Domingo de remember_Jesús Ordovás

JESÚS ORDOVÁS_ENTREVISTA

Fotografía_Quico García

Recuerden que estamos en Domingo de remember y que, por lo tanto, lo publicado aquí pertenece al pasado. En este caso remite a enero de 2009, a una entrevista que le hice a Jesús Ordovás, un mito de la radio con quien compartí un mini tiempo radiofónico. Realizada para la revista EME (Unidad Editorial).

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Esta es la historia de un hombre que quiso ser Bob Dylan y se compró una guitarra y una armónica. Esta es la crónica vital de alguien que se dejó llevar por las palabras e ideales de dos de los grandes escritores beat, Jack Kerouac y Allen Ginsberg. Ahora, treinta años después de iniciar su propio camino, nos encontramos con una persona pausada, pero increíblemente activa e interesada por todo lo que acontece a su alrededor (no en vano, es licenciado en Ciencias Políticas), y, sobre todo, satisfecha con su trayectoria personal y profesional. Su nombre ya forma parte de la Historia de la música en España.

Jesús Ordovás
(Ferrol, 1947) se ha convertido por méritos propios en toda una institución. Ha dirigido y presentado uno de los programas radiofónicos más referenciales de las últimas décadas, “Diario Pop” (Radio3), escrito una docena de libros tan reconocidos y reconocibles como “De qué va… el Rrollo” e “Historia de la música pop española”, además de las biografías de Bob Dylan, Bob Marley y Jimi Hendrix; ha dirigido y presentado el programa de televisión “Ipop”, pero también ha ejercido su labor de crítico musical en los medios de mayor relevancia del panorama patrio, desde El País a La Vanguardia, pasando por Ajoblanco y Rockdelux. Afirma orgulloso que la música pop le ha salvado la vida y le ha hecho libre, que le ha permitido “hacer programas de radio y televisión, vivir bien, pagar una hipoteca, ver y conocer a los mejores artistas del mundo, y viajar”. Han sido tres décadas en el mundo de la música, un viaje sonoro vital que le ha llevado desde el vinilo al Ipod. Ahora, tras la baja forzosa (ERE obliga) de Radio3, Ordovás ha pasado a ser el eje motor de dos exposiciones itinerantes coordinadas y dirigidas por el MIMMA (Museo Interactivo de Música de Málaga) y donde se pueden ver fanzines, discos, pósters, entradas de conciertos míticos, maquetas, grabaciones de televisión y un sinfín de elementos característicos del pop español de las últimas décadas y, sobre todo, de la historia de Radio3. Pero también se ha publicado el disco recopilatorio “Diario Pop. 25 años de sintonías” (2008) que recoge todas las sintonías de su tristemente desaparecido programa y que surgieron de la mano de muchos artistas afines a su persona y su trabajo. La primera, recuerden, fue la de Aviador Dro, luego vendrían Derribos Arias, Siniestro Total y muchos otros. Un auténtico resumen sonoro de “Diario Pop”. Un lujo para tus oídos. Le entrevistamos, qué casualidad, en la radio del Círculo de Bellas Artes. No podríamos haber encontrado un lugar mejor en Madrid.

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Siempre se dice que un periodista es un escritor frustrado. ¿Es su trabajo el resultado de un músico malogrado?

Sí, yo soy un Bob Dylan frustrado, él era mi guía y yo quería ser él en todo. Me parece el artista más significativo e importante de la Historia de la música. Dylan fue el responsable, en parte, del buen entendimiento que surgió entre Almodóvar y yo. Nos conocimos a través de unos amigos comunes que eran fans de Dylan. Todos escuchábamos el programa de radio que hacía Ángel Álvarez, , “Caravana”, un piloto de Iberia que iba todos los días a Nueva York y traía en exclusiva mundial los discos que se editaban allí. Eso era en los años 60. Fue él quien nos descubrió los discos de Simon & Garfunkel, Love… Tenía un gusto exquisito y hacía un programa muy culto. Resulta curioso hoy en día que los fans de ese programa nos hayamos convertido en los críticos musicales de toda la prensa y la radio de este país. Gente como Julio Ruiz, Diego Manrique, Rafael Reguer, Ramón Trecet, Julián Ruiz

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Londres, París, California… todos ellos destinos vitales de un Jesús Ordovás joven y con ganas de aprender. ¿Destinos necesarios para lograr una visión panorámica del mundo de la música?

En aquellos tiempos tenía en mente un libro de Jack Kerouac, “On the Road”, que viene a decir algo así como que tienes que salir y ver mundo, porque ahí está la vida. De hecho, las canciones de Dylan van en esa línea también. Me fui de Madrid a Ibiza haciendo autostop, luego a Formentera, posteriormente a París, Ámsterdam y también a Londres… Estuve un año en cada una de las ciudades en las que se suponía que había que estar para enterarte de lo que ocurría en el mundo, saber lo que estaba pasando con la música y conocer cuál era mi lugar en el mundo. Es lo que se conoce como viaje iniciático. Trabajé en muchas cosas distintas. Descargué camiones de coca-cola, recogí cebollas en Holanda, corté cuero como ilegal en el sótano de una tienda de Londres (cuando venía la policía nos escondíamos todos en un armario), previamente había estado trabajando como artesano en un puesto del rastro de Madrid donde me dedicaba a hacer cinturones y bolsos, también vendía discos… Todo tipo de trabajos que aportan una idea de cómo son las cosas realmente y no desde la limitada visión de un estudiante como era yo.

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¿Cómo nace “Diario Pop”, su programa de música en Radio 3?

Bueno, por aquel entonces yo trabajaba en Radio España FM Onda 2 y los programas tenían mucho éxito. Carlos Tena, que era muy amigo nuestro, convenció a la dirección de Radio Nacional de España para que un canal que tenían infrautilizado, el Canal 3 de Radio Nacional, se convirtiera en una emisora parecida a la nuestra. Así surgió Radio3, en el año 79, con gente que estaba haciendo programas en Radio1, como Ramón Trecet, Juan Pablo Silvestre y el mismo Carlos Tena, además de los que estábamos en la otra emisora, Diego Manrique, Rafael Abitbol y yo mismo. Primero hicimos 7 horas de programación, luego 12 y, finalmente, llegaron las 24 horas. Radio3 se ha convertido, con el tiempo, en la radio más influyente de este país en materia cultural, no sólo en el ámbito musical.

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Pedro Almodóvar, al frente de su grupo “Almodóvar & McNamara”, llegó a ser número uno en la lista de “Diario Pop” gracias a su single “Suck it to me”. ¿Podría volver a suceder algo así hoy en día que todo parece tan homogéneo y políticamente correcto?

Bueno, entonces todo lo que se hacía era sorprendente. Por ejemplo, “Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón”, la película de Almodóvar, fue todo un revulsivo. Y la canción “Murciana marrana”, compuesta por él mismo para la ocasión, fue todo un hito. Era la primera vez que Alaska se ponía ante el micrófono como cantante. Salió todo tan bien que Almodóvar se puso a componer más canciones. Tenía mucho ingenio. “Suck it to me” me gustó tanto que empecé a programarla en la radio. También programé las primeras canciones de Kaka de luxe, que eran bastante fuertes. Canciones como “Me voy a suicidar” y “Qué público más tonto tengo” sonaban en Radio España FM Onda 2, una emisora totalmente libre donde podíamos hacer lo que nos diera la gana, siempre y cuando no nos metiéramos con el gobierno. Hoy en día, en los medios es todo más homogéneo, está todo más controlado y normalizado. Hacíamos locuras y barbaridades en los años 80, pero también cayeron cabezas. La de Carlos Tena, al que le quitaron el programa de televisión por el vídeo “Me gusta ser una zorra” de Las Vulpes; a Paloma Chamorro la llevaron dos veces a juicio y, definitivamente, también le quitaron el programa; a Lolo Rico le dejaron sin “La bola de cristal”… Casi todos los programas un poco más transgresores o provocadores que hubo en los 80 acabaron con sus directores de patitas en la calle.

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Hace apenas dos años usted también trabajó en televisión presentando y dirigiendo el programa “IPop”. ¿Cómo surge esta oportunidad? ¿Cree que programas como “No disparen al pianista” han recogido el testigo?

Bueno, “No disparen al pianista” es un programa como casi todos los que se hacen ahora mismo… Sólo promocionan aquellos grupos o músicos que quieren las compañías discográficas. En “Ipop” me ofrecían artistas a los que podía decir que no, si no me interesaba su trabajo. Pero a la larga, siempre ocurre lo mismo, las compañías discográficas presionan a la dirección de los medios para que quiten tu programa y metan otro en el que sí tengan cabida sus artistas. Es lo que ocurrió con “Ipop”. Yo prefería llevar a grupos desconocidos que hacían cosas interesantes que a grupos consagrados, aunque me dieran mayor audiencia. Creo que es lo que toca en la 2 de Televisión Española y lo que hacían en su día Paloma Chamorro y Lolo Rico. Incluso llevaron a sus programas a grupos que no había sacado ni su primer disco.

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¿Hubo bandas que temieran sus críticas? ¿Qué tipo de música tenía cabida en la programación de “Diario Pop”?

Cuando empezó Mecano, la compañía discográfica los llevó a Onda2 y Radio3 para que les entrevistara y me dijeron “trátalos bien, no les hagas preguntas difíciles, que están empezando”. Por aquel entonces ya estaban funcionando Radio Futura, Alaska y los Pegamoides, Derribos Arias y todos los grupos rompedores que se encontraban dentro de lo que se llamó La Movida y a los que yo, por supuesto, programaba. Mecano, sin embargo, fue una creación de la CBS para aprovecharse de ese momento y esa efervescencia y tenían miedo de que los criticáramos como lo que realmente eran, un montaje. A la larga han demostrado que sabían hacer canciones, tuvieron éxito y un público fiel.

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¿Podríamos valorar “Diario Pop” como un programa de radio-resistencia frente al lado más mercantil de la industria discográfica?

Soy una persona que ha trabajado siempre sin seguir las corrientes comerciales impuestas por las compañías discográficas y los medios de comunicación. Eso ha sido posible gracias a trabajar en un medio como Radio3. Ha sido una emisora que nos ha dado una gran libertad desde el principio. En ocasiones, hemos tenido problemas con algunos directores, pero en general Radio3 ha sido un oasis de libertad y todavía lo sigue siendo en comparación con otras emisoras.

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El pasado agosto, tristemente, dejamos de escuchar su voz en las ondas. ¿Por qué muere un programa de radio como el suyo? Cuéntenos, ¿qué está pasando actualmente con Radio3 y el famoso expediente de regulación de empleo?

Lo que está pasando ahora mismo es un nuevo cambio de los muchos cambios que ha habido a lo largo de la historia de Radio3. Ha tenido periodos muy difíciles con directores que querían comercializar la emisora y otros que le daban un espíritu más creativo y rompedor. Radio3 depende de Radio Nacional de España, que a su vez es una emisora pública y depende, de alguna manera, del gobierno de turno. Lo que ha ocurrido al aplicar el ERE (expediente de regulación de empleo) es que una parte significativa de Radio3 hemos tenido que abandonar la emisora, pero si sumas Televisión Española, ha afectado a más de 4.000 personas en toda España. Aún así, para mí personalmente, dejar la emisora ha sido muy bueno. Después de casi 30 años de hacer radio, me siento liberado. Tengo todo el tiempo del mundo. Ahora mismo me encuentro encantado de no tener la obligación de ir a trabajar todos los días y poder hacer otras cosas. Era muchísimo trabajo. Pero el ERE también ha sido bueno para la emisora, ya que ha permitido que entre gente nueva en Radio3. De hecho, han nombrado como directores a dos personas que considero muy válidas, Diego Manrique y Lara López. Lo mejor que le podía haber ocurrido a Radio3. Aunque como en cualquier cambio, hay gente que ha sido favorecida y gente que no. De todos modos, Radio3 está actualmente en un buen momento.

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Tras toda una vida dedicada al mundo de la música, ¿cuáles son sus planes de futuro tras la jubilación forzosa de Radio3?

Ahora mismo estoy disfrutando de la vida más que nunca. Me siguen invitando a todo tipo de eventos, festivales y conciertos y, además, no tengo que trabajar, voy de invitado. ¿Se puede ser más feliz? En una situación de crisis como la actual, dispongo de un colchón para toda la vida que me permite vivir y pagar una hipoteca. Nos han echado en unas condiciones inmejorables, somos unos privilegiados que cobramos prácticamente lo mismo que si estuviéramos trabajando.

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Y si hablamos de músicos, ¿es posible que vivan de la música actualmente o sólo se vive de los conciertos? Me refiero, por supuesto, a las descargas incontroladas en Internet y los contratos draconianos de las discográficas…

Hay muchos grupos que viven sólo de conciertos, por ejemplo, Los Planetas y Pereza.  Los Planetas es un grupo ejemplar, ha conseguido libertad creativa (Jota es un verdadero poeta, uno de los mejores letristas), reconocimiento y vivir bien de la música. Pero los cachés de los grupos corresponden a su popularidad. Aunque, claro, también hay otros grupos que tienen que trabajar a tiempo parcial en otras cosas para poder vivir. Las descargas en Internet han permitido a la gente conocer muchos más grupos y disfrutar de más música. Al fin y al cabo, los grupos que tienen éxito se ganan la vida con los conciertos y los festivales, más que con la venta de discos.

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Imagino, además, que a estas alturas de su trayectoria tendrá una colección de discos apabullante… ¿Qué hace con todo lo que recibe?

Ahora mismo tengo tres casas y he comprado un garaje para meter los miles de discos que tengo. Pero no sólo he coleccionado discos, soy un coleccionista compulsivo de todo lo que me parece pop en el sentido warholiano del término. Colecciono revistas, fanzines, libros, cómics… desde los 70 hasta el día de hoy. No es como la enfermedad de Diógenes, es algo mucho más selectivo.

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Musicalmente hablando, ¿cuál ha sido para usted uno de los momentos más inolvidables?

Pues te voy a decir dos. Uno de ellos, el concierto que pude ver en Madrid del grupo Love de Arthur Lee justo un año antes de su muerte en 2006. En los años 70 fui expresamente a Los Ángeles para ver a uno de los grandes cantantes y creadores, cuyo disco “Forever Changes” ha sido catalogado como uno de los mejores de la historia de la música pop y me gusta muchísimo. Finalmente, no pude verlo. Luego metieron a Lee en la cárcel y, cuando por fin vino a España, tocó en la Sala Heineken de Madrid. Y allí estaba yo. El segundo de los conciertos memorables tuvo lugar el primer día que vi a Kaka de luxe. No sabían tocar, ni cantar, pero ver a Alaska, Nacho Canut, Carlos Berlanga, Enrique Sierra, El Zurdo… era maravilloso. Cuando se separaron, montaron los mejores grupos que ha dado la música nacional. Recientemente ver a Russian Red también ha sido algo impactante. Tiene magia.

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¿Quién ha sido para usted el gran descubrimiento y quién la gran decepción?

El gran descubrimiento fue Alaska y la gran decepción Poch, líder de Derribos Arias. Lamentablemente, murió de una enfermedad degenerativa. Era un tío muy inteligente, tenía un sentido del humor maravilloso, era sobresaliente como artista y, sin embargo, no consiguió tener éxito. Todos los grupos de Madrid le hicieron un homenaje en forma de disco doble cuando necesitó dinero en la última etapa de su enfermedad. Es alguien que merece la pena ser recordado.

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Si hablamos de entrevistas, ¿cuál recuerda con mayor cariño de toda su carrera? ¿Qué entrevista borraría si pudiera y por qué?

Recuerdo muy gratamente la primera entrevista que hice a Siniestro Total. Yo pensaba que eran unos salvajes y, sin embargo, se mostraron tímidos y de las personas más cultas e inteligentes con las que he tenido la oportunidad de hablar. Borraría la entrevista que hice a Las Vulpes. Sacaron un solo disco y con eso se acabó su historia. Ellas fueron las únicas responsables de su desaparición. Sus entrevistas consistían únicamente en insultos y no tenían sentido del humor suficiente como para desvincularse de esa actitud punk. Se vieron atrapadas por su propia falta de inteligencia a la hora de funcionar como grupo. Durante sus conciertos tuvieron unas broncas terribles con el público… Todo eso las hundió.

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¿Hay hueco para la música hecha en español en el circuito más independiente? ¿Qué opinión le merecen los grupos españoles que componen en inglés?

Sí, por supuesto. De hecho, ahora casi todos los grupos que empiezan en el circuito independiente lo están haciendo en castellano. Incluso grupos como De Luxe y Sidonie, que empezaron cantando en inglés, lo hacen actualmente en español. Pero la gente canta en inglés porque es más fácil que en español, no por un tema de proyección artística internacional.

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¿Qué engloba para usted la música pop? ¿Se atrevería a calificar el pop de los 80 frente a los 90 y lo que se hace actualmente?

En los ochenta estrenábamos libertades y todo nos parecía nuevo. Teníamos la sensación de que podíamos hacer cualquiera cosa. Además conectamos inmediatamente con el punk que se hacía en Londres y Nueva York. Almodóvar se lanzó a tumba abierta con “Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón” y “Laberinto de Pasiones” sin importarle lo que dijeran críticos ni autoridades; y lo mismo hicimos los demás en prensa, radio y televisión. En los 90 hubo un bajonazo. Todo empezaba a estar más controlado y eso se vio en la influencia del grunge -una actitud desesperada contra todo-sobre los nuevos grupos, que cantaban en inglés y hacían ruido porque no podían hacer otra cosa. Ahora hay un nuevo despertar al hedonismo, a pasarlo lo mejor posible a pesar de las crisis. La canción “Un Buen día” de Los Planetas expresa muy bien esa actitud.

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¿Cómo se calificaría a sí mismo en su faceta de Dj? ¿Qué tipo de música le gusta pinchar y en qué locales podemos encontrarle?

Cuando me piden que pinche en alguna fiesta o festival, me gusta poner canciones conocidas, que le gusten a la gente y que disfruten con ellas. Normalmente, me hago una idea previa del gusto del público y llevo una maleta con música muy diversa, desde Roy Orbison a los Beattles, pasando por Los Planetas y Fangoria. Entre esos referentes también caben los Pixies, los Ramones, los Smiths, los Clash… Siempre canciones muy reconocibles. Lo que no soporto es a los dj´s que se dedican a poner canciones raras y que no conoce nadie para alardear de lo que saben. Si de lo que se trata es de poner canciones raras, yo personalmente tengo 300.000 mil. Pero eso es una ridiculez. Lo interesante es poner canciones que hagan pasar un rato divertido.

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Los 10 discos de su vida son…

1. Blonde on Blonde. Bob Dylan

2. Forever Changes. Love

3. The Kinks (doble vinilo de primeras canciones)

4. The Velvet Underground & Nico

5. Je t`aime… moi non plus. Serge Gainsbourg & J.B.

6. Soy así. Los Salvajes

7. Tú no llegaste a mí. Los Cheyenes

8. Adriano Celentano

9. San Francisco. Scott McKenzie

10. Un buen día. Los Planetas

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MÁS INFO

www.jesusordovas.com

www.myspace.com/ordovas

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Ver entrevista original en PDF

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Criticar por criticar o no_la crítica cinematográfica

LA CRÍTICA CINEMATOGRÁFICA
Y SUS ALEDAÑOS

Recupero aquí tres entrevistas que hice para la revista El Duende en abril de 2009 (especial sobre cine).  ¿Qué mejor ítem (la crítica cinematográfica) para esta sección (criticar por criticar o no)?

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CARLOS REVIRIEGO

UN OJO CRÍTICO

Foto: Óscar L. Tejeda

Cinéfilo empedernido, Reviriego plasma su pasión en diferentes, aunque focalizados, frentes. Redactor jefe de la revista Cahiers du Cinéma. España, ejerce también de jurado en festivales como documentamadrid, es crítico de cine (dirigió durante casi una década la sección de cine de el cultural de El Mundo), escritor, guionista y productor de varios cortos, así como analítico y sesudo blogger (rayuela-digital.blogspot.com), un blog, cómo no, en torno al séptimo arte.

Sobre la crítica cinematográfica actual en un panorama de sobreabundancia informativa: “Posiblemente sea un escenario en el que cualquiera puede ejercer de crítico de cine (es curioso cómo no pasa lo mismo con los críticos de literatura o de ópera), generado por Internet, donde las opiniones se venden muy baratas, cuando la verdadera crítica cinematográfica sea más necesaria que nunca. […] Es importante jerarquizar, categorizar, filtrar y seleccionar, en definitiva, ofrecer valiosas pistas sobre lo que debe verse porque es lo que está definiendo la evolución del arte cinematográfico.
La crítica cinematográfica se asocia generalmente a crónicas de estreno y a apuntes impresionistas y subjetivos realizados por escritores egocéntricos, pero es otra cosa. El análisis fílmico, el estudio de las manifestaciones audiovisuales desde un punto de vista analítico sigue siendo absolutamente necesario, y ahora mismo tiene más sentido que nunca, pues precisamente ofrece un valor cualitativo respecto a esa sobre-abundancia informativa, la mayoría de las veces dependiente absolutamente de la promoción y el mercado.”

El cine español con respecto a otras cinematografías como la francesa o alemana. “La producción media nacional fabrica un cine resignado y oportunista, que muestra muy poco interés por subirse al vagón de las vanguardias internacionales. El corazón de la industria sigue padeciendo los mismos defectos de siempre (raquítica industria, atomización de productores…), regida por productores a la caza de subvención o del pelotazo comercial, y de realizadores que se pliegan con mansedumbre a las exigencias de un cine inmovilista. […] Por supuesto hay excepciones (Santi Amodeo, Isaki Lacuesta, Javier Rebollo, Albert Serra, José Luis Guerín, Mercedes Álvarez…), pero generalmente actúan en los márgenes del sistema o directamente fuera de él, con lo que la visibilidad de sus películas es menor, algunas de ellas se ven privadas de las salas comerciales y restringidas al circuito de festivales especializados.

Considero que es algo absolutamente necesario hacer autocrítica en el cine español, sobre todo porque es un sector de estructura verdaderamente endogámica y minifundista, que prefiere siempre echar balones fuera y buscar culpas ajenas que mirarse a sí mismo, diagnosticar sus defectos y tratar de ponerles solución. Creo que la endogamia es un mal crónico de nuestro cine, y que nos coloca a un paso de la catatonia creativa.”

El futuro del cine. “Estamos inmersos en los que algunos llaman una tercera revolución del cine (la revolución digital) que todavía apunta hacia muchas direcciones. Creadores, industria y crítica están expectantes y mientras los más derrotistas vaticinan el fin del cine, otros ven en esta era todo un horizonte de posibilidades. Yo no creo que el cine muera, simplemente está cambiando de forma. Tanto los modelos de producción como los hábitos de consumo están variando. Creo que una de las grandes transformaciones para el espectador es que el cine dejará de ser (quizá ya lo ha hecho) un acto casi sacro, de experiencia colectiva, para convertirse en una experiencia de carácter onanista, individual. […]

El futuro que nos espera es apasionante, mucho más democrático tanto a nivel creativo como de consumo. Lo que está claro es que el espectador ya no va a depender (ya no depende) de los distribuidores para ver las películas que los distribuidores (las majors americanas) quieren que veamos, y que puede confeccionarse su propio “menú” cinematográfico, pues los canales de  distribución son ahora mucho más amplios y variados, y el espectador tiene libre acceso (no hablo de descargas ilegales) a filmes de cualquier condición y cinematografía mundial, haya pasado por nuestras pantallas o no. En el mejor de los casos, esto se va a traducir directamente en el fin del monopolio de determinado modelo de cine basado en el entretenimiento extremo como único peaje. Cuando ya no tenga que ser popular para ser rentable económicamente, el cine podrá abrirse a la conquista de otros valores, más propios de otras artes. El cine espectáculo debe seguir existiendo, qué duda cabe, pero quizá quede relegado a las salas 3-D, cuya función está precisamente encaminada a recuperar a aquellos espectadores que han dejado de ir al cine y de conectar con los espectadores más jóvenes. No hay que olvidar que, desde su nacimiento, el cine siempre ha sido una atracción de feria. En cuento al contenido, qué duda cabe de que la proliferación de videocámaras, la calidad con la que graban, que ponen el cine a disposición de cualquier ciudadano del mundo, ha hecho realidad el sueño de la  “camera-stylo” de Astruc, con lo que parafraseando a Coppola, la próxima obra maestra llamada a cambiar el mundo del cine puede proceder de una adolescente que ha hecho una película en su casa. Sin duda, el cine de lo real y el cine de ficción acabarán, ya están haciéndolo, formando un sólo bloque, intercambiando códigos hasta hacerlos irreconocibles. Las películas del portugués Pedro Costa son un claro ejemplo.”

Directores favoritos de hoy y de siempre. “Muchos… De entre los clásicos: Chaplin, Dreyer, Ozu, Ford, Ophuls, Hawks, Buñuel, Godard, Eastwood… Cineastas actuales: Paul Thomas Anderson, Terrence Malick, Pedro Costa, Claire Denis, Nobuhiro Suwa, Gus Van Sant…”

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ANTONIO SANTAMARINA

PRESERVAR EL PATRIMONIO

Foto Cine Doré: Paul Raphael Stadelhofer

Declarado amante del film noir, Santamarina se revela poliédrico: escritor, crítico e historiador de cine, jurado en festivales como el de San Sebastián y, desde 2002, gerente de la Filmoteca Española. En sus múltiples facetas, asume también el rol de miembro del consejo de administración de la revista Nosferatu y Cahiers du Cinéma.

¿En qué ha evolucionado e involucionado el cine? “Ha evolucionado hacia una mayor democratización en la creación, en la distribución (a través de canales alternativos) y en el consumo de películas gracias a la revolución digital al tiempo que, desde el punto de vista del lenguaje, se han comenzado a eliminar algunas barreras como, por ejemplo, las que separaban, al menos nominalmente, el cine de ficción del documental. Ha involucionado, si esa es la palabra, en que el cine ha dejado de ser el centro del universo audiovisual y en que cada vez es más difícil restaurar las películas en celuloide mientras la conservación digital no es todavía ninguna alternativa seria o, cuando menos, tan estudiada y conocida como aquella.”

¿Hacia donde va el mundo audiovisual? “Camina hacia una capacidad cada vez mayor de crear relatos audiovisuales en diferentes soportes, distribuidos por circuitos que cada vez serán menos las salas de cine y que se consumirán preferentemente de manera privada. Ello permitirá, está permitiendo ya, al cine liberarse de las ataduras de la narrativa decimonónica para proponer nuevas formas creativas.”

¿Qué opinión te merecen las descargas ilegales? “A mí me preocupa, más que este asunto, que el Fondo de Protección a la Cinematografía disponga anualmente, por ejemplo, de 87 millones en ayudas al cine español y que la Filmoteca Española cuente apenas con 4 millones para financiar sus actividades y conservar, preservar y restaurar todo el patrimonio cinematográfico español. Y me produce sonrojo que esta penuria no preocupe, hasta ahora, a quienes se quejan tanto de las descargas ilegales.”

¿Sigue formando parte de la revista Nosferatu? “Sigo siendo miembro del consejo de redacción, aunque ya no figura éste recogido como tal en la revista porque, como tú dices, se ha convertido en libro. ¿Y por qué? Pues para garantizar que no los retiren de la circulación tan rápido, con el trabajo que cuesta la distribución de los ejemplares. ¡Qué os voy a contar!”

Si tuvieras que elaborar una lista de tus directores predilectos… “Guardo mucho cariño de aquellos cineastas de los que he tenido la oportunidad de escribir algo sobre ellos y, por lo tanto, de conocer más a fondo su obra, pero si tuviera que poner sólo cuatro nombres diría John Ford, Eric Rohmer, Luis Buñuel y Yasujiro Ozu.”

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RUBÉN LARDÍN

EL CINE, EL JUICIO Y LA PLUMA

Crítico mordaz y ávido cinéfilo, Lardín fustiga cada vez que pone a trabajar su pluma. Colabora en medios como Cinemanía o Rockdelux, trabaja en cine -fue, por ejemplo, script en el El Orfanato-, jurado en festivales, traduce la obra de autores como Robert Crumb o Adrian Tomine, y también ha publicado sus propios libros, Sam Peckinpah. Hermano perro e Imbécil y desnudo.

Ilustración de portada de Imbécil y desnudo. Ed. Leteo

¿Tiene sentido hacer crítica cinematográfica? “Tanto como lo tuvo alguna vez, si es que alguna vez lo tuvo. Hoy cualquier idiota se cree legitimado para la crítica, pero no hay manera de evitarlo. La democratización opinativa trae toneladas de basura. Al margen, concibo la crítica como un género literario y como lector sólo me interesa el crítico cuya literatura es estimulante. El temario es importante y un crítico afín a mis gustos tendrá más puntos de interés, pero si su literatura es inocua está todo perdido. Quizás no tenga sentido hacer crítica pero a veces es entretenido leerla. También decían que la novela había muerto y hoy más que nunca se busca la clásica novela río en las series de televisión.”

¿Hay futuro para el cine como lo entendemos hoy? “No soy visionario, pero no es difícil aventurar que pasa por la multipantalla. En un viaje, me encontré viendo una película de Edgar Neville de hace sesenta años, en la pantalla del iPod… El cine no se consume en salas, pero siempre será un vínculo social. Tampoco se va a misa pero se reza en casa. Esa dispersión receptora está influyendo en la construcción del relato, que, por un lado, tiende a los contenidos planos y fragmentados, y al chute sensorial sin más, y por otro, alimenta voces insulares con enjundia, que para cierto público se hacen necesarias en tiempos de tanta caloría y tan poca proteína. Mientras convivan, están muy bien. Los daños colaterales, que son la mundialización temática, el cine del buen rollito y toda esa asquerosa falsedad, son inherentes.”

¿Qué le falta al cine español para estar al nivel cualitativo del alemán o francés? “Nos urge culturizarnos, pero tampoco creo que Francia o Alemania, aunque más civilizados, sean más culturizados. España es arrogante pero no asertivo, y es provinciano y diminuto. Ondeamos la bandera de Almodóvar y vamos tirando, pero además ondeamos otras, como la de Amenábar, que son banderines de parroquia, y que en lo alto del mástil no hacen más que ridiculizarnos. Luego está la obsesión por el cine social que hacemos tan nefasto, chustero y de telefilm barato. León de Aranoa no es Agnès Varda, pero parece que tenemos urgencia por pintar santos. Hagamos películas que sintamos, buenas o regulares, como las hicieron Berlanga o Saura, o como ahora Nacho Vigalondo, los chicos de REC, Isaki Lacuesta o Antonio Hernández, que harán un peliculón. La clave para hacer buen cine está en sacudirse los complejos y en dejar de mirarse en otros.2

¿Directores favoritos? “Berlanga, Polanski, Buñuel, Peckinpah, Argento, Cronenberg y Chabrol. Son todos más bien de ayer, pero es que estoy mayor. También sigo con ganas a jóvenes “del terror” como Rob Zombie o Alexandre Aja. Y a Haneke, a Paul Greengrass, a Kitano.”

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Domingo de remember_Joaquín Reyes

Fotografía_  © Óscar L. Tejeda (2008)


ENTREVISTA A JOAQUÍN REYES

Realizada por la que esto suscribe en julio de 2008
Publicada en Playboy (octubre_08)

Trabaja rodeado de amigos y no sabe lo que es el aburrimiento. Es una de las cabezas visibles (y destacadas) de “Muchachada Nui”, el programa de humor que otrora fuera “La hora chanante”. Se transforma en Richard cuando “Cámera Café” lo requiere y trabaja como ilustrador (Editorial SM, Rockdelux y Rolling Stone) y periodista de ficción (El País) cuando su agenda se lo permite. Está pensando en hacer una película con sus amigos y compañeros de curro, además de un cómic propio. ¿Alguien da más? Es Joaquín Reyes (Albacete, 1974).

Actualmente, el bufón más interesante del panorama humorístico, se encuentre en plena promoción del DVD de la primera temporada de “Muchachada Nui”, una edición especial limitada, numerada, con muchos extras y, sobre todo, mucho humor. No podemos resistirnos y le preguntamos. Un imaginativo e idílico hotel en pleno centro de Madrid nos sirve de contexto.

¿Qué recorrido hay entre tu licenciatura en Bellas Artes y tu faceta de humorista?

Terminé mi carrera y tenía claro que me quería dedicar al diseño gráfico y la ilustración. Me vine a Madrid y conseguí trabajo en una editorial. Más tarde, por un amigo que estaba en la Paramount Comedy empecé a hacer monólogos. Casualmente, Paramount estaba buscando gente nueva para hacer cosas de producción propia. Afortunadamente, yo estaba allí y empecé a hacer “La hora chanante”. Fue todo muy azaroso.

Entonces, ¿eres humorista sólo como resultado de una carambola cósmica?

Bueno, no soy una persona con una vocación clara hacia el mundo de la comedia o el espectáculo. Siempre he hecho el idiota, pero de una forma desinteresada. A mí lo que me gusta es dibujar, pero al final he terminado siendo un bufón. Cosa que, por otra parte, me encanta. Poder trabajar en esto, ganando dinero, con tus amigos y libertad… ¿Qué más se puede pedir?

Mucha gente empieza a dar relevancia a lo manchego, hablan de Pedro Almodóvar, Sara Montiel y Joaquín Reyes. ¿Cómo llevas el hecho de ser abanderado de una tierra?

Todos los que formamos parte de “Muchachada Nui” somos manchegos. Desde Ernesto Sevilla a Raúl Cimas, Julián López o yo mismo. Es una etiqueta que no nos molesta, es más, nos parece simpática. Nosotros, de hecho, hacemos proselitismo de nuestro mancheguismo. Desde nuestros inicios en “La hora chanante” usamos el acento manchego como un elemento más de la comedia y, con el tiempo, se ha convertido en una seña de identidad. La forma que tenemos de hablar en La Mancha es muy socarrona y divertida. Era algo que no se conocía en el resto de España.

Incluso palabras como “gambitero”, “caldofrán”, “regulero” o “tunante” se están incorporando al lenguaje habitual de la calle…

Algunas de estas palabras se utilizan habitualmente en mi tierra y otras las hemos incorporado de forma natural, nos hacían gracia y las decíamos. Por ejemplo, “tunante” lo oí por primera vez a un profesor de la facultad y “a cascoporro” se lo escuché a una profesora de animación que tuve en Murcia.

Se ha dicho en multitud de ocasiones que eres el John Cleese manchego. ¿Te sientes identificado con esta afirmación?

Hombre… ¡John Cleese es muy grande! Me parece una comparación exageradísima, aunque muy halagadora. Nosotros utilizamos el humor absurdo, tal y como lo hacen los Monty Python, y hay cosas que, directamente, copiamos de ellos. Comparar lo que hacemos con los Monty Python es como comparar a los Beatles con Hombres G (la última parte de la frase no es mía, sino de Ernesto Sevilla). Sin duda, lo bueno de vivir en un país pequeño es que resulta más fácil destacar.

¿Crees que la gente entiende vuestro sentido del humor?

Bueno, nosotros despertamos tanto amor como odio. Nuestros programas no entran de primera, hay bromas de lectura más inmediata, pero hay otras más absurdas que hacen sentir rechazo… Intentamos hacer cosas con libertad y cierta personalidad y eso hace que la gente se posicione. La indiferencia es el peor síntoma.

¿Crees que hay alguna diferencia entre el humor burdo y el humor inteligente?

En nuestro caso utilizamos los dos, desde humor escatológico (caca, culo, pedo, pis) a referencias algo más cultas. Creo que todo es bueno para hacer reír, tú te marcas los límites. El hecho de que abuses de una u otra opción es lo que te va a definir. Personalmente me divierte mucho el humor físico (pedos, caídas…), pero también incorporar guiños cinematográficos o cosas más minoritarias. Todo forma parte y es reflejo de nuestra personalidad.

¿Qué criterio sigues a la hora de seleccionar un personaje a caricaturizar?

Al principio eran personajes de los 80, pero en este caladero ya están todos los peces pescados. Ahora hemos ampliado el criterio de selección e incorporamos a aquellos personajes que tengan algo que contar, resulten llamativos, tengan una trayectoria y no estén muy de actualidad. Por todos siento mucho cariño. No soy nada despiadado con los personajes que interpreto. A mí, de todos modos, los personajes perdedores me hacen mucha gracia. Karpov no deja de ser un perdedor, aunque sea un gran maestro del ajedrez, porque siempre perdía ante Kasparov. Eso sí, yo no hago una imitación, sino una recreación de la imagen que yo tengo del personaje. Lo que yo hago es un distorsión, más que acercarme yo al personaje, los acerco a mí, a un manchego.

Todos recordamos la promo donde caricaturizabas a una baronesa Thyssen que emplazaba a los fans a dejar de ver el programa en Internet para que no se acabara “Muchachada Nui” por falta de audiencia en televisión. ¿Qué hay de cierto en ello?

Fue algo que se entendió como una llamada de auxilio, pero era sólo un guiño a Internet. Nos ve muchísima más gente en televisión. Ese San Benito lo heredamos de “La hora chanante”. En aquel entonces sí era verdad. De todos modos, es un programa que se presta a verlo en Internet, ya que lo puedes ver troceado. Incluso ahora, TVE, una vez emitido el programa, cuelga directamente todo el contenido en nuestra web. Internet es una herramienta de comunicación más, no puedes ir en contra.

Entonces, ¿hay futuro para “Muchachada Nui”?

¡Claro! Ya estamos preparando dos temporadas más. Hay chorradas para rato. Si seguimos así, nos vamos a convertir en funcionarios del humor. ¡Hemos pillado plaza fija!

¿Qué personajes están en la parrilla de salida?

Estoy pensando en hacer de Amy Winehouse. Aunque está muy de actualidad y eso me tira para atrás, tiene tanta fuerza como personaje que me resulta muy atractivo. También Camilo Sesto, porque ha tenido esa transformación física a lo largo de estos años y, además, tuvo su momento de gloria en los 70 con Jesucristo Superstar. Y muchos más.

¿Cuál sería tu “Testimonio” para Playboy?

Bueno, yo hice de Hugh Hefner para “La hora chanante”. He interpretado al más grande. Para Playboy ya he cumplido. ¿Ahora que más podría hacer, interpretar a una playmate?