En ocasiones, hemos tenido problemas con algunos directores, pero en general Radio3 ha sido un oasis de libertad y todavía lo sigue siendo en comparación con otras emisoras.

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El pasado agosto, tristemente, dejamos de escuchar su voz en las ondas. ¿Por qué muere un programa de radio como el suyo? Cuéntenos, ¿qué está pasando actualmente con Radio3 y el famoso expediente de regulación de empleo?

Lo que está pasando ahora mismo es un nuevo cambio de los muchos cambios que ha habido a lo largo de la historia de Radio3. Ha tenido periodos muy difíciles con directores que querían comercializar la emisora y otros que le daban un espíritu más creativo y rompedor. Radio3 depende de Radio Nacional de España, que a su vez es una emisora pública y depende, de alguna manera, del gobierno de turno. Lo que ha ocurrido al aplicar el ERE (expediente de regulación de empleo) es que una parte significativa de Radio3 hemos tenido que abandonar la emisora, pero si sumas Televisión Española, ha afectado a más de 4.000 personas en toda España. Aún así, para mí personalmente, dejar la emisora ha sido muy bueno. Después de casi 30 años de hacer radio, me siento liberado. Tengo todo el tiempo del mundo. Ahora mismo me encuentro encantado de no tener la obligación de ir a trabajar todos los días y poder hacer otras cosas. Era muchísimo trabajo. Pero el ERE también ha sido bueno para la emisora, ya que ha permitido que entre gente nueva en Radio3. De hecho, han nombrado como directores a dos personas que considero muy válidas, Diego Manrique y Lara López. Lo mejor que le podía haber ocurrido a Radio3. Aunque como en cualquier cambio, hay gente que ha sido favorecida y gente que no. De todos modos, Radio3 está actualmente en un buen momento.

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Tras toda una vida dedicada al mundo de la música, ¿cuáles son sus planes de futuro tras la jubilación forzosa de Radio3?

Ahora mismo estoy disfrutando de la vida más que nunca. Me siguen invitando a todo tipo de eventos, festivales y conciertos y, además, no tengo que trabajar, voy de invitado. ¿Se puede ser más feliz? En una situación de crisis como la actual, dispongo de un colchón para toda la vida que me permite vivir y pagar una hipoteca. Nos han echado en unas condiciones inmejorables, somos unos privilegiados que cobramos prácticamente lo mismo que si estuviéramos trabajando.

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Y si hablamos de músicos, ¿es posible que vivan de la música actualmente o sólo se vive de los conciertos? Me refiero, por supuesto, a las descargas incontroladas en Internet y los contratos draconianos de las discográficas…

Hay muchos grupos que viven sólo de conciertos, por ejemplo, Los Planetas y Pereza.  Los Planetas es un grupo ejemplar, ha conseguido libertad creativa (Jota es un verdadero poeta, uno de los mejores letristas), reconocimiento y vivir bien de la música. Pero los cachés de los grupos corresponden a su popularidad. Aunque, claro, también hay otros grupos que tienen que trabajar a tiempo parcial en otras cosas para poder vivir. Las descargas en Internet han permitido a la gente conocer muchos más grupos y disfrutar de más música. Al fin y al cabo, los grupos que tienen éxito se ganan la vida con los conciertos y los festivales, más que con la venta de discos.

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Imagino, además, que a estas alturas de su trayectoria tendrá una colección de discos apabullante… ¿Qué hace con todo lo que recibe?

Ahora mismo tengo tres casas y he comprado un garaje para meter los miles de discos que tengo. Pero no sólo he coleccionado discos, soy un coleccionista compulsivo de todo lo que me parece pop en el sentido warholiano del término. Colecciono revistas, fanzines, libros, cómics… desde los 70 hasta el día de hoy. No es como la enfermedad de Diógenes, es algo mucho más selectivo.

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Musicalmente hablando, ¿cuál ha sido para usted uno de los momentos más inolvidables?

Pues te voy a decir dos. Uno de ellos, el concierto que pude ver en Madrid del grupo Love de Arthur Lee justo un año antes de su muerte en 2006. En los años 70 fui expresamente a Los Ángeles para ver a uno de los grandes cantantes y creadores, cuyo disco “Forever Changes” ha sido catalogado como uno de los mejores de la historia de la música pop y me gusta muchísimo. Finalmente, no pude verlo. Luego metieron a Lee en la cárcel y, cuando por fin vino a España, tocó en la Sala Heineken de Madrid. Y allí estaba yo. El segundo de los conciertos memorables tuvo lugar el primer día que vi a Kaka de luxe. No sabían tocar, ni cantar, pero ver a Alaska, Nacho Canut, Carlos Berlanga, Enrique Sierra, El Zurdo… era maravilloso. Cuando se separaron, montaron los mejores grupos que ha dado la música nacional. Recientemente ver a Russian Red también ha sido algo impactante. Tiene magia.

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¿Quién ha sido para usted el gran descubrimiento y quién la gran decepción?

El gran descubrimiento fue Alaska y la gran decepción Poch, líder de Derribos Arias. Lamentablemente, murió de una enfermedad degenerativa. Era un tío muy inteligente, tenía un sentido del humor maravilloso, era sobresaliente como artista y, sin embargo, no consiguió tener éxito. Todos los grupos de Madrid le hicieron un homenaje en forma de disco doble cuando necesitó dinero en la última etapa de su enfermedad. Es alguien que merece la pena ser recordado.

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Si hablamos de entrevistas, ¿cuál recuerda con mayor cariño de toda su carrera? ¿Qué entrevista borraría si pudiera y por qué?

Recuerdo muy gratamente la primera entrevista que hice a Siniestro Total. Yo pensaba que eran unos salvajes y, sin embargo, se mostraron tímidos y de las personas más cultas e inteligentes con las que he tenido la oportunidad de hablar. Borraría la entrevista que hice a Las Vulpes. Sacaron un solo disco y con eso se acabó su historia. Ellas fueron las únicas responsables de su desaparición. Sus entrevistas consistían únicamente en insultos y no tenían sentido del humor suficiente como para desvincularse de esa actitud punk. Se vieron atrapadas por su propia falta de inteligencia a la hora de funcionar como grupo. Durante sus conciertos tuvieron unas broncas terribles con el público… Todo eso las hundió.

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¿Hay hueco para la música hecha en español en el circuito más independiente? ¿Qué opinión le merecen los grupos españoles que componen en inglés?

Sí, por supuesto. De hecho, ahora casi todos los grupos que empiezan en el circuito independiente lo están haciendo en castellano. Incluso grupos como De Luxe y Sidonie, que empezaron cantando en inglés, lo hacen actualmente en español. Pero la gente canta en inglés porque es más fácil que en español, no por un tema de proyección artística internacional.

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¿Qué engloba para usted la música pop? ¿Se atrevería a calificar el pop de los 80 frente a los 90 y lo que se hace actualmente?

En los ochenta estrenábamos libertades y todo nos parecía nuevo. Teníamos la sensación de que podíamos hacer cualquiera cosa. Además conectamos inmediatamente con el punk que se hacía en Londres y Nueva York. Almodóvar se lanzó a tumba abierta con “Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón” y “Laberinto de Pasiones” sin importarle lo que dijeran críticos ni autoridades; y lo mismo hicimos los demás en prensa, radio y televisión. En los 90 hubo un bajonazo. Todo empezaba a estar más controlado y eso se vio en la influencia del grunge -una actitud desesperada contra todo-sobre los nuevos grupos, que cantaban en inglés y hacían ruido porque no podían hacer otra cosa. Ahora hay un nuevo despertar al hedonismo, a pasarlo lo mejor posible a pesar de las crisis. La canción “Un Buen día” de Los Planetas expresa muy bien esa actitud.

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¿Cómo se calificaría a sí mismo en su faceta de Dj? ¿Qué tipo de música le gusta pinchar y en qué locales podemos encontrarle?

Cuando me piden que pinche en alguna fiesta o festival, me gusta poner canciones conocidas, que le gusten a la gente y que disfruten con ellas. Normalmente, me hago una idea previa del gusto del público y llevo una maleta con música muy diversa, desde Roy Orbison a los Beattles, pasando por Los Planetas y Fangoria. Entre esos referentes también caben los Pixies, los Ramones, los Smiths, los Clash… Siempre canciones muy reconocibles. Lo que no soporto es a los dj´s que se dedican a poner canciones raras y que no conoce nadie para alardear de lo que saben. Si de lo que se trata es de poner canciones raras, yo personalmente tengo 300.000 mil. Pero eso es una ridiculez. Lo interesante es poner canciones que hagan pasar un rato divertido.

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Los 10 discos de su vida son…

1. Blonde on Blonde. Bob Dylan

2. Forever Changes. Love

3. The Kinks (doble vinilo de primeras canciones)

4. The Velvet Underground & Nico

5. Je t`aime… moi non plus. Serge Gainsbourg & J.B.

6. Soy así. Los Salvajes

7. Tú no llegaste a mí. Los Cheyenes

8. Adriano Celentano

9. San Francisco. Scott McKenzie

10. Un buen día. Los Planetas

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MÁS INFO

www.jesusordovas.com

www.myspace.com/ordovas

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Ver entrevista original en PDF

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Tiempo de reflexión_las gallinas que entran por las gallinas que salen

BIGELOW CELEBRA SU PARTICULAR 8 DE MARZO, DÍA DE LA MUJER

Kathryn Bigelow (California, 1951) se convierte en la primera mujer en recibir el Oscar a la Mejor Dirección por su largometraje En tierra hostil. Sólo cuando cosas así dejen de ser noticia, habremos triunfado, señoras.

También se ha llevado el Oscar a la Mejor Película y cuatro estatuillas doradas más: Edición, Guión Original, Edición de Sonido y Mezcla de Sonido.

Respecto a los Oscar, les comentaré sólo un par de cosas que me han tocado la fibra sensible.

Según mi criterio, por supuesto, Avatar ha ganado sólo aquellos premios que merecía ganar: dirección de arte, fotografía y efectos visuales [para aquellos que quieran hacer leña del árbol caído, les diré que -para más inri- Bigelow es la ex de James Cameron].

Por otra parte, me parecen desconcertantes dos de los premios entregados:

1// Haneke y La cinta blanca debieron llevarse el Premio a Mejor Película Extranjera (en su defecto, Un profeta de Jacques Audiard) y no El secreto de sus ojos de Campanella, destacable, pero no vencedora.

2// Se me escapa, por surrealista, que alguien tan poco dotada para la interpretación como Sandra Bullock reciba el Premio a Mejor Actriz Principal y se imponga a Hellen Mirren (The Last Station) o Gabourey Sidibe (Precious).

Pueden leer una crónica de los Oscar y el listado completo de los premiados aquí.

PRESCRIPTORES, BLOGS Y ANUNCIANTES

Ayer tuvo lugar un fenómeno paranormal en mi blog. El número de visitas se incrementó inesperada y exageradamente. La respuesta la tiene el propio protagonista del post publicado, El Hortelano, quien decidió darle cierta promo a través del mail y las redes sociales a su alcance.

Para mí, El Hortelano, en este caso, se convirtió en un prescriptor, es decir, en una persona cuya influencia y calidad de experto en la materia dio repercusión (venta) a mi blog allí adonde yo, por mis propios medios, no llegaba.

Éste no es más que un buen ejemplo de por qué las marcas deberían integrar más fervientemente en sus campañas de publicidad otros canales distintos a los habituales (prensa, radio, televisión): Internet y su periodismo 2.0, sus bloggersreferencia (especializados) y redes sociales varias. Las marcas conseguirán llegar más y mejor; nosotros, los bloggers, periodistas digitales, prescriptores y usuarios de redes sociales, cobrar por el trabajo que (les) hacemos.

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Como diría José Mota, las gallinas que entran por las gallinas que salen.

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Domingo de remember_El Hortelano

EL HORTELANO

acaba de recibir (27.02.10) la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes…

Ouka Leele, Retrato de José Alfonso Morera, El Hortelano, 1980

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Domingo de remember hoy va destinado a alguien a quien guardo especial cariño, El Hortelano. La pertinencia de su aparición en esta sección, aparece en el titular. No necesito ninguna otra excusa. Dicho lo cual, aquí les dejo la entrevista que le hice en julio de 2008 para la revista EME, perteneciente a Unidad Editorial Revistas y tristemente extinta.

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Lo más sorprendente de José Alfonso Morera (Valencia, 1954), El Hortelano, es su ilimitado torrente de vitalidad. Su vida y su obra se muestran tan intensas como él mismo y afirma, en un alarde de imaginación y picardía, que le gustaría llegar a ser El Hortelano. Conoció a Alberto García-Alix cuando todavía no llevaba tatuajes, a Ouka Leele cuando aún no pintaba sus fotografías en blanco y negro, a Ceseepe y Olvido (Alaska) cuando tenían un puesto en el rastro y vendían cómics underground y a Almodóvar cuando hacía sus cortos e, incluso, publicaba sus propias fotonovelas. A El Hortelano le tocó vivir una época que él mismo define como mágica y que, sin duda, no hablaba el lenguaje actual de los francotiradores individuales, sino el de un movimiento, el de la movida, en el que todos colaboraban con todos y la creatividad se revelaba desbordante. Pero El Hortelano no es sólo parte de la movida y reflejo de la vida urbanita de una época irrepetible. Estamos ante un artista total que ha seguido trabajando duro (beca Fulbright de tres años en Nueva York y otra de la Academia de España en Roma de un año de duración) y cuyas pinturas se desvelan, ahora más que nunca, comprometidas con la magia y la espiritualidad de la naturaleza, sin necesidad de etiquetas ecológicas puramente marketinianas o embalajes pictóricos que definan su obra. Sin duda, El Hortelano ha sabido crear un universo particular. Su caldo de cultivo, su líquido primigenio, fueron sus padres. Poetisa ella (siete libros de poemas publicados) y farmacéutico, aunque pintor en sus tiempos libres, él. Nace en Valencia y sus ojos se llenan de azul mediterráneo; con el tiempo, y el obligatorio servicio militar, se desplaza a Madrid donde nada vuelve a ser lo mismo. Ahora, menos nocturno pero igual de desbordante, nos abre las puertas de su estudio y de su vida.

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¿Cómo, cuándo y por qué empiezas a pintar? He pintado toda mi vida. Era el típico niño que estaba todo el día dibujando y pintando, el artista de la clase. Es más, durante la escuela primaria me suspendieron casi todas las asignaturas, menos bellas artes y biología. Con 12 años ya era el director de la revista del colegio La Salle de Valencia. Dibujaba todas las portadas, hacía las orlas de fin de curso con caricaturas de todos los profesores…  Aún así, empecé a estudiar farmacia en la facultad porque mi padre era farmacéutico, pero lo que yo quería era ser artista. Lo planteé en casa y, a partir de ahí, todo fue sobre ruedas.

¿Qué necesidad hay detrás de tu pintura? ¿Qué quieres expresar con ella? Mi necesidad es muy básica: quiero hacer feliz a la gente y dar mayor gloria a Dios y creador del Universo. Soy muy religioso. Si no fuera religioso no podría pintar. Aunque tengo influencias de todas las religiones. Creo en la divinidad del mundo, en que todo es mágico, en que hay vida después de la muerte… Creo que las cosas no están en este mundo porque sí. Hay algo divino en las razones de nuestra existencia.

Si hablamos de influencias, ¿qué o quiénes han influido en tu obra? Mi mayor influencia ha sido y es Dios y la naturaleza. Aprendo mucho más de la naturaleza que de cualquier pintor. Sin duda, el mejor pintor de todos es la naturaleza, hace arte total.

Siendo valenciano, nos vemos casi en la obligación de preguntarte si hay algo de fallero en tu actividad artística. Mi pintura es muy valenciana (Sorolla tiene mucho que ver conmigo), pero no considero que sea fallera. Aunque también es madrileña, llevo en Madrid desde los 20 años, y terráquea, porque en realidad soy de muchos sitios.

¿Qué recorrido y distancia hay entre José Alfonso Morera y El Hortelano? ¿Por qué ese pseudónimo? ¿Podemos identificar la existencia de dos nombres diferentes con el hecho de tener una doble personalidad (persona y artista)? Me gusta la idea de tener una doble personalidad. Una, es el ciudadano, José Alfonso Morera; otra, la que me gustaría ser, El Hortelano. Me puse el nombre cuando apenas tenía 10 años. Estuve un año en cama con hepatitis y empecé a alucinar, como si fuera Don Quijote. Me dediqué a leer cómics, a pintar… Fue entonces cuando se me ocurrió mi nombre artístico. Influyeron en mi decisión Jabato, El Capitán Trueno, La Masa, Superman, Spiderman… Yo también quería ser un héroe mitológico. Eso sí, antes de quedarme con El Hortelano surgieron nombres como “El ciclista” y “El moscardón”.

Si regresamos al 69, a la época de la Barcelona más underground, la casa de la calle Comercio, tu relación con Mariscal… ¿Cómo ha influido toda esta experiencia vital en tu obra? Todo eso pertenece a mis principios pictóricos. Cuando todavía vivía en Valencia iba frecuentemente a pasear por El Parterre, parque al que también iba Mariscal. Le conocí, me invitó a su casa y me mostró su trabajo, sus primeros cómics… Fue uno de los primeros artistas valencianos que se fue a vivir a Barcelona. Allí alquiló un piso en la calle Comercio junto a Nazario, los hermanos Farriol, Montesol y toda la gente de El Rrollo enmascarado. Recuerdo coger mi saco de dormir e ir a visitarles. Fue un piso tan divertido como luego lo sería el de la calle Imperial de la movida madrileña. Ten en cuenta que era la época de Ocaña, Nazario, la Camila…

Portada / El Rrollo enmascarado (1979)  / Nazario

Portada y contraportada / Star (1979)  / Ouka Leele

La revista Star fue referencia de la contracultura de los 70 y se ha convertido, con el tiempo, en crónica de una época irrepetible. ¿Qué implicaciones personales y profesionales tiene el nacimiento de la misma y tu participación en ella? Yo publicaba en Star, tanto textos como dibujos, y era algo total. Colaboraba gente como García-Alix y Ouka Leele, a quienes todavía no conocía, pero ya iban creando los gérmenes de lo que sería la movida. Fue una revista irrepetible que puso en contacto a mucha gente y creó dinámicas absolutamente bestiales.

Eres un pintor destacado de la generación de Guillermo Pérez Villalta, Ouka Leele y Ceesepe, con quienes también compartiste parte del viaje. ¿Qué destacarías de toda esta época? ¿Fueron las drogas responsables de tanta libertad y profusión creativa? La gente cree que hubo más droga durante la movida que en otras épocas, y eso es falso. Ha habido drogas siempre y han influido en todos los movimientos artísticos. Desde la época de las Cuevas de Altamira con las setas alucinógenas, a los surrealistas con el opio o los expresionistas con el alcohol. El problema con las drogas son sus víctimas. La movida tiene un montón de muertos. Imagino que se debe a que no teníamos tanta información sobre la heroína como se tiene ahora. Nadie tenía miedo a nada y quedaba todo muy divertido. De todos modos, nunca he pintado bajo el efecto de las drogas. He podido tener ideas que he esbozado en un papel, pero no trabajar. Pintar es una actividad agotadora y no se puede hacer drogado. Yo pinto con café.

En 1980 llega tu primera exposición individual, “Moda”. Tenemos entendido que para la inauguración llevaste a cabo toda una performance con la inestimable participación de Ouka Leele como enfermera en una ambulancia y las sirenas a todo volumen camino de la galería donde exponías. Cuéntanos, ¿fue algo conceptual o fue simplemente concebido como herramienta promocional? Hubo mucho rollo conceptual detrás. Cuando llevé a cabo esta performance, todo el ambiente artístico de Barcelona era bastante aburrido. Me parecía muy interesante concebir el arte como alarma social (ambulancias, sirenas…), revulsivo y revolución total. Fue complicado hacerlo, ya que tuvimos que contactar con una ambulancia ilegal que se prestara a formar parte de esta locura y nos llevara camino de la galería armando tanto revuelo. La policía nos vino siguiendo como si fuéramos gángsters, mientras yo simulaba ser un enfermo que llevaba una lubina como corbata. Imagínate. Llegamos a la Galería René Metras y allí grabamos el vídeo “Koloroa”, que recogía todo lo ocurrido. La policía empezó a pedir los DNI a todo el mundo, menos a mí. Intuyo que me vieron cara de loco y no se atrevieron.

¿De qué manera influye tu pertenencia a la movida madrileña para que hayas realizado las portadas de algunos discos de gente como Radio Futura y Aute? Bueno, tras “Koloroa”, Ouka Leele y yo nos volvemos a Madrid. Desde el año 80 al 87 la movida es una locura total. Nos conocíamos todos, colaborábamos los unos con los otros, nos veíamos todas las noches… Cada noche surgía una aventura distinta, además de fiesta había trabajo. Así que me propusieron hacer las portadas de discos como “Al calor del amor en un bar” de Gabinete Caligari, “Tierra” de Radio Futura y “El chico más pálido de la playa de Gros” de Poch (cantante de Derribos Arias). Lo de Aute, también amigo, vino más tarde, justo en el 2000, con el disco tributo “¡Mira que eres canalla Aute!

¿Es tu libro “Europa réquiem” reflejo del horror vacui que sentiste durante tus primeros años como urbanita y militar de una ciudad tan convulsa como Madrid? ¿Cómo pasas del cuartel a la movida? “Europa réquiem” es consecuencia del servicio militar que me tocó hacer, muy urbano, muy duro. Me destinaron al Inmemorial del Rey en Alcalá de Henares. Pero también es resultado de la tristeza que podía ver en las caras de la gente que iba en el metro. El libro refleja lo claustrofóbico que me resultaba todo. El primer domingo que me dieron libre en el cuartel, me marché al Rastro. Sabía que Ceseepe, García-Alix y Alaska tenían un puesto de cómics. No nos conocíamos más que de referencia, pues todos habíamos colaborado en Star. El puesto se convirtió en un centro de contactos y por allí pasaba todo Madrid, desde Carlos Berlanga a Ramoncín o Radio Futura. Fue entonces cuando, junto a Ceseepe, alquilé un piso en la calle Imperial y se convirtió en el primer piso de la movida madrileña. La verdad es que estoy muy orgulloso de haber sido parte de algo tan increíble. Fue un milagro que me tocó vivir. Para mí ha sido un movimiento tan importante como lo fue el de los surrealistas de París o los Dadá de Zurich. La movida es conocida en todo el mundo, mucho más que el movimiento El Paso.

Dibujo perteneciente a la serie Europa requiem, 1977

En tu trayectoria como artista pasas de una época figurativa inicial algo distorsionada a otra naranja y teñida de romanticismo. De ahí al lirismo de los noventa y una aproximación al mundo de la naturaleza y la cosmogonía. ¿Qué hay detrás de cada una de estas etapas pictóricas? Antes mi pintura era más urbanita y de interiores, imagino que debido a la influencia de la movida; ahora se ha convertido en pura naturaleza. Supongo que mi pintura es espejo de lo que vivo y siento en cada época. En estos momentos me gusta que mis cuadros respiren aire fresco.

¿Sigues teniendo fe, tal y como has afirmado en alguna ocasión, “en una pintura que consagre la realidad, una pintura fuerte como la emoción de la semilla de garbanzo y, a la vez, llena de dudas, frágil, como las lágrimas que destilamos en nuestras vidas”? Sí, claro, eso es mística pura. Sigo hablando de lo mismo, de religión y biología. Son misterios que desconocemos y, por eso mismo, creo en Dios. Es el milagro y la emoción de la vida.

Te hemos oído decir que tus cuadros son “cuadros-oraciones que aceleran el brillo de los misterios de cada minuto”. ¿Podríamos afirmar entonces que hay magia en tus pinturas, una magia que nos desvela la profundidad espiritual y poética del devenir diario? Cada cuadro que pinto es una pregunta que me hago sobre el origen de la vida y del Universo. Cada cuadro se convierte así en poesía, en un sentimiento, en una intuición hecha imagen. Como he comentado antes, lo que quiero hacer con mi pintura es hacer a la gente más feliz, que cada cuadro sea una isla de paz y tranquilidad. No me gusta la pintura triste, oscura o siniestra. Me gustan los cuadros resplandecientes, la vida que llevamos ya es suficientemente estresante. De todos modos, mis cuadros sólo dan cuenta de una mitad, la otra mitad la pone el espectador.

¿Qué hay de Cándida Ortiz, tu madre y reconocida poetisa, en El Hortelano? Mi madre es la persona a la que más he querido en mi vida. De hecho, gracias a ella me pude dedicar al arte. Es mi santa madre y una poetisa increíble, además de rapsoda (llenaba teatros con sus recitales). Publicamos un libro a finales de los 90, “Brotes ocultos ven la luz”, con cuadros míos y  poesías suyas. Murió el año pasado, pero me gusta pensar que está aquí conmigo. Ahora mismo estoy preparando un libro póstumo con sus poesías inéditas y prólogo de Luis Alberto de Cuenca.

Si hablamos de la madre naturaleza, tan presente en tus obras, ¿crees que está en peligro de extinción? ¿La hemos maltratado en exceso? Respeto la naturaleza y me considero muy ecologista, me gusta convivir con animales. Pero no soy muy catastrofista, no creo es que vayamos a desaparecer de la faz de la tierra en 50 años. El mundo evolucionará y lo que debemos tener claro es que la raza humana no es imprescindible para el planeta Tierra.

© David García

Así mismo, la vida marina y el agua aparecen de forma constante en tus pinturas. ¿A qué se debe esta fijación por el líquido elemento? El agua me encanta. Primero, porque venimos del agua (líquido amniótico) y, segundo, porque tiene unas posibilidades increíbles como pintor, por las olas, las curvas…

¿Qué han aportado tus viajes y tus estancias en lugares como Fuerteventura, Roma, Nueva York y Japón a una trayectoria como la tuya? Me considero un gran viajero, pero cada día que pasa me hago más Robinson Crusoe. Me gusta mucho la soledad, pasear por una playa desierta o irme al campo y mucho menos las ciudades. Tengo la sensación de que, salvando las diferencias, todas son lo mismo. Y eso me aburre.

¿Qué ha cambiado del primer al último cuadro de El Hortelano?Ahora soy más sabio pintando y mis cuadros están menos llenos de cosas, son más simples y, al mismo tiempo, más trabajados. Eso es algo que se aprende con el tiempo. Ahora, además, el hombre ha dejado de ser el eje de mis pinturas y el peso recae sobre la naturaleza.

¿Podríamos concebir tu obra como un autorretrato? Claro. Yo pinto dependiendo de cómo esté y cómo me encuentre anímicamente en cada momento. Además, se puede ver cada una de mis estancias (Madrid, Nueva York, Roma…) reflejadas en mis cuadros, como si de un diario se tratara.

¿Cómo te autodefinirías? Como un humano explorador. Un viajero plástico. Pienso que, de algún modo, siempre estamos viajando.

¿Qué les dirías a aquellos que vaticinaron la muerte de la pintura? El poder de la imagen es súper potente, es lo más básico que existe en el ser humano. Por eso, la pintura nunca pasará de moda. Yo siempre digo que hago un arte unplugged, ya que utilizo oleos y telas para hacer mi trabajo. Lo de vaticinar la muerte de la pintura creo que es algo debido, más bien, a temas comerciales.

¿Te has sentido alguna vez incomprendido por el público o la crítica más especializada? No, nunca. Tengo mi público y no puedo ni quiero gustarle a todo el mundo.

¿Crees que el mundo del arte se ha mercantilizado en exceso y convertido las obras en un mero producto de compra-venta? Sí, por supuesto. Actualmente, hay obras sobrevaloradas que nada tienen que ver con el mundo del arte, sino con el blanqueo de dinero, la especulación y la publicidad.

Si menciono la palabra “coleccionista”, ¿qué es lo primero que te viene a la mente? A mí, particularmente, me encantan los coleccionistas. Es la gente a la que realmente le gusta mi trabajo y, por lo tanto, son capaces de rascarse el bolsillo y pagar por mis pinturas. Soy de los que piensa que el arte es barato y una gran inversión, es lo único que nunca baja de precio, independientemente de los condicionantes externos.

¿Consideras que el arte es capaz de cambiar el mundo o es justo al contrario? Para mí el arte es una cosa sagrada, puede cambiar la vida de la gente. Pero también el mundo cambia el arte. Es un proceso recíproco.

Si no fueras pintor, ¿qué serías? Biólogo, por supuesto. A veces todavía me lo planteo. Me encantaría estar en Doñaña o en la Albufera encargado, por ejemplo, de contar patos. Sería feliz haciendo esto, aunque intentaría combinarlo con mi trabajo como pintor.

Si pudieras volver atrás en el tiempo, ¿cambiarías algo? No, para nada. Todo lo que he vivido ha sido una auténtica maravilla. Incluso lo malo. Aprendes más del sufrimiento. No hay avance sin dolor.

¿En qué andas trabajando ahora? Acabo de estar tres años por toda Europa exponiendo mi obra, una retrospectiva (120 cuadros aproximadamente), con la Sociedad Estatal para la Acción Cultural en el Exterior (SEACEX). Recientemente, he expuesto “Madre Agua” en La Gallera de Valencia y ahora estoy metido de lleno con mi serie “Humano”, una palabra que incluye dos, “humano” y “mano”. Es todo un homenaje al origen del hombre, ya que la primera firma de artista es una mano. Eso se puede ver, por ejemplo, en las Cuevas de Altamira. Eso es lo que estoy haciendo, imprimo la huella de la mano de mis amigos en el lienzo y, a partir de ahí, sacar nuevas imágenes. De momento, llevo 85 cuadros. Yo soy un pintor lento. Me gusta pintar poco y bien.

Danos un titular para tu entrevista. Uf, se me ocurren muchos: “La pintura puede salvarte la vida”, “Pinto para acariciar al mundo”, “Pinto para dar gracias a dios”, “La pintura es el milagro de la materia”, “El arte es antioxidante”, “La naturaleza es mi mejor museo”, “Mi musa es el planeta Tierra”, “Mi pintura es una oración”, “Rezo cuando pinto”, “Pintar es volar”, “Pintar es rezar”.

¿Cuáles serían los 10 pintores de los que recomendarías ver su obra? Velázquez, Van Gogh, Chaim Soutine, Odilon Redon, Goya, El Greco, Monet, Hukusai, William Blake y Sorolla.

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Más info: www.elhortelano.es

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