De cine_Honeymoons

HONEYMOONS

Dir: Goran Paskaljevic
Fecha de estreno: 30.04.10


Todos luchamos por una vida mejor, por un futuro distinto, más luminoso, menos gris. Honeymoons no es más que el reflejo de esos anhelos, tan humanos como universales. Su trama nos adentra, a modo de road movie, en el devenir de dos parejas, una procedente de Albania con destino Italia, otra de Serbia con dirección a Austria. Ambas historias se suceden de forma paralela y comparten un mismo objetivo: llegar a Europa, metáfora de la tierra prometida. Un anhelo abocado al fracaso más absoluto en forma de frontera e intolerancia. Sigue leyendo

De cine_Ajami

AJAMI

Dir: Scandar Copti, Yaron Shani
Fecha de estreno: 26.03.10

El verdadero eje motor de “Ajami” es el conflicto árabe-israelí. Pero no sólo eso. El marginal barrio de Jaffa (Israel), que da título a la película, sirve de espejo a la tensa convivencia entre judíos, árabes y cristianos. El filme, asimismo, nos muestra lo peor del ser humano en toda lucha a la desesperada por la supervivencia, cuando los límites de la moral se vuelven difusos.

Escrita y dirigida por el tándem judeo-árabe formado por Yaron Shani y Scandar Copti, “Ajami” va desgranando a lo largo de sus dos partes, casi como en dos tiempos, lo que en dicho territorio -microcosmos- acontece. Sin duda, un planteamiento de lo más acertado para describir la mirada parcial, sesgada, de todo aquel que se acerca a un conflicto –cualquier conflicto- siendo parte de él. La visión global, lo sabemos, sólo puede darse desde la distancia física, temporal y emocional. En el caso de “Ajami”, únicamente retrocediendo en el tiempo y ubicándonos en el lugar del “otro” logramos ver el marco del cuadro, incluso sus matices en blanco –no sólo por la cocaína, también por el remanente de ingenuidad, lealtad y amor que, sorprendentemente, queda en el barrio- y negro –tanto el panorama actual, como el futuro- dentro de un mundo que se nos muestra criminal, temeroso del disparo fácil y sin sentido, de la equivocación de la venganza, de su inutilidad, de sus nefastas consecuencias y, pese a todo, de la lucha por la vida.

“Ajami” escenifica una realidad brutal que traspasa la pantalla a golpe de interpretaciones creíbles, siendo, como son, actores no profesionales (meros vecinos del barrio que recibieron preparación durante diez meses para interpretarse a sí mismos a lo largo de las tres semanas que duró el rodaje) y que ni siquiera tuvieron copia del guión. Cuenta, además, con una estructura narrativa capaz de descolocar al espectador y un ritmo que, en ocasiones, recuerda la urgencia y ferocidad de Tarantino.

Si algo le podemos reprochar es, tal vez, un metraje excesivo sin necesidad alguna, una contextualización centrada en el presente que no abre puertas a la comprensión del pasado. Las razones y origen de todo esto se pierden o se sobreentienden, cuando no debieran: “antes de que la mayoría de sus habitantes fueran obligados a salir de Israel en la catástrofe de Nabka en 1948, Ajami era una próspera ciudad con más de 100,000 habitantes, conocida como la novia del mar. Tras el establecimiento de Israel, decayó. Mientras la vecina Tel Aviv prosperó, los atractivos edificios antiguos de Jaffa quedaron abandonados y en ruinas”, afirma Raja Shehadeh, abogado palestino y escritor, en BBC Mundo.

Seleccionada por Israel como candidata al Oscar 2010 en la categoría de película de habla no inglesa, logró ser nominada, que no ganadora (ganó, como saben, Campanella con “El secreto de sus ojos”), y convertirse en ejemplo de concordia entre árabes y judíos. Concordia que Copti rompió horas antes de la ceremonia de los Oscar: arremetió contra la política que Israel ejerce respecto a la minoría árabe.

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MÁS INFO

Género: Drama
Nacionalidad: Israel

Actores: Shahir Kabaha, Ibrahim Frege, Fouad Habash, Youssef Sahwani, Ranin Karim, Eran Naim, Scandar Copti, Elias Sabah, Hilal Kabob, Nisrin Rihan

Productor: Mosh Danon, Thanassis Karathanos
Guión: Scandar Copti, Yaron Shani
Fotografía: Boaz Yehonatan Yacov
Música: Rabiah Buchari

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De cine_Il Divo

IL DIVO

Dir.: Paolo Sorrentino
Fecha de estreno: Diciembre 2008


Ubiquémonos. Recuerden esta noticia publicada en El País (09.02.2010):
El Vaticano denuncia una campaña difamatoria contra el Papa
. Fue entonces, no me pregunten por qué [risas], cuando recordé la trama de la película Il Divo (Paolo Sorrentino, 2008) y es ahora, casi un mes después, cuando encuentro el hueco para hablarles sobre ella. O, mejor dicho, para recuperar la reseña -algo modificada- que hice sobre la misma en Notodo.com. Pasen y lean…

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Il Divo es pura sátira -inteligente y mordaz- sobre uno de los personajes más interesantes, astutos y extraños que ha dado la escena política italiana de los últimos tiempos. En ella, el realizador Paolo Sorrentino (Nápoles, 1970) lleva a cabo un corrosivo retrato de Giulio Andreotti durante su último mandato como primer ministro, haciéndose eco de la corrupción, las relaciones con las logias masónicas, la implicación del Vaticano y la connivencia con la mafia dentro de la vida política de Italia. Un triste escenario, vigente a día de hoy, cuyos derroteros sorrentinos beben sabia y prudentemente de Francis Ford Coppola y su trilogía El padrino, aunque aquí aderezada con el humor y la mala baba de Fellini.

Conocido como Belcebú, el Papa Negro y el Hombre de la Oscuridad, entre otros acertados sobrenombres, el simbólico político italiano fue acusado de “mantener lazos de amistad con la Mafia”, un delito del que fue absuelto por haber prescrito; fue asimismo acusado y enjuiciado por el asesinato del periodista Mino Pecorelli y absuelto en 1999; también en 2002 fue sentenciado a 22 años de prisión y, un año más tarde, absuelto definitivamente por el Tribunal de Casación -el tribunal de mayor rango de Italia-. En fin, el tópico convertido en realidad: la Ley no es igual para todos.

Il Divo -Premio del Jurado en el Festival de Cannes de 2008- es cine político, para qué negarlo, pero llevado a tal extremo que roza la caricatura. Sorrentino ha envuelto su historia de diálogos brillantes, un estilo visual dinámico y, afortunadamente, cuenta con la interpretación magistral de Toni Servillo en su papel de Andreotti -actor presente también en Gomorra y Premio al Mejor Actor en los Premios Europeos de Cine 2008 por ambas interpretaciones-. El resultado final de la cuarta película en la cinematografía del cineasta italiano es brutal y locuaz, con méritos suficientes como para mantenernos pegados a la butaca de principio a fin.

Si tras su visionado, sin embargo, se quedan con ganas de más, otro político les espera. Como saben, no sólo de Andreotti vive el cuestionado corpus político italiano y sus oscuros alrededores: dos años antes, Nani Moretti hizo de su película número diez, El caimán, un ácido viaje en torno a uno de los ¿políticos? más repudiados y demonizados del panorama actual -y con razón-, Berlusconi.

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MÁS INFO

Género: Drama, biopic

Reparto: Toni Servillo, Anna Bonaiuto, Giulio Bosetti, Flavio Bucci, Carlo Buccirosso, Giorgio Colangeli

Guión: Paolo Sorrentino
Director de fotografía: Luca Bigazzi
Música: Teho Teardo

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www.luckyred.it/ildivo

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Otra PELÍCULA es posible_Un hombre soltero

UN HOMBRE SOLTERO

Dir.: Tom Ford
Fecha de estreno: 12.02.10

Un día es sólo un día, pero puede ser el día que marque la diferencia. Un tonto juego de palabras, sí, pero me sirve para introducir lo que aquí acontece, pues todo en esta historia tiene lugar a lo largo de 24 horas (el reloj es una presencia constante que nos va desgranando gota a gota el tiempo en el que transcurre toda la trama).

Estamos en Los Ángeles, 1962, punto álgido de la crisis de los misiles cubanos, así como de la posibilidad de una guerra nuclear, y el miedo se extiende por todo el planeta. Éste es el contexto que acompaña a la trama principal de Un hombre soltero. Pero de lo que realmente nos habla el primer largometraje de Tom Ford (Texas, 1961), acreditado diseñador de moda que, en 2004, fundó su propia productora de cine, FADE TO BLACK, es de la soledad no buscada, de la pérdida del deseo de seguir viviendo cuando nada parece tener sentido.

Un hombre soltero nos cuenta la historia de George Falconer, un profesor universitario (Colin Firth) que pierde a su pareja (Matthew Goode) en un accidente de tráfico, hito a partir del cual intenta seguir adelante, sin apenas conseguirlo, apenas rememorando la vida en común que dejó atrás un inesperado suceso. El sinsentido acecha su vida y decide suicidarse al finalizar el día. Tras esta dramática decisión cada segundo adquiere vital importancia para George y es visto y vivido por éste desde una perspectiva totalmente diferente.

Y es que todos podemos perdernos en algún momento de nuestras vidas. El propio Tom Ford, así lo asume: Hay mucho de mí en mi versión de George. Mucha gente pasa por una especie de crisis espiritual al llegar a la mediana edad. Conseguí grandes logros en el mundo material a una edad muy temprana: seguridad económica, fama, éxito profesional y más bienes materiales de los que podía disfrutar. Tenía una vida personal plena, un maravilloso compañero sentimental con quien llevaba 23 años, dos estupendos perros y gran cantidad de amigos pero, de algún modo, me perdí un poco (…). Nuestra cultura anima a pensar que todos nuestros problemas se pueden resolver mediante bienes materiales. Había descuidado por completo el aspecto espiritual de mi vida.

Ésta es la adaptación cinematográfica de la novela A Single Man de Christopher Isherwood, una novela cuyas formas son las de monólogo interior y que aquí se transforma en una serie de encuentros con otros personajes (entre ellos, una magnífica Julianne Moore y un no menos impactante Nichotas Hoult); un protagonista más cercano a lo políticamente correcto y con claras intenciones de quitarse la vida.

Algunos pensarán que estamos ante la típica película de temática gay. Se equivocan. El tema que aborda es universal, el sentido de la vida, y lo hace desde el respeto y el susurro, contando con una bella fotografía responsabilidad del joven catalán Eduard Grau (fíjense también en cómo van cambiando los colores en función de los cambios emocionales que sufre el protagonista, una banda sonora impecable a cargo de Shigeru Umebayashi (responsable de la susodicha en In The Mood For Love de Wong Kar-Wai) y Abel Korzeniowski, además del buen hacer de Colin Firth, que se hizo con la Copa Volpi en la pasada edición del Festival de Venecia y que ha sido nominado al Oscar a Mejor Actor Protagonista. El filme cuenta, además, con otro español en su haber, el modelo Jon Kortajarena, que debuta en esto del celuloide con un papel secundario, una suerte de morboso James Dean. Y no, NO ES MODA TODO LO QUE RELUCE.

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MÁS INFO

Género: Drama

Reparto: Colin Firth, Julianne Moore, Matthew Goode, Ginnifer Goodwin, Nicholas Hoult, Jon Kortajarena.

Guión: Tom Ford, David Scearce
Fotografía: Eduard Grau
Música: Shigeru Umebayashi y Abel Korzeniowski

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www.asingleman-movie.com

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De cine_Precious

PRECIOUS

Dir.: Lee Daniels
Fecha de estreno: 05.02.10

La realidad, mediatizada o no, nos habla día sí y día también sobre el maltrato y abuso que sufren muchas personas indefensas. Independientemente de las sinrazones que siempre hay detrás, algunas de las víctimas logran hacer de tripas corazón y salir adelante salvando todo tipo de obstáculos. Y es que cuando lo único que has escuchado en tu vida son “piropos” del tipo eres una inútil o nadie te quiere, es difícil remontar. Aún así, hay gente que lo consigue.

Ambientada a finales de los ochenta, Precious es la historia de Claireece “Precious” Jones, una suerte de Beth Ditto negra (salvando las distancias con la líder de Gossip, por supuesto) que en sus evasivos sueños se imagina estrella pop y que en su cruda realidad vive en un inhóspito Harlem, es analfabeta, tiene 16 años, problemas de obesidad, dos hijos de un padre que no ejerce como tal y una madre muy cabrona que sólo piensa en zascandilear y sacar lo máximo posible de su hija, sexo incluido. Vamos, un panorama desolador. Dicho lo cual, muchos esperarán un dramón de sobremesa televisiva. Pues bien, fuera prejuicios. Precious no viste de color rosa aquello que sólo puede ser negro y pinta de gris, como no podía ser de otra manera, la única salida posible. Desde luego, no estamos ante el cuento de la Cenicienta con final feliz. Si al catálogo de horrores que se nos muestra en pantalla -con respeto, aunque con crudeza- le añadimos las magistrales interpretaciones de las dos protagonistas, madre (Mo’Nique) e hija (Gabourey “Gabby” Sidibe), Precious se convierte en destino ineludible en nuestras salas para todos aquellos que nos cuestionemos, casi en cada telediario, qué nos hace ser humanos y qué animales.

La adaptación cinematográfica de la novela Push de
Sapphire se convierte así en el segundo largometraje del afroamericano Lee Daniels, tras su primeriza Shadowboxer (2005) que tuvo a Helen Mirren a la cabeza de un reparto que contó también con la gran Mo’nique. Ahora, con su nuevo trabajo, le llueven los premios por los diferentes festivales en los que se ha podido ver. Especial atención merecen el Gran Premio del Jurado, el Premio Especial del Jurado para la actriz Mo’Nique y el Premio del Público recogidos en Sundance ’09 y las seis nominaciones a los Oscar que acaba de recibir: Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actriz Protagonista (Gabourey “Gabby” Sidibe), Mejor actriz de reparto (Mo’nique), Mejor Guión Adaptado y Mejor Montaje. Eso sí, tendremos que esperar al próximo 7 de marzo para saber cuántas estatuillas doradas se lleva finalmente.

ACTUALIZACIÓN

1/ Globo de Oro a la Mejor Actriz Secundaria para MO’NIQUE.

2/ La película PRECIOUS fue la gran triunfadora de la 41 edición de los “Premios Image” al conseguir seis galardones a la Mejor Película, Mejor Película Independiente, Mejor Director (Lee Daniels), Mejor Actriz Protagonista (Gabourey Sidibe), Mejor Actriz de Reparto (Mo’nique) y Mejor Guión (Geoffrey Fletcher). Los Premios Image los concede la NAACP, Asociación Nacional para el progreso de la Gente de Color (National Association for de Advancement  of Colored People) y rinden honores a la diversidad en las artes y a los logros en cine, televisión, música y literatura. (Fuente: Filmax).

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MÁS INFO:

Género: Drama

Reparto: Mo’Nique, Gabourey Sidibe, Lenny Kravitz, Paula Paton, Mariah Carey, Sherri Shepherd.

Nacionalidad: EEUU
Guión: Geoffrey Fletcher
Fotografía: Andrew Dunn, B.S.C.
Música: Mario Grigorov

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www.precious.filmax.com

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De cine_El luchador

EL LUCHADOR

Dir.: Darren Aronofsky
Fecha de estreno: 20.02.09


En la lucha libre no todo es mentira
, aunque lo parezca. El luchador es la historia de Randy, un boxeador de lucha libre profesional que se pelea en el ring, pero también con la vida misma. Mickey Rourke, tal vez en una especie de mimetismo inevitable (recordemos que nadie daba un euro por su trabajo como actor últimamente), interpreta el papel protagonista, el del profesional de la lucha libre que se encuentra en las postrimerías de su antaño exitosa carrera y no ve otra salida que seguir boxeando, pese a todo. Es viejo, sin formación, sin amigos ni familia que le apoye a seguir adelante en su obligatorio cambio de rumbo. El luchador es espejo del mundo de los perdedores, pero también retrata con maestría el drama humano más cotidiano: reinventarse o morir cuando nos hemos quedado sin opciones. Por otra parte, como si fuera una excusa (sin serlo), nos muestra los entresijos de un deporte-espectáculo más que cuestionado, donde no todo es coreografía y algunos golpes duelen de verdad.

El luchador
de Aronofsky es otra historia de perdedores, como lo fueron Pi, fe en el caos y Réquiem por un sueño, pero sin alucinaciones, ni movimientos atípicos de cámara, casi diríamos que tomando el relevo del cine clásico… Es la única diferencia. El resultado final sigue siendo igual de recomendable que sus anteriores trabajos, incluida La fuente de la vida. Ganadora del codiciado León de Oro en la edición de 2008 del Festival de cine de Venecia, El luchador ha sido nominada a los Oscar, Mickey Rourke como mejor actor protagonista y Marisa Tomei como mejor actriz secundaria. Unas nominaciones más que justificadas. El film de Aronofsky aborda la cuadratura del círculo añadiendo, como en cada uno de sus proyectos fílmicos previos, la lucida sonoridad del siempre impecable Clint Mansell, antiguo líder y guitarrista de la ya desaparecida banda inglesa Pop Will Eat Itself. Incluso Bruce Springsteen aporta su pequeño grano de arena con la canción-resumen que se puede escuchar justo al final y que ha sido compuesta por el Boss expresamente para la película gracias a la amistad que comparte con Rourke. Todo un detalle que agradecemos.

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MÁS INFO:

Género: Drama
Reparto: Mickey Rourke, Marisa Tomei, Evan Rachel Wood, Ernest Millar
Guión: Robert D. Siegel
Director de fotografía: Maryse Alberti
Música: Clint Mansell

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www.thewrestlermovie.com

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De cine_Un tipo serio

UN TIPO SERIO

Dir.: Joel y Ethan Coen
Fecha de estreno: 08/01/10

Uno siempre piensa que los chistes acerca de los judíos son parcela inequívoca de las películas de Woody Allen. Sin embargo, ante la respuesta fácil, debemos destacar también los siempre interesantes trabajos fílmicos de los hermanos Coen. Recuerden, si no, las socarronas menciones al judaísmo de Barton Fink y El hombre que nunca estuvo allí o El gran Lebowski, por ejemplo. Pues, bien, tras su última incursión cinematográfica, la laberíntica Quemar después de leer (2008), llega a nuestras salas la paroxística, esperpéntica y desternillante hasta decir basta Un tipo serio (2009).

Regresamos aquí a los años 60, concretamente a Minnessota, e ingresamos en una comunidad judía. Nos espera la historia de un hombre bueno con una vida perfecta, o eso parece: trabaja como profesor universitario, tiene mujer y dos hijos. Así se nos presenta nuestro protagonista, Larry Gopnik (sublime Michael Stuhlbarg, nominado por este papel a los Globos de Oro), el tipo serio al que alude el título que, más bien, es un perdedor de capa ancha. Un tipo que no sabe que las apariencias engañan y que, entre bambalinas, su vida se desmorona a pasos agigantados: su mujer tiene un amante; su hermano, incapaz de conseguir un trabajo, duerme en el sofá del salón; su hijo se muestra indisciplinado, mientras se prepara para la ceremonia más importante de su vida, el Bar mitzvah y su hija sólo piensa en operarse la nariz (tan característicamente judía). Por si fuera poco, su puesto de trabajo (ascenso) es cuestionado por unas cartas anónimas enviadas a la universidad y uno de sus alumnos intenta chantajearle para mejorar su nota. Pero como rezan las palabras en yiddish que abren el film a modo de prólogo y contrapunto bizarro situado en Polonia, “recibe con sencillez todo aquello que te pueda suceder” y así lo asume, a modo de mantra, el desnortado Gopnik, que se refugia en los consejos de los “sabios” rabinos incapaz de asumir que la vida en la tierra, a veces, es un infierno y que la religión no siempre tiene las respuestas que necesitamos.

¿De qué se ríen, entonces, los Coen? Pues, precisamente, de la infelicidad ajena, pero también de su propia infancia y la educación que recibieron: ellos mismos nacieron en los años en los que está ambientada la película, son judíos y su padre también era profesor universitario. Pero no, no es una autobiografía, así lo afirman los interesados. Todo es pura invención (aunque aluda a la ilimitada paciencia del bíblico Job ante las adversidades), ácida visión de la religión judía y delirante comedia negra a cuya degustación nos tienen acostumbrados los siempre magistrales Coen. Y todo eso sin necesidad de recurrir a caras conocidas en su reparto. Sin duda, una película imprescindible para cualquier cinéfilo, amante o no del cine de los hermanos más celebrados del séptimo arte y, sobre todo, para aquellos que creen que su vida es un absoluto desastre.

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MÁS INFO:

Género: Comedia dramática

Reparto: Michael Stuhlbarg, Fred Melamed, Richard Kind, Aaron Wolf, Sari Wagner, Jessica McManus, Adam Arkin

Nacionalidad: EEUU
Guión: Joel y Ethan Coen
Fotografía: Roger Deakins
Música: Carter Burwell

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www.untiposerio.es

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