De cine_Ajami

AJAMI

Dir: Scandar Copti, Yaron Shani
Fecha de estreno: 26.03.10

El verdadero eje motor de “Ajami” es el conflicto árabe-israelí. Pero no sólo eso. El marginal barrio de Jaffa (Israel), que da título a la película, sirve de espejo a la tensa convivencia entre judíos, árabes y cristianos. El filme, asimismo, nos muestra lo peor del ser humano en toda lucha a la desesperada por la supervivencia, cuando los límites de la moral se vuelven difusos.

Escrita y dirigida por el tándem judeo-árabe formado por Yaron Shani y Scandar Copti, “Ajami” va desgranando a lo largo de sus dos partes, casi como en dos tiempos, lo que en dicho territorio -microcosmos- acontece. Sin duda, un planteamiento de lo más acertado para describir la mirada parcial, sesgada, de todo aquel que se acerca a un conflicto –cualquier conflicto- siendo parte de él. La visión global, lo sabemos, sólo puede darse desde la distancia física, temporal y emocional. En el caso de “Ajami”, únicamente retrocediendo en el tiempo y ubicándonos en el lugar del “otro” logramos ver el marco del cuadro, incluso sus matices en blanco –no sólo por la cocaína, también por el remanente de ingenuidad, lealtad y amor que, sorprendentemente, queda en el barrio- y negro –tanto el panorama actual, como el futuro- dentro de un mundo que se nos muestra criminal, temeroso del disparo fácil y sin sentido, de la equivocación de la venganza, de su inutilidad, de sus nefastas consecuencias y, pese a todo, de la lucha por la vida.

“Ajami” escenifica una realidad brutal que traspasa la pantalla a golpe de interpretaciones creíbles, siendo, como son, actores no profesionales (meros vecinos del barrio que recibieron preparación durante diez meses para interpretarse a sí mismos a lo largo de las tres semanas que duró el rodaje) y que ni siquiera tuvieron copia del guión. Cuenta, además, con una estructura narrativa capaz de descolocar al espectador y un ritmo que, en ocasiones, recuerda la urgencia y ferocidad de Tarantino.

Si algo le podemos reprochar es, tal vez, un metraje excesivo sin necesidad alguna, una contextualización centrada en el presente que no abre puertas a la comprensión del pasado. Las razones y origen de todo esto se pierden o se sobreentienden, cuando no debieran: “antes de que la mayoría de sus habitantes fueran obligados a salir de Israel en la catástrofe de Nabka en 1948, Ajami era una próspera ciudad con más de 100,000 habitantes, conocida como la novia del mar. Tras el establecimiento de Israel, decayó. Mientras la vecina Tel Aviv prosperó, los atractivos edificios antiguos de Jaffa quedaron abandonados y en ruinas”, afirma Raja Shehadeh, abogado palestino y escritor, en BBC Mundo.

Seleccionada por Israel como candidata al Oscar 2010 en la categoría de película de habla no inglesa, logró ser nominada, que no ganadora (ganó, como saben, Campanella con “El secreto de sus ojos”), y convertirse en ejemplo de concordia entre árabes y judíos. Concordia que Copti rompió horas antes de la ceremonia de los Oscar: arremetió contra la política que Israel ejerce respecto a la minoría árabe.

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MÁS INFO

Género: Drama
Nacionalidad: Israel

Actores: Shahir Kabaha, Ibrahim Frege, Fouad Habash, Youssef Sahwani, Ranin Karim, Eran Naim, Scandar Copti, Elias Sabah, Hilal Kabob, Nisrin Rihan

Productor: Mosh Danon, Thanassis Karathanos
Guión: Scandar Copti, Yaron Shani
Fotografía: Boaz Yehonatan Yacov
Música: Rabiah Buchari

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PUBLICADO POR LA QUE ESTO SUSCRIBE EN NOTODO.COM (aquí pueden ver una buena galería de imágenes de la película)

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Tiempo de reflexión_las gallinas que entran por las gallinas que salen

BIGELOW CELEBRA SU PARTICULAR 8 DE MARZO, DÍA DE LA MUJER

Kathryn Bigelow (California, 1951) se convierte en la primera mujer en recibir el Oscar a la Mejor Dirección por su largometraje En tierra hostil. Sólo cuando cosas así dejen de ser noticia, habremos triunfado, señoras.

También se ha llevado el Oscar a la Mejor Película y cuatro estatuillas doradas más: Edición, Guión Original, Edición de Sonido y Mezcla de Sonido.

Respecto a los Oscar, les comentaré sólo un par de cosas que me han tocado la fibra sensible.

Según mi criterio, por supuesto, Avatar ha ganado sólo aquellos premios que merecía ganar: dirección de arte, fotografía y efectos visuales [para aquellos que quieran hacer leña del árbol caído, les diré que -para más inri- Bigelow es la ex de James Cameron].

Por otra parte, me parecen desconcertantes dos de los premios entregados:

1// Haneke y La cinta blanca debieron llevarse el Premio a Mejor Película Extranjera (en su defecto, Un profeta de Jacques Audiard) y no El secreto de sus ojos de Campanella, destacable, pero no vencedora.

2// Se me escapa, por surrealista, que alguien tan poco dotada para la interpretación como Sandra Bullock reciba el Premio a Mejor Actriz Principal y se imponga a Hellen Mirren (The Last Station) o Gabourey Sidibe (Precious).

Pueden leer una crónica de los Oscar y el listado completo de los premiados aquí.

PRESCRIPTORES, BLOGS Y ANUNCIANTES

Ayer tuvo lugar un fenómeno paranormal en mi blog. El número de visitas se incrementó inesperada y exageradamente. La respuesta la tiene el propio protagonista del post publicado, El Hortelano, quien decidió darle cierta promo a través del mail y las redes sociales a su alcance.

Para mí, El Hortelano, en este caso, se convirtió en un prescriptor, es decir, en una persona cuya influencia y calidad de experto en la materia dio repercusión (venta) a mi blog allí adonde yo, por mis propios medios, no llegaba.

Éste no es más que un buen ejemplo de por qué las marcas deberían integrar más fervientemente en sus campañas de publicidad otros canales distintos a los habituales (prensa, radio, televisión): Internet y su periodismo 2.0, sus bloggersreferencia (especializados) y redes sociales varias. Las marcas conseguirán llegar más y mejor; nosotros, los bloggers, periodistas digitales, prescriptores y usuarios de redes sociales, cobrar por el trabajo que (les) hacemos.

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Como diría José Mota, las gallinas que entran por las gallinas que salen.

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De cine_Sin perdón

SIN PERDÓN

Dir.: Clint Eastwood
Fecha de estreno: 1992


Western crepuscular, pesimista, clásico y desmitificador. Así se nos muestra Sin perdón, trabajo dirigido e interpretado por un  fuera de la ley, Clint Eastwood, que logró alzarse con cuatro Oscar (Mejor dirección, Mejor película, Mejor actor de reparto y Mejor montaje). Y afirmo lo de fuera de la ley con toda intención. Pues Eastwood se sale de los parámetros narrativos habituales del género, sobre todo, por su aspecto desmitificador en un film que, osada y silenciosamente, incluye a un actor negro (Morgan Freeman) como compañero fiel del protagonista. Aquí, la leyenda, William Munny (el propio Eastwood), no es un ángel exterminador en toda regla, sino un ángel caído que lleva media vida intentando remontar el vuelo. Primero, dejando atrás una vida de violencia y alcohol a la que sustituye por una sosegada vida familiar y, posteriormente, intentando volver a ser aquel joven forajido capaz de reventar cualquier dentadura y sacar, así, adelante una economía familiar mermada por la gripe porcina. Ambos intentos frustrados en parte. Las primeras escenas de la película ya aventuran la tormenta en el horizonte, una tormenta que se volverá a repetir, aunque más estridentemente, justo al final del metraje, en el momento más álgido de violencia.

Munny vuelve a coger su arma y lo hace por dinero y con la torpeza de quien hace una década no practica su puntería. Su decrepitud se deja ver en diferentes ocasiones (desde mi punto de vista, demasiado exageradas y reiteradas): caídas del caballo, escasa puntería, torpeza extrema en el manejo de los cerdos… E, incluso, ese “tengo miedo a morir” que enuncia en varios momentos de la trama. Es entonces cuando Munny inicia un camino sin retorno que le llevará de la civilización a la barbarie, de ese posible -que no inequívoco- trasunto del William Blake poeta que se perfila inicialmente en Dead Man (Jim Jarmusch, 1995) a ese otro cuyos poemas, en último lugar, son escritos con sangre y que, herido ya de muerte, se deja arrastrar por las olas hacia el reposo absoluto, tal y como nuestro Munny se dejará llevar por su fiel caballo hacia el remanso de paz que identifica su hogar en los planos finales. Aunque formalmente, por supuesto, sean dos trabajos cinematográficos absolutamente dispares. Eastwood, para qué negarlo, está más cerca narrativa y formalmente de ese John Ford que firmó El hombre que mató a Liberty Balance (1962): lirismo en la imagen, cámara pausada, cierto romanticismo.

Desde luego, el Oeste ya no es lo que era y ni siquiera lo fue en su momento. La desmitificación en Sin perdón llega al punto de integrar tan tajante valoración como parte del guión: el amoral sheriff Little Bill (Gene Kackman) relata al biógrafo de Bob el inglés (Richard Harris), un caza recompensas encarcelado y vapuleado sin piedad por el primero, la patética realidad del Oeste (pistolas que explotan en las manos, borrachos que no aciertan a disparar). Sin perdón presenta de este modo una “revisión antimaniquea y naturalista del western”, tal y como apunta Carlos Aguilar en su Guía del cine (Cátedra, 2004). Pero, además, hace una reflexión sobre los orígenes y consecuencias de la violencia, poniendo sobre la mesa la ambigüedad moral de aquellos que representan la ley y de esos otros que son considerados héroes redentores. Ni los buenos son tan buenos, ni los malos lo son tanto.

Añade Aguilar que Sin Perdón no puede verse sin asumir asimismo que estamos ante “la recapitulación metafórica de la propia trayectoria profesional de su artífice”. Matiz que comparto en toda su amplitud. Eastwood, a través de su papel en la película, hace un vaciado de su propio recorrido como actor, se piensa a sí mismo, es el propio Eastwood quien se nos muestra, tanto en la pantalla como fuera de ella, como una vieja gloria del western que busca un lugar donde quedarse (hogar o celuloide, respectivamente). Y, sin lugar a dudas, el actor-director ha encontrado su sitio en ambas lides. Desde su primera incursión tras las cámaras, Escalofrío en la noche (1971), vendrán muchas películas memorables, en las que, en ocasiones, también queda lugar para el Eastwood actor: Bird (1988), Cazador blanco, corazón negro (1990), Mystic River (2003), Million Dollar Baby (2004) o el díptico sobre Iwo Jima (2006). Para la hoguera queda la fallida Invictus (2009).

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MÁS INFO

Nacionalidad: EE.UU.
Género: Western
Reparto: Clint Eastwood, Gene Hackman, Morgan Freeman, Richard Harris.
Guión: David Webb Peoples
Fotografía: Jack N. Green
Música: Lennie Niehaus

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Otra PELÍCULA es posible_Un hombre soltero

UN HOMBRE SOLTERO

Dir.: Tom Ford
Fecha de estreno: 12.02.10

Un día es sólo un día, pero puede ser el día que marque la diferencia. Un tonto juego de palabras, sí, pero me sirve para introducir lo que aquí acontece, pues todo en esta historia tiene lugar a lo largo de 24 horas (el reloj es una presencia constante que nos va desgranando gota a gota el tiempo en el que transcurre toda la trama).

Estamos en Los Ángeles, 1962, punto álgido de la crisis de los misiles cubanos, así como de la posibilidad de una guerra nuclear, y el miedo se extiende por todo el planeta. Éste es el contexto que acompaña a la trama principal de Un hombre soltero. Pero de lo que realmente nos habla el primer largometraje de Tom Ford (Texas, 1961), acreditado diseñador de moda que, en 2004, fundó su propia productora de cine, FADE TO BLACK, es de la soledad no buscada, de la pérdida del deseo de seguir viviendo cuando nada parece tener sentido.

Un hombre soltero nos cuenta la historia de George Falconer, un profesor universitario (Colin Firth) que pierde a su pareja (Matthew Goode) en un accidente de tráfico, hito a partir del cual intenta seguir adelante, sin apenas conseguirlo, apenas rememorando la vida en común que dejó atrás un inesperado suceso. El sinsentido acecha su vida y decide suicidarse al finalizar el día. Tras esta dramática decisión cada segundo adquiere vital importancia para George y es visto y vivido por éste desde una perspectiva totalmente diferente.

Y es que todos podemos perdernos en algún momento de nuestras vidas. El propio Tom Ford, así lo asume: Hay mucho de mí en mi versión de George. Mucha gente pasa por una especie de crisis espiritual al llegar a la mediana edad. Conseguí grandes logros en el mundo material a una edad muy temprana: seguridad económica, fama, éxito profesional y más bienes materiales de los que podía disfrutar. Tenía una vida personal plena, un maravilloso compañero sentimental con quien llevaba 23 años, dos estupendos perros y gran cantidad de amigos pero, de algún modo, me perdí un poco (…). Nuestra cultura anima a pensar que todos nuestros problemas se pueden resolver mediante bienes materiales. Había descuidado por completo el aspecto espiritual de mi vida.

Ésta es la adaptación cinematográfica de la novela A Single Man de Christopher Isherwood, una novela cuyas formas son las de monólogo interior y que aquí se transforma en una serie de encuentros con otros personajes (entre ellos, una magnífica Julianne Moore y un no menos impactante Nichotas Hoult); un protagonista más cercano a lo políticamente correcto y con claras intenciones de quitarse la vida.

Algunos pensarán que estamos ante la típica película de temática gay. Se equivocan. El tema que aborda es universal, el sentido de la vida, y lo hace desde el respeto y el susurro, contando con una bella fotografía responsabilidad del joven catalán Eduard Grau (fíjense también en cómo van cambiando los colores en función de los cambios emocionales que sufre el protagonista, una banda sonora impecable a cargo de Shigeru Umebayashi (responsable de la susodicha en In The Mood For Love de Wong Kar-Wai) y Abel Korzeniowski, además del buen hacer de Colin Firth, que se hizo con la Copa Volpi en la pasada edición del Festival de Venecia y que ha sido nominado al Oscar a Mejor Actor Protagonista. El filme cuenta, además, con otro español en su haber, el modelo Jon Kortajarena, que debuta en esto del celuloide con un papel secundario, una suerte de morboso James Dean. Y no, NO ES MODA TODO LO QUE RELUCE.

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MÁS INFO

Género: Drama

Reparto: Colin Firth, Julianne Moore, Matthew Goode, Ginnifer Goodwin, Nicholas Hoult, Jon Kortajarena.

Guión: Tom Ford, David Scearce
Fotografía: Eduard Grau
Música: Shigeru Umebayashi y Abel Korzeniowski

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www.asingleman-movie.com

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PUBLICADO POR LA QUE ESTO SUSCRIBE EN NOTODO.COM (aquí pueden ver una buena galería de imágenes de la película)

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De cine_Precious

PRECIOUS

Dir.: Lee Daniels
Fecha de estreno: 05.02.10

La realidad, mediatizada o no, nos habla día sí y día también sobre el maltrato y abuso que sufren muchas personas indefensas. Independientemente de las sinrazones que siempre hay detrás, algunas de las víctimas logran hacer de tripas corazón y salir adelante salvando todo tipo de obstáculos. Y es que cuando lo único que has escuchado en tu vida son “piropos” del tipo eres una inútil o nadie te quiere, es difícil remontar. Aún así, hay gente que lo consigue.

Ambientada a finales de los ochenta, Precious es la historia de Claireece “Precious” Jones, una suerte de Beth Ditto negra (salvando las distancias con la líder de Gossip, por supuesto) que en sus evasivos sueños se imagina estrella pop y que en su cruda realidad vive en un inhóspito Harlem, es analfabeta, tiene 16 años, problemas de obesidad, dos hijos de un padre que no ejerce como tal y una madre muy cabrona que sólo piensa en zascandilear y sacar lo máximo posible de su hija, sexo incluido. Vamos, un panorama desolador. Dicho lo cual, muchos esperarán un dramón de sobremesa televisiva. Pues bien, fuera prejuicios. Precious no viste de color rosa aquello que sólo puede ser negro y pinta de gris, como no podía ser de otra manera, la única salida posible. Desde luego, no estamos ante el cuento de la Cenicienta con final feliz. Si al catálogo de horrores que se nos muestra en pantalla -con respeto, aunque con crudeza- le añadimos las magistrales interpretaciones de las dos protagonistas, madre (Mo’Nique) e hija (Gabourey “Gabby” Sidibe), Precious se convierte en destino ineludible en nuestras salas para todos aquellos que nos cuestionemos, casi en cada telediario, qué nos hace ser humanos y qué animales.

La adaptación cinematográfica de la novela Push de
Sapphire se convierte así en el segundo largometraje del afroamericano Lee Daniels, tras su primeriza Shadowboxer (2005) que tuvo a Helen Mirren a la cabeza de un reparto que contó también con la gran Mo’nique. Ahora, con su nuevo trabajo, le llueven los premios por los diferentes festivales en los que se ha podido ver. Especial atención merecen el Gran Premio del Jurado, el Premio Especial del Jurado para la actriz Mo’Nique y el Premio del Público recogidos en Sundance ’09 y las seis nominaciones a los Oscar que acaba de recibir: Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actriz Protagonista (Gabourey “Gabby” Sidibe), Mejor actriz de reparto (Mo’nique), Mejor Guión Adaptado y Mejor Montaje. Eso sí, tendremos que esperar al próximo 7 de marzo para saber cuántas estatuillas doradas se lleva finalmente.

ACTUALIZACIÓN

1/ Globo de Oro a la Mejor Actriz Secundaria para MO’NIQUE.

2/ La película PRECIOUS fue la gran triunfadora de la 41 edición de los “Premios Image” al conseguir seis galardones a la Mejor Película, Mejor Película Independiente, Mejor Director (Lee Daniels), Mejor Actriz Protagonista (Gabourey Sidibe), Mejor Actriz de Reparto (Mo’nique) y Mejor Guión (Geoffrey Fletcher). Los Premios Image los concede la NAACP, Asociación Nacional para el progreso de la Gente de Color (National Association for de Advancement  of Colored People) y rinden honores a la diversidad en las artes y a los logros en cine, televisión, música y literatura. (Fuente: Filmax).

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MÁS INFO:

Género: Drama

Reparto: Mo’Nique, Gabourey Sidibe, Lenny Kravitz, Paula Paton, Mariah Carey, Sherri Shepherd.

Nacionalidad: EEUU
Guión: Geoffrey Fletcher
Fotografía: Andrew Dunn, B.S.C.
Música: Mario Grigorov

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www.precious.filmax.com

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PUBLICADO POR LA QUE ESTO SUSCRIBE EN NOTODO.COM (aquí pueden ver una buena galería de imágenes de la película)

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