De cine_Ciudad de vida y muerte

CIUDAD DE VIDA Y MUERTE

Dir: Lu Chuan
Fecha de estreno: 09.04.10


Si la zona de seguridad en una guerra es de todo menos segura –en ella son posibles los asesinatos y las violaciones-, algo grave está pasando. Lo grave es, sin duda, la ausencia de respeto de las convenciones establecidas; la inutilidad de establecer unos mínimos requisitos éticos cuando los máximos, la guerra y sus consecuencias, son inevitables. Lo que nos muestra Ciudad de vida y muerte es, en definitiva, la cara más feroz y sombría del ser humano en situaciones como la descrita. Sigue leyendo

De cine_Lourdes

LOURDES

Dir: Jessica Hausner
Fecha de estreno: 31.03.10

Cuando tu única compañera fiel es una silla de ruedas, cuando la única opción para escapar del aislamiento es participar de los peregrinajes (¿dónde quedan los amigos, la familia?), mal pinta el panorama. Así se nos muestra el entorno de Christine (interpretada magistralmente por Sylvie Testud), una joven que emprende un viaje a Lourdes y una mañana despierta supuestamente curada por un milagro. El milagro no sólo opera en sus piernas, capaces ya de andar, sino que, como si antes no fuera posible, le dotan de una vida: ya puede “tener ligue” (el jefe del grupo de peregrinos, un seductor voluntario de la Orden de Malta), conversar con el resto de compañeros de viaje (previamente parece limitarse a ser un simple objeto sin voz ni voto), proponerse retomar sus estudios, tocar el piano e, incluso, crear una familia. Pero, seamos sinceros, “una curación milagrosa es injusta. ¿Por qué una persona se cura y otra no? ¿Qué se puede hacer para curarse? ¿Rezar, escoger la humildad o, por el contrario, no hacer nada, como Christine (nuestra protagonista)?”. Por lo tanto, ¿es Dios injusto en su infinita misericordia? Pregunta retórica, por supuesto, aunque planteada en la trama de la película a través de las experiencias del resto de peregrinos en Lourdes.

El tercer largometraje de Hausner (Viena, 1972), tras sus Lovely Rita (2001) y Hotel (2004) -ambas seleccionadas en la sección Un Certain Regard del Festival de Cannes-, nos habla de la sensación que todos hemos tenido alguna vez, la de tener una vida truncada, bien por la mala suerte, bien por las condiciones físicas y mentales de partida o por cualquier otra razón insospechada. Pero, señores, señoras, todo es cuestión de percepción, así lo afirman nuestros terapeutas, no de milagros o eventos mágicos que cambiarán nuestras vidas para siempre y nos harán alcanzar la vida plena. Los milagros sólo son hechos que, de momento, no tienen explicación o mera herramienta eclesial netamente marketiniana. Lo de Lourdes, parece afirmar Hausner, no es más que un cuento de hadas cruel que genera esperanzas vanas, no es más que opio para un pueblo que espera “salvarse” de la hoguera y vivir en un más allá pletórico, sin hacer nada por ser feliz, por exprimir el jugo vital, en éste acá más asible y más real.

Como remarca la propia cineasta, lo que plantea Lourdes es, en definitiva, el sentido de la vida. Desvelada la historia, sólo podemos recriminarle un metraje excesivo y un lento discurrir, aunque no sin cierto encanto. Pese a todo, se hizo con los Premios Fipresci, Signis, Brian y Sergio Trasatti en el Festival de Venecia 2009 y el Giraldillo de Oro a la Mejor Película en el Festival de Sevilla 2009.

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MÁS INFO

Género: Drama

Reparto: Sylvie Testud, Léa Seydoux, Bruno Todeschini, Elina Löwensohn, Gerhard Liebmann, Gilette Barbier, Katharina Flicker, Linde Prelog, Heidi Baratta, Jacques Pratoussy, Walter Benn, Hubsi Kramar, Helga Illich, Bernadette Schneider.

Guión: Jessica Hausner
Producción:
Martin Gschlacht, Philipe Bober y Susanne Marian.
Director de fotografía:
Martin Gschlacht.
Montaje: Karina Ressler.
Dirección artística: Katharina Wöppermann.

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PUBLICADO POR LA QUE ESTO SUSCRIBE EN NOTODO.COM (aquí pueden ver una buena galería de imágenes de la película)

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Tiempo de reflexión_las gallinas que entran por las gallinas que salen

BIGELOW CELEBRA SU PARTICULAR 8 DE MARZO, DÍA DE LA MUJER

Kathryn Bigelow (California, 1951) se convierte en la primera mujer en recibir el Oscar a la Mejor Dirección por su largometraje En tierra hostil. Sólo cuando cosas así dejen de ser noticia, habremos triunfado, señoras.

También se ha llevado el Oscar a la Mejor Película y cuatro estatuillas doradas más: Edición, Guión Original, Edición de Sonido y Mezcla de Sonido.

Respecto a los Oscar, les comentaré sólo un par de cosas que me han tocado la fibra sensible.

Según mi criterio, por supuesto, Avatar ha ganado sólo aquellos premios que merecía ganar: dirección de arte, fotografía y efectos visuales [para aquellos que quieran hacer leña del árbol caído, les diré que -para más inri- Bigelow es la ex de James Cameron].

Por otra parte, me parecen desconcertantes dos de los premios entregados:

1// Haneke y La cinta blanca debieron llevarse el Premio a Mejor Película Extranjera (en su defecto, Un profeta de Jacques Audiard) y no El secreto de sus ojos de Campanella, destacable, pero no vencedora.

2// Se me escapa, por surrealista, que alguien tan poco dotada para la interpretación como Sandra Bullock reciba el Premio a Mejor Actriz Principal y se imponga a Hellen Mirren (The Last Station) o Gabourey Sidibe (Precious).

Pueden leer una crónica de los Oscar y el listado completo de los premiados aquí.

PRESCRIPTORES, BLOGS Y ANUNCIANTES

Ayer tuvo lugar un fenómeno paranormal en mi blog. El número de visitas se incrementó inesperada y exageradamente. La respuesta la tiene el propio protagonista del post publicado, El Hortelano, quien decidió darle cierta promo a través del mail y las redes sociales a su alcance.

Para mí, El Hortelano, en este caso, se convirtió en un prescriptor, es decir, en una persona cuya influencia y calidad de experto en la materia dio repercusión (venta) a mi blog allí adonde yo, por mis propios medios, no llegaba.

Éste no es más que un buen ejemplo de por qué las marcas deberían integrar más fervientemente en sus campañas de publicidad otros canales distintos a los habituales (prensa, radio, televisión): Internet y su periodismo 2.0, sus bloggersreferencia (especializados) y redes sociales varias. Las marcas conseguirán llegar más y mejor; nosotros, los bloggers, periodistas digitales, prescriptores y usuarios de redes sociales, cobrar por el trabajo que (les) hacemos.

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Como diría José Mota, las gallinas que entran por las gallinas que salen.

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De cine_Sin perdón

SIN PERDÓN

Dir.: Clint Eastwood
Fecha de estreno: 1992


Western crepuscular, pesimista, clásico y desmitificador. Así se nos muestra Sin perdón, trabajo dirigido e interpretado por un  fuera de la ley, Clint Eastwood, que logró alzarse con cuatro Oscar (Mejor dirección, Mejor película, Mejor actor de reparto y Mejor montaje). Y afirmo lo de fuera de la ley con toda intención. Pues Eastwood se sale de los parámetros narrativos habituales del género, sobre todo, por su aspecto desmitificador en un film que, osada y silenciosamente, incluye a un actor negro (Morgan Freeman) como compañero fiel del protagonista. Aquí, la leyenda, William Munny (el propio Eastwood), no es un ángel exterminador en toda regla, sino un ángel caído que lleva media vida intentando remontar el vuelo. Primero, dejando atrás una vida de violencia y alcohol a la que sustituye por una sosegada vida familiar y, posteriormente, intentando volver a ser aquel joven forajido capaz de reventar cualquier dentadura y sacar, así, adelante una economía familiar mermada por la gripe porcina. Ambos intentos frustrados en parte. Las primeras escenas de la película ya aventuran la tormenta en el horizonte, una tormenta que se volverá a repetir, aunque más estridentemente, justo al final del metraje, en el momento más álgido de violencia.

Munny vuelve a coger su arma y lo hace por dinero y con la torpeza de quien hace una década no practica su puntería. Su decrepitud se deja ver en diferentes ocasiones (desde mi punto de vista, demasiado exageradas y reiteradas): caídas del caballo, escasa puntería, torpeza extrema en el manejo de los cerdos… E, incluso, ese “tengo miedo a morir” que enuncia en varios momentos de la trama. Es entonces cuando Munny inicia un camino sin retorno que le llevará de la civilización a la barbarie, de ese posible -que no inequívoco- trasunto del William Blake poeta que se perfila inicialmente en Dead Man (Jim Jarmusch, 1995) a ese otro cuyos poemas, en último lugar, son escritos con sangre y que, herido ya de muerte, se deja arrastrar por las olas hacia el reposo absoluto, tal y como nuestro Munny se dejará llevar por su fiel caballo hacia el remanso de paz que identifica su hogar en los planos finales. Aunque formalmente, por supuesto, sean dos trabajos cinematográficos absolutamente dispares. Eastwood, para qué negarlo, está más cerca narrativa y formalmente de ese John Ford que firmó El hombre que mató a Liberty Balance (1962): lirismo en la imagen, cámara pausada, cierto romanticismo.

Desde luego, el Oeste ya no es lo que era y ni siquiera lo fue en su momento. La desmitificación en Sin perdón llega al punto de integrar tan tajante valoración como parte del guión: el amoral sheriff Little Bill (Gene Kackman) relata al biógrafo de Bob el inglés (Richard Harris), un caza recompensas encarcelado y vapuleado sin piedad por el primero, la patética realidad del Oeste (pistolas que explotan en las manos, borrachos que no aciertan a disparar). Sin perdón presenta de este modo una “revisión antimaniquea y naturalista del western”, tal y como apunta Carlos Aguilar en su Guía del cine (Cátedra, 2004). Pero, además, hace una reflexión sobre los orígenes y consecuencias de la violencia, poniendo sobre la mesa la ambigüedad moral de aquellos que representan la ley y de esos otros que son considerados héroes redentores. Ni los buenos son tan buenos, ni los malos lo son tanto.

Añade Aguilar que Sin Perdón no puede verse sin asumir asimismo que estamos ante “la recapitulación metafórica de la propia trayectoria profesional de su artífice”. Matiz que comparto en toda su amplitud. Eastwood, a través de su papel en la película, hace un vaciado de su propio recorrido como actor, se piensa a sí mismo, es el propio Eastwood quien se nos muestra, tanto en la pantalla como fuera de ella, como una vieja gloria del western que busca un lugar donde quedarse (hogar o celuloide, respectivamente). Y, sin lugar a dudas, el actor-director ha encontrado su sitio en ambas lides. Desde su primera incursión tras las cámaras, Escalofrío en la noche (1971), vendrán muchas películas memorables, en las que, en ocasiones, también queda lugar para el Eastwood actor: Bird (1988), Cazador blanco, corazón negro (1990), Mystic River (2003), Million Dollar Baby (2004) o el díptico sobre Iwo Jima (2006). Para la hoguera queda la fallida Invictus (2009).

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MÁS INFO

Nacionalidad: EE.UU.
Género: Western
Reparto: Clint Eastwood, Gene Hackman, Morgan Freeman, Richard Harris.
Guión: David Webb Peoples
Fotografía: Jack N. Green
Música: Lennie Niehaus

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Otra CRÍTICA es posible_La cinta blanca

LA CINTA BLANCA

Dir.: Michael Haneke
Fecha de estreno: 15/01/10

“El blanco es, como todos sabéis, el color de la inocencia”

En estos términos se expresa uno de los protagonistas del último trabajo del cineasta austriaco, el padre de unos niños a los que, como castigo, les obliga a llevar una cinta blanca -de ahí el título del filme- atada a su brazo para que, de este modo, recuerden que se han desviado del camino recto y son, por ende, impuros. Algo que podríamos concebir como una suerte de estrella amarilla que, posteriormente, marcaría a los judíos a modo de antisemitismo por parte del nazismo y de cuyos orígenes, entre otras cosas, nos habla Haneke.

Ubicada a principios de siglo -previa a la Primera Guerra Mundial-, en una pequeña comunidad rural del norte de Alemania, opresiva en su educación -religiosa y formal- y de una rigidez moral extrema, la historia hanekiana va desgranándose con la ayuda de un narrador, el profesor del pueblo, y sus recuerdos, a modo de flashback. Poco complaciente y muy desoladora respecto a la condición humana, La cinta blanca es el inequívoco retrato de un existencialismo escéptico, un despertar de la inocencia y una inmersión sin lubricante en un mundo cruel y déspota, el nuestro, en el que no queda nadie virgen y, mucho menos, sano. Es, sin duda, el nítido reflejo del abuso de los poderosos frente a los débiles, la importancia y prevalencia de las apariencias frente a la dura realidad. Así las cosas, el blanco y negro de la pantalla se diluye en un gris moral, donde todo comportamiento está lleno de matices e interesada flexibilidad ante lo convencionalmente establecido como correcto. El doctor, por ejemplo, es todo un referente de la comunidad; sin embargo, de puertas para adentro, es sádico y cruel con su amante, tanto como con su hija, de la que abusa en clara sustitución de una madre extinta a la que imaginamos tampoco respetaba.

Ha apuntado el propio Haneke que La cinta blanca es el retrato de la infancia que tuvieron aquellos que tiempo después se convertirían en los artífices de la ascensión del nacionalsocialismo -un nazismo que ni siquiera menciona explícitamente-, pero no sólo eso. Tal y como afirma el cineasta, “sería una interpretación demasiado fácil al transcurrir la historia en Alemania, sino (que nos habla en general) del modelo y del problema universal del ideal pervertido”. La cinta blanca parece querer advertirnos de que, tal y como afirmaba el filósofo y psicoanalista Slavoj Žižek en Lacrimae Rerum, “detrás de todo orden legal se oculta siempre el horror de algún crimen inconfesable”. Destacar, por lo tanto, que en el filme no existe una violencia meramente física -muertes, violencia de género, violación de la inocencia-, que también, sino más bien psicológica, marca inequívoca de la casa Haneke. Recuerden, si no, Caché o La pianista, películas donde la elipsis ha desaparecido y el envite hacia el espectador es frontal; un espectador que irrefrenablemente, ante algunas imágenes, siente nauseas. Haneke, no obstante, deja puertas sin cerrar para que, digámoslo así, entre la reflexión acerca de lo que entendemos por violencia, cuáles son sus orígenes y consecuencias. “El arte –afirma el autor- debe hacer preguntas y no avanzar respuestas que siempre parecen sospechosas, incluso peligrosas”.

A estas alturas del panorama, se preguntarán por qué Haneke ha elegido el blanco y negro y el tiempo pausado en un contexto cinematográfico donde prima el color, el espectáculo de las tres dimensiones, la urgencia del dinamismo… Bien, entendamos pues el blanco y negro como reflejo psicológico de una época –gris- a la que alude, pero también como el deseo consciente de un cineasta que quiere alejarnos del sensacionalismo mediático contemporáneo ante el que, por sobreexposición, ya estamos inmunizados y despertar así nuestras aletargadas conciencias.

El resultado no ha podido ser mejor. Ganadora de la Palma de Oro en la última edición del festival de Cannes y del Premio a la Mejor Película Europea, La cinta blanca ha sido galardonada, asimismo, con el Premio Fipresci de la crítica y el Globo de Oro a la mejor película de habla no inglesa en la 67 edición de los premios que otorga la Asociación de Periodistas Extranjeros de Hollywood, además de haber sido seleccionada para representar a Alemania en los Oscar a la mejor película de habla no inglesa (favorita en todas las quinielas). Sin duda, estamos ante la obra maestra de Haneke, la que le otorga indefectiblemente un sillón entre los grandes de la Historia del cine.

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MÁS INFO

Estreno: 15.01.2010

Nacionalidad: Alemania, Austria, Francia, Italia

Género: Drama

Reparto: Enno Trebs, Theo Trebs, Rainer Bock, Susanne Lothar, Roxane Duran, Miljan Chatelain, Eddy Grahl, Branko Samarovski, Birgit Minichmayr, Sebastian Hülk, Kai Malina, Kristina Kneppek, Stephanie Amarell, Bianca Mey, Aaron Denkel, Mika Ahrens…

Guión: Michael Haneke

Fotografía: Christian Berger, Aac

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www.golem.es/lacintablanca

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De cine_Precious

PRECIOUS

Dir.: Lee Daniels
Fecha de estreno: 05.02.10

La realidad, mediatizada o no, nos habla día sí y día también sobre el maltrato y abuso que sufren muchas personas indefensas. Independientemente de las sinrazones que siempre hay detrás, algunas de las víctimas logran hacer de tripas corazón y salir adelante salvando todo tipo de obstáculos. Y es que cuando lo único que has escuchado en tu vida son “piropos” del tipo eres una inútil o nadie te quiere, es difícil remontar. Aún así, hay gente que lo consigue.

Ambientada a finales de los ochenta, Precious es la historia de Claireece “Precious” Jones, una suerte de Beth Ditto negra (salvando las distancias con la líder de Gossip, por supuesto) que en sus evasivos sueños se imagina estrella pop y que en su cruda realidad vive en un inhóspito Harlem, es analfabeta, tiene 16 años, problemas de obesidad, dos hijos de un padre que no ejerce como tal y una madre muy cabrona que sólo piensa en zascandilear y sacar lo máximo posible de su hija, sexo incluido. Vamos, un panorama desolador. Dicho lo cual, muchos esperarán un dramón de sobremesa televisiva. Pues bien, fuera prejuicios. Precious no viste de color rosa aquello que sólo puede ser negro y pinta de gris, como no podía ser de otra manera, la única salida posible. Desde luego, no estamos ante el cuento de la Cenicienta con final feliz. Si al catálogo de horrores que se nos muestra en pantalla -con respeto, aunque con crudeza- le añadimos las magistrales interpretaciones de las dos protagonistas, madre (Mo’Nique) e hija (Gabourey “Gabby” Sidibe), Precious se convierte en destino ineludible en nuestras salas para todos aquellos que nos cuestionemos, casi en cada telediario, qué nos hace ser humanos y qué animales.

La adaptación cinematográfica de la novela Push de
Sapphire se convierte así en el segundo largometraje del afroamericano Lee Daniels, tras su primeriza Shadowboxer (2005) que tuvo a Helen Mirren a la cabeza de un reparto que contó también con la gran Mo’nique. Ahora, con su nuevo trabajo, le llueven los premios por los diferentes festivales en los que se ha podido ver. Especial atención merecen el Gran Premio del Jurado, el Premio Especial del Jurado para la actriz Mo’Nique y el Premio del Público recogidos en Sundance ’09 y las seis nominaciones a los Oscar que acaba de recibir: Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actriz Protagonista (Gabourey “Gabby” Sidibe), Mejor actriz de reparto (Mo’nique), Mejor Guión Adaptado y Mejor Montaje. Eso sí, tendremos que esperar al próximo 7 de marzo para saber cuántas estatuillas doradas se lleva finalmente.

ACTUALIZACIÓN

1/ Globo de Oro a la Mejor Actriz Secundaria para MO’NIQUE.

2/ La película PRECIOUS fue la gran triunfadora de la 41 edición de los “Premios Image” al conseguir seis galardones a la Mejor Película, Mejor Película Independiente, Mejor Director (Lee Daniels), Mejor Actriz Protagonista (Gabourey Sidibe), Mejor Actriz de Reparto (Mo’nique) y Mejor Guión (Geoffrey Fletcher). Los Premios Image los concede la NAACP, Asociación Nacional para el progreso de la Gente de Color (National Association for de Advancement  of Colored People) y rinden honores a la diversidad en las artes y a los logros en cine, televisión, música y literatura. (Fuente: Filmax).

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MÁS INFO:

Género: Drama

Reparto: Mo’Nique, Gabourey Sidibe, Lenny Kravitz, Paula Paton, Mariah Carey, Sherri Shepherd.

Nacionalidad: EEUU
Guión: Geoffrey Fletcher
Fotografía: Andrew Dunn, B.S.C.
Música: Mario Grigorov

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www.precious.filmax.com

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PUBLICADO POR LA QUE ESTO SUSCRIBE EN NOTODO.COM (aquí pueden ver una buena galería de imágenes de la película)

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Agenda, please, Don’t Disturb

LUNES 18_ENERO

CINE / Ciclo de las películas finalistas al Goya a la Mejor Película Hispanoamericana / 16.30 h. / Días 18, 19, 20, 22 / Academia de cine

CONCENTRACIÓN / Top Manta Party frente a la SGAE / 19 h. / El invernadero de Lavapiés

CINE / La cabina (Antonio Mercero, 1972) + La guerra de papá (Antonio Mercero, 1977) / 19 h. / Academia de Cine

AUDIOVISUALES / Enlace-45 Leandro Katz / 20 h. / MNCARS

CONCIERTO / Fangoria / 20 h. / Joy Eslava

MARTES 19_ENERO

COLOQUIO + EXPOSICIÓN / Impresionismo. Un nuevo renacimiento / Hasta el 21.01 (EXPOSICIÓN Hasta el 22.04) / Ver horarios / Fundación Mapfre

CINE / Amor y deseo en el cine árabe / Días 19, 22 / 19.30 h. / Casa Árabe Madrid

VÍDEOJUEGOS, SOFTWARE LIBRE Y ARTE / Estación futuro / 17 h. / Hasta el 31.01 / Matadero Madrid

CINE / Ciclo Wim Wenders / Hasta el 20.01 / Ver horarios / Círculo de Bellas Artes

EXPOSICIÓN / Las ventanas ciegas / Andrés Rábago (El Roto) / Hasta el 23.01 / Ver horarios / Galería BAT Alberto Cornejo

CINE / Orlando (Sally Potter, 1992) / 22 h. / Filmoteca Española

CONCIERTO / Nacho Vegas y Abraham Boba / 22 h. / Tb. día 20 / Sala El Sol

MIÉRCOLES 20_ENERO

CINE / Ciclo Claude Lanzman / Hasta el 02.02 / Ver horarios / Círculo de Bellas Artes

TALLER / rePlay: reCaptura y reMezcla / 19 h. / MediaLab Prado

CONFERENCIA / Peter Pal Pelbart / Vidas precarias y prácticas estéticas: biopolítica y biopotencia / 19.30 h. / MNCARS

CINE / El año en que mis padres se fueron de vacaciones (Cão Hamburger, 2006) / 20 h. / Hasta el 23.01 / Casa América

CONCIERTO / The Leisure Society / 21.30 h. / Moby Dick

CONCIERTO / Elliot Murphy / 21.30 h. / Sala Clamores

JUEVES 21_ENERO

CONFERENCIAS / El movimiento de la fotografía obrera. Hacia una historia política del origen de la modernidad fotográfica / Ver horarios / Hasta el 23.01 / MNCARS

CINE + COLOQUIO / Trotín troteras (Antonio Mercero, 1962) + La hora de los valientes (Anntonio Mercero, 1998) + Coloquio con Daniel Sánchez Arévalo (director y guionista), Albert Espinosa (director y guionista) e Ignacio del Moral (guionista) / 19 h. / Academia de Cine

VIDEOJUEGOS / Playlab: laboratorio de experimentación con videojuegos / Hasta el 24.01 / 19.30 h. /MediaLab Prado

EXPOSICIÓN / Rockyrama / Julio Falagán, Cless y Rubén B / 20 h. / Ver horarios / Hasta el 26.01 / Galería Fast Cool

VÍDEO / Aquí unos vídeos.. aquí unos amigos / 20 h. / Sala Off Limits

EXPOSICIÓN / Miguel Calatayud (Premio Nacional de Ilustración 2009 / Peter Petrake. De los 70 al siglo XXI / Hasta el 31.03 / Espacio Sin Entido

CONCIERTO / Grand Archives / 21 h. / Moby Dick

CONCIERTO / Gary War + Baalte + Poko Blönd / 22 h. / Würlitzer Ballrroom

CONCIERTO / La Habitación Roja / Hora por confirmar / Joy Eslava

CINE / I Am an Ox, I Am a Horse, I Am a Man, I Am a Woman (Sally Potter, 1988) / 22.15 h. / Filmoteca Española

VIERNES 22_ENERO

EXPOSICIÓN / Antonio Saura / Damas, desnudos, curas y cópulas / Ver horarios / Hasta el 30.01 / Galería La Caja Negra

CINE / ¡Viva Zapata! (Elia Kazan, 1952) / 17.30 h / Filmoteca Española

EXPOSICIÓN / Beijing Time. La hora de China / Hasta el 21.03 / Ver horarios / Matadero Madrid

CONCIERTO / John Tirado + Noam Bar Azulay + Blanca DB / 21.30 h. / Fotomatón Bar

CINE / Rage (Sally Potter, 2009) / 22 h. / Filmoteca Española

LIVE / Goldielocks + Homeboy / A partir de las 00.00 h. / Low Club

SÁBADO 23_ENERO

EXPOSICIÓN / Toyo Ito / Ver horarios / Hasta el 28.02 / Casa Asia

EXPOSICIÓN / Nubes de un cielo que no cambia / Ricky Dávila y Dufay Bustamante / Ver horarios / Hasta el 21.02 / Casa América

EXPOSICIÓN / ForeignAffairs / Juan Francisco Casas / Hasta el 20.02 / Ver horarios / Galería Fernando Pradilla

CINE / El color del paraíso (Majid Majidi, 2000) / 20.30 h. / Centro Cultural Persépolis

EXPOSICIÓN / Petite Morte, la sonrisa de Tánatos / Jorge Gonzalo (actor), Ana Belén Jarrín (fotógrafa), David Latorre (artista plástico), Queralt Lencinas (videoartista), Achero Mañas (cineasta), Linda de Sousa (artista plástico) y Alejandro Stock (artista plástico) / Hasta el 31.01 / Ver horarios / La Maison de Lanterne Rouge

CONCIERTO / Violet June / 22 h. / Sala Taboo

DJ SET / Ladytron Dj Set + Ico / A partir de las 00.00 h. / Low Club

DOMINGO 24_ENERO

EXPOSICIÓN / Viaje alrededor de Carlos Berlanga / Ver horarios / Hasta el 07.03 / Sala de Exposiciones El Águila

EXPOSICIÓN / Hannah Collins. Historia en curso. Películas y fotografías / Ver horarios / Hasta el 21.02 / Caixa Forum

INSTALACIÓN SONORA / Francisco López / Hasta el 29.03 / MNCARS

CONCIERTO / Giant Sand / 21 h. / Tb. día 25 / Moby Dick

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AVISO PARA NAVEGANTES

LA AGENDA SE ACTUALIZA DIARIAMENTE, A LO LARGO DE LA SEMANA, EN FUNCIÓN DE LA INFORMACIÓN RECIBIDA (PREVIA SELECCIÓN, POR SUPUESTO)

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Homo Sampler

Los recuerdos del nuevo presidente. Barack Obama, presidente estadounidense, en 1970, cuando tenía 9 años, con su madre, Ann Dunham; el segundo marido de su madre, Lolo, y su hermana Maya, con un año de edad. (Fuente: 20minutos.es. Foto: EFE)

Ya todos conocemos la noticia del día, una noticia que ha corrido como la pólvora entre los medios y las redes sociales: la concesión a Barack Obama del Premio Nobel de la Paz 2009 “por estimular el desarme nuclear, por sus extraordinarios esfuerzos por reforzar la diplomacia internacional y la cooperación entre los pueblos”. Yes We Can.

Por supuesto, como cualquier valoración es cuestionable. No tienen más que ver las encuestas que han surgido cual setas en la red de redes sobre si Obama merece o no el Premio.

Pero, una vez recogida la noticia que pasará a la Historia, hoy quería hablarles de otra cosa totalmente distinta (o no tanto), del libro de Eloy Fernández Porta (Barcelona, 1974) que estoy leyendo actualmente y cuya densidad me deja noqueada en cada página. Y aún así (llámenme masoca), me gusta, me entretiene y me interesa. Es el causante de las “cosquillas en el cerebro” que me provocó también en su día Rubén Lardín (Barcelona, 1972) con su libro Imbécil y desnudo. Eso sí, salvando las distancias en el nivel de atención y estruje neuronal que cada uno de ellos requiere de la que esto suscribe (y es que según Anagrama, editorial responsable de Homo Sampler, el libro de Fernández Porta, “la era de la implosión mediática demanda un nuevo modelo de ensayo que combine el fundamento de la investigación universitaria con el dinamismo de una revista de tendencias”). Pues eso, que voy a tener que leérmelo dos veces para llegar a entenderlo.

Tal y como afirma la editorial, Homo Sampler “aborda un tema central: el tiempo en la sociedad de consumo” y responde a preguntas como la de si es posible “crear un tiempo propio en la época del Tiempo™ tecnológicamente producido”. Ahí es nada. Relaciónenlo, si quieren y pueden, con Obama el sampleador. Entendido éste como caja de resonancia o tendencias ajenas.

Una fiesta para el recuerdo

Para los que se la perdieron, que fueron muchos (ni se imaginan lo codiciadas que están las invitaciones cuando organiza una fiesta o evento la revista El Duende), les dejo (más abajo) el vídeo de la entrega de Premios Evolución 09 cuyo objetivo, no lo he dicho, “es apoyar y promocionar a los creadores y artistas con mayor proyección a nivel nacional”. Eso sí, si quieren saber quiénes fueron los premiados, lean la entrada anterior. ¡No voy a ponerlos de nuevo!

Como véran AQUÍ, una cena a ciegas (antifaz y delantal “evitamanchasquenosequitannialadetres) en Oui Mad con Boat Beam sonando de fondo y en directo. ¿Se puede pedir más? Vale, la compañía era estupenda y la cena fue todo un vicio. Lástima que nos echaran, cual Cenicientas, apenas alcanzada la medianoche.

P.D.: si se fijan y me conocen, claro, me verán.

Crónica social

Annie Lennox muestra orgullosa su camiseta.
Sing
es el nombre de una canción que compuso la propia Annie para llamar la atención sobre la pandemia del SIDA (Campaña Sing, 2007).

Llevo unos días desaparecida del blog. A cambio, he llevado una gran actividad social.

He curioseado en las Jornadas sobre pantallas urbanas y espacio público que Medialab Prado ha organizado esta semana (tengo que preparar un artículo al respecto, por eso he ido a algo tan atípico en mi currículo vital); he estado en la entrega de premios de Save the Children (con imanes de prensa y público tan potentes como Annie Lennox, Julia Ormond y Claudia Cardinale a las que estuve encantada de ver tan de cerca, soy así de simple); he cenado a ciegas (antifaz y delantal de por medio) en la entrega de Premios Evolución de la revista El Duende (la que aquí firma fue parte del jurado) con la dulce sonoridad en directo de Boat Beam; fui a la fiesta de presentación de la nueva programación de Radio 3 que tuvo lugar en la Joy Eslava con grupos como Álex Ferreira (un poco soso para mi gusto), L.A. y Elastic Band (ambos interesantes) y el grupo sorpresa que ya no sorprende a nadie, más bien aburre y da pena, Nancys rubias con una Alaska en horas bajas convertida en mera acompañante; y ya, para terminar, ayer tarde me acerqué al Nómada Market, un gran mercado de diseñadores independientes y “manufactureros” cuya originalidad de producto deberían cuestionarse los implicados: ¿cómo es posible que casi todos los productos allí expuestos se parezcan tanto perteneciendo a diferentes diseñadores? Pese a ello, me parece una gran idea, un lugar brutal para llevarlo a cabo (Escaparate Atocha 24) y hubo público más que suficiente (Dj incluido). Según me comentaron, volverán a repetir evento en diciembre. Habrá que estar atento a su blog. Sólo espero, para bien de todos, diseñadores y potenciales compradores, que alguien repare en la pregunta que lanzo en esta entrada tan “acelerada” y rectifiquen.

Resumiendo, mucho movimiento esta semana, aunque también hubo lugar para el cine, una actividad, sin duda, más reposada:

Ser o no ser (1942) de Ernst Lubitsch, La Dolce Vita (1960) de Federico Fellini, District 9 (2009) de Neill Blomkamp y Katyn (2007) de Andrzej Wajda (en cines el 9 de octubre). Les hablaré de ello y mucho más en próximas ocasiones.

A estas alturas de la entrada muchos se preguntarán si tengo tiempo para el trabajo, ¿no?

p.d. para los curiosos:
LOS PREMIADOS DE LA REVISTA EL DUENDE

Natalia Mateo (interpretación actoral)
We Are Standard (música y creación sonora)
Eduardo Chapero-Jackson (creación audiovisual)
Santiago Morilla y Marlon de Azambuja ex aequo (arte urbano)
Jorge Mañes y Pablo Valbuena (diseño industrial/escultura/formas)
Marta Izquierdo (danza y performance)
Elvira Navarro (creación literaria)
Anjara (diseño de moda)
Novarama (tecnología, new media y videojuegos)
Matadero Madrid e Instituto de la Juventud (INJUVE) ex aequo (institución o empresa que más y mejor apoya a los artistas jóvenes). Recogieron el premio Pablo Berástegui, Coordinador de Matadero Madrid y Gabriel Alconchel Morales, Director General de INJUVE.