De cine_Ajami

AJAMI

Dir: Scandar Copti, Yaron Shani
Fecha de estreno: 26.03.10

El verdadero eje motor de “Ajami” es el conflicto árabe-israelí. Pero no sólo eso. El marginal barrio de Jaffa (Israel), que da título a la película, sirve de espejo a la tensa convivencia entre judíos, árabes y cristianos. El filme, asimismo, nos muestra lo peor del ser humano en toda lucha a la desesperada por la supervivencia, cuando los límites de la moral se vuelven difusos.

Escrita y dirigida por el tándem judeo-árabe formado por Yaron Shani y Scandar Copti, “Ajami” va desgranando a lo largo de sus dos partes, casi como en dos tiempos, lo que en dicho territorio -microcosmos- acontece. Sin duda, un planteamiento de lo más acertado para describir la mirada parcial, sesgada, de todo aquel que se acerca a un conflicto –cualquier conflicto- siendo parte de él. La visión global, lo sabemos, sólo puede darse desde la distancia física, temporal y emocional. En el caso de “Ajami”, únicamente retrocediendo en el tiempo y ubicándonos en el lugar del “otro” logramos ver el marco del cuadro, incluso sus matices en blanco –no sólo por la cocaína, también por el remanente de ingenuidad, lealtad y amor que, sorprendentemente, queda en el barrio- y negro –tanto el panorama actual, como el futuro- dentro de un mundo que se nos muestra criminal, temeroso del disparo fácil y sin sentido, de la equivocación de la venganza, de su inutilidad, de sus nefastas consecuencias y, pese a todo, de la lucha por la vida.

“Ajami” escenifica una realidad brutal que traspasa la pantalla a golpe de interpretaciones creíbles, siendo, como son, actores no profesionales (meros vecinos del barrio que recibieron preparación durante diez meses para interpretarse a sí mismos a lo largo de las tres semanas que duró el rodaje) y que ni siquiera tuvieron copia del guión. Cuenta, además, con una estructura narrativa capaz de descolocar al espectador y un ritmo que, en ocasiones, recuerda la urgencia y ferocidad de Tarantino.

Si algo le podemos reprochar es, tal vez, un metraje excesivo sin necesidad alguna, una contextualización centrada en el presente que no abre puertas a la comprensión del pasado. Las razones y origen de todo esto se pierden o se sobreentienden, cuando no debieran: “antes de que la mayoría de sus habitantes fueran obligados a salir de Israel en la catástrofe de Nabka en 1948, Ajami era una próspera ciudad con más de 100,000 habitantes, conocida como la novia del mar. Tras el establecimiento de Israel, decayó. Mientras la vecina Tel Aviv prosperó, los atractivos edificios antiguos de Jaffa quedaron abandonados y en ruinas”, afirma Raja Shehadeh, abogado palestino y escritor, en BBC Mundo.

Seleccionada por Israel como candidata al Oscar 2010 en la categoría de película de habla no inglesa, logró ser nominada, que no ganadora (ganó, como saben, Campanella con “El secreto de sus ojos”), y convertirse en ejemplo de concordia entre árabes y judíos. Concordia que Copti rompió horas antes de la ceremonia de los Oscar: arremetió contra la política que Israel ejerce respecto a la minoría árabe.

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MÁS INFO

Género: Drama
Nacionalidad: Israel

Actores: Shahir Kabaha, Ibrahim Frege, Fouad Habash, Youssef Sahwani, Ranin Karim, Eran Naim, Scandar Copti, Elias Sabah, Hilal Kabob, Nisrin Rihan

Productor: Mosh Danon, Thanassis Karathanos
Guión: Scandar Copti, Yaron Shani
Fotografía: Boaz Yehonatan Yacov
Música: Rabiah Buchari

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PUBLICADO POR LA QUE ESTO SUSCRIBE EN NOTODO.COM (aquí pueden ver una buena galería de imágenes de la película)

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Otra CRÍTICA es posible_La cinta blanca

LA CINTA BLANCA

Dir.: Michael Haneke
Fecha de estreno: 15/01/10

“El blanco es, como todos sabéis, el color de la inocencia”

En estos términos se expresa uno de los protagonistas del último trabajo del cineasta austriaco, el padre de unos niños a los que, como castigo, les obliga a llevar una cinta blanca -de ahí el título del filme- atada a su brazo para que, de este modo, recuerden que se han desviado del camino recto y son, por ende, impuros. Algo que podríamos concebir como una suerte de estrella amarilla que, posteriormente, marcaría a los judíos a modo de antisemitismo por parte del nazismo y de cuyos orígenes, entre otras cosas, nos habla Haneke.

Ubicada a principios de siglo -previa a la Primera Guerra Mundial-, en una pequeña comunidad rural del norte de Alemania, opresiva en su educación -religiosa y formal- y de una rigidez moral extrema, la historia hanekiana va desgranándose con la ayuda de un narrador, el profesor del pueblo, y sus recuerdos, a modo de flashback. Poco complaciente y muy desoladora respecto a la condición humana, La cinta blanca es el inequívoco retrato de un existencialismo escéptico, un despertar de la inocencia y una inmersión sin lubricante en un mundo cruel y déspota, el nuestro, en el que no queda nadie virgen y, mucho menos, sano. Es, sin duda, el nítido reflejo del abuso de los poderosos frente a los débiles, la importancia y prevalencia de las apariencias frente a la dura realidad. Así las cosas, el blanco y negro de la pantalla se diluye en un gris moral, donde todo comportamiento está lleno de matices e interesada flexibilidad ante lo convencionalmente establecido como correcto. El doctor, por ejemplo, es todo un referente de la comunidad; sin embargo, de puertas para adentro, es sádico y cruel con su amante, tanto como con su hija, de la que abusa en clara sustitución de una madre extinta a la que imaginamos tampoco respetaba.

Ha apuntado el propio Haneke que La cinta blanca es el retrato de la infancia que tuvieron aquellos que tiempo después se convertirían en los artífices de la ascensión del nacionalsocialismo -un nazismo que ni siquiera menciona explícitamente-, pero no sólo eso. Tal y como afirma el cineasta, “sería una interpretación demasiado fácil al transcurrir la historia en Alemania, sino (que nos habla en general) del modelo y del problema universal del ideal pervertido”. La cinta blanca parece querer advertirnos de que, tal y como afirmaba el filósofo y psicoanalista Slavoj Žižek en Lacrimae Rerum, “detrás de todo orden legal se oculta siempre el horror de algún crimen inconfesable”. Destacar, por lo tanto, que en el filme no existe una violencia meramente física -muertes, violencia de género, violación de la inocencia-, que también, sino más bien psicológica, marca inequívoca de la casa Haneke. Recuerden, si no, Caché o La pianista, películas donde la elipsis ha desaparecido y el envite hacia el espectador es frontal; un espectador que irrefrenablemente, ante algunas imágenes, siente nauseas. Haneke, no obstante, deja puertas sin cerrar para que, digámoslo así, entre la reflexión acerca de lo que entendemos por violencia, cuáles son sus orígenes y consecuencias. “El arte –afirma el autor- debe hacer preguntas y no avanzar respuestas que siempre parecen sospechosas, incluso peligrosas”.

A estas alturas del panorama, se preguntarán por qué Haneke ha elegido el blanco y negro y el tiempo pausado en un contexto cinematográfico donde prima el color, el espectáculo de las tres dimensiones, la urgencia del dinamismo… Bien, entendamos pues el blanco y negro como reflejo psicológico de una época –gris- a la que alude, pero también como el deseo consciente de un cineasta que quiere alejarnos del sensacionalismo mediático contemporáneo ante el que, por sobreexposición, ya estamos inmunizados y despertar así nuestras aletargadas conciencias.

El resultado no ha podido ser mejor. Ganadora de la Palma de Oro en la última edición del festival de Cannes y del Premio a la Mejor Película Europea, La cinta blanca ha sido galardonada, asimismo, con el Premio Fipresci de la crítica y el Globo de Oro a la mejor película de habla no inglesa en la 67 edición de los premios que otorga la Asociación de Periodistas Extranjeros de Hollywood, además de haber sido seleccionada para representar a Alemania en los Oscar a la mejor película de habla no inglesa (favorita en todas las quinielas). Sin duda, estamos ante la obra maestra de Haneke, la que le otorga indefectiblemente un sillón entre los grandes de la Historia del cine.

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MÁS INFO

Estreno: 15.01.2010

Nacionalidad: Alemania, Austria, Francia, Italia

Género: Drama

Reparto: Enno Trebs, Theo Trebs, Rainer Bock, Susanne Lothar, Roxane Duran, Miljan Chatelain, Eddy Grahl, Branko Samarovski, Birgit Minichmayr, Sebastian Hülk, Kai Malina, Kristina Kneppek, Stephanie Amarell, Bianca Mey, Aaron Denkel, Mika Ahrens…

Guión: Michael Haneke

Fotografía: Christian Berger, Aac

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www.golem.es/lacintablanca

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De cine_Precious

PRECIOUS

Dir.: Lee Daniels
Fecha de estreno: 05.02.10

La realidad, mediatizada o no, nos habla día sí y día también sobre el maltrato y abuso que sufren muchas personas indefensas. Independientemente de las sinrazones que siempre hay detrás, algunas de las víctimas logran hacer de tripas corazón y salir adelante salvando todo tipo de obstáculos. Y es que cuando lo único que has escuchado en tu vida son “piropos” del tipo eres una inútil o nadie te quiere, es difícil remontar. Aún así, hay gente que lo consigue.

Ambientada a finales de los ochenta, Precious es la historia de Claireece “Precious” Jones, una suerte de Beth Ditto negra (salvando las distancias con la líder de Gossip, por supuesto) que en sus evasivos sueños se imagina estrella pop y que en su cruda realidad vive en un inhóspito Harlem, es analfabeta, tiene 16 años, problemas de obesidad, dos hijos de un padre que no ejerce como tal y una madre muy cabrona que sólo piensa en zascandilear y sacar lo máximo posible de su hija, sexo incluido. Vamos, un panorama desolador. Dicho lo cual, muchos esperarán un dramón de sobremesa televisiva. Pues bien, fuera prejuicios. Precious no viste de color rosa aquello que sólo puede ser negro y pinta de gris, como no podía ser de otra manera, la única salida posible. Desde luego, no estamos ante el cuento de la Cenicienta con final feliz. Si al catálogo de horrores que se nos muestra en pantalla -con respeto, aunque con crudeza- le añadimos las magistrales interpretaciones de las dos protagonistas, madre (Mo’Nique) e hija (Gabourey “Gabby” Sidibe), Precious se convierte en destino ineludible en nuestras salas para todos aquellos que nos cuestionemos, casi en cada telediario, qué nos hace ser humanos y qué animales.

La adaptación cinematográfica de la novela Push de
Sapphire se convierte así en el segundo largometraje del afroamericano Lee Daniels, tras su primeriza Shadowboxer (2005) que tuvo a Helen Mirren a la cabeza de un reparto que contó también con la gran Mo’nique. Ahora, con su nuevo trabajo, le llueven los premios por los diferentes festivales en los que se ha podido ver. Especial atención merecen el Gran Premio del Jurado, el Premio Especial del Jurado para la actriz Mo’Nique y el Premio del Público recogidos en Sundance ’09 y las seis nominaciones a los Oscar que acaba de recibir: Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actriz Protagonista (Gabourey “Gabby” Sidibe), Mejor actriz de reparto (Mo’nique), Mejor Guión Adaptado y Mejor Montaje. Eso sí, tendremos que esperar al próximo 7 de marzo para saber cuántas estatuillas doradas se lleva finalmente.

ACTUALIZACIÓN

1/ Globo de Oro a la Mejor Actriz Secundaria para MO’NIQUE.

2/ La película PRECIOUS fue la gran triunfadora de la 41 edición de los “Premios Image” al conseguir seis galardones a la Mejor Película, Mejor Película Independiente, Mejor Director (Lee Daniels), Mejor Actriz Protagonista (Gabourey Sidibe), Mejor Actriz de Reparto (Mo’nique) y Mejor Guión (Geoffrey Fletcher). Los Premios Image los concede la NAACP, Asociación Nacional para el progreso de la Gente de Color (National Association for de Advancement  of Colored People) y rinden honores a la diversidad en las artes y a los logros en cine, televisión, música y literatura. (Fuente: Filmax).

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MÁS INFO:

Género: Drama

Reparto: Mo’Nique, Gabourey Sidibe, Lenny Kravitz, Paula Paton, Mariah Carey, Sherri Shepherd.

Nacionalidad: EEUU
Guión: Geoffrey Fletcher
Fotografía: Andrew Dunn, B.S.C.
Música: Mario Grigorov

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www.precious.filmax.com

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PUBLICADO POR LA QUE ESTO SUSCRIBE EN NOTODO.COM (aquí pueden ver una buena galería de imágenes de la película)

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