Domingo de remember_Clara Sánchez

CLARA SÁNCHEZ_Entrevista

“Lo que esconde tu nombre” / PREMIO NADAL 2010

Como saben, deberían saber o sospechar, Domingo de remember recoge artículos, entrevistas, críticas o reportajes realizados por mí en tiempo pretérito o no tanto, como es el caso de hoy: la resolución del Premio Nadal tuvo lugar a principios de enero y la novela, una acertada combinación entre thriller psicológico y novela histórica, ha salido a la venta en febrero (Ed. Destino).

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“La enfermedad y la vejez disfrazan a cualquiera de bondadoso”, así de tajante se muestra la escritora Clara Sánchez (Guadalajara, 1955) en sus respuestas. Y no podemos estar más de acuerdo, ¿qué mejor disfraz para un verdugo nazi que el de anciano? A tan truculento paraje nos acerca “Lo que esconde tu nombre”, la novela ganadora del Premio Nadal 2010.

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La primera pregunta, no puede ser otra que ésta: ¿qué esconde “Lo que esconde tu nombre”?

Habla de que no todos somos lo que aparentamos ser, de que una cara agradable puede ocultar a un monstruo y de que mucha gente que abusa de los demás logra escaparse sin pagar. Pero también habla de la profunda amistad que puede surgir entre personas de edades muy distintas y del amor como recurso salvador para darle sentido a nuestra vida. Incluso los monstruos se enamoran en esta novela.

¿Existe mejor disfraz para un responsable de la masacre nazi que el de una pareja de ancianos pasando sus últimos años en la costa española?

Es el disfraz ideal. Sólo se necesita un pantalón corto, una gorra y la debilidad propia de los años. La enfermedad y la vejez disfrazan a cualquiera de bondadoso. Ves a un anciano y piensas: este hombre trabajó, se esforzó y se jubiló y ahora está en paz, pero no siempre es así.

¿Por qué cree que, tras la llegada de la democracia a España, no se les ha perseguido y sometido a la justicia?

Esta es la gran pregunta. Nadie los denunció, no se les consideraba peligrosos… No conozco el entramado judicial, el caso es que muchos han muerto en sus camas bajo el calor de nuestro sol.

¿Quién es Clara Sánchez? ¿Lleva algún disfraz? ¿Alguna vez le hubiera gustado esconderse tras alguno o convertirse en el trasunto de algún personaje literario?

Odio aparentar lo que no soy, por ejemplo, más inteligente, mayor alcurnia familiar, más riqueza, más y más de lo que sea. El dar gato por liebre me hace sentir mal, como si yo no fuera suficiente, así que a veces tiendo a rebajar mi perfil sin darme cuenta. Pero también es cierto que hay algo de Dr. Jekyll y Mr. Hyde en mí, cuando me tocan mucho las narices sale Dr. Jekyll. Y todos somos personajes literarios en potencia, sólo hace falta que un escritor se fije en nosotros. Me habría gustado que se fijase en mí Flaubert, lo que es imposible, o Javier Marías, lo que aún sería posible.

¿Se puede vivir de ser escritora full-time o también dedica su tiempo a otros menesteres?

Nunca he escrito para comer. He trabajado en otras cosas precisamente para poder escribir y nunca me pregunté si me daría para vivir. Las cosas han ido rodando y ahora sólo me dedico a escribir y a todo lo que lleva anejo. A veces estoy mejor de dinero y otras, peor.

¿Qué ha significado recibir el Premio Nadal? ¿Qué ha cambiado tras el galardón?

Es un premio de enorme prestigio, encontrarme en su lista de premiados me honra como escritora. Y ahora me queda hacer lo que siempre he hecho: escribir, trabajar. Es la mejor manera que conozco de merecerme lo que me dan.

¿Tiene ya en mente su próxima novela?

De momento, en cuanto pueda ponerme a ello, pienso continuar la historia de “Lo que esconde tu nombre”.

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ENTREVISTA PUBLICADA POR LA QUE ESTO SUSCRIBE EN LA REVISTA EL DUENDE (n. 102).  Ilustración: Nuria Cuesta

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Criticar por criticar o no_El Estafador

El Estafador nos lanza una rotunda aseveración: « Si consigues hacer aflorar el miedo en la cabeza de la gente, la estafa entra con vaselina: ligera y contundente».

Para quien todavía no lo conozca, decirles que El Estafador es una suerte de blogcómic de periodicidad semanal (cada miércoles) donde tienen cabida autores como Juanjo Sáez, Javirroyo, Liniers, Pepo Pérez, Tute, Martirena, Mireia Pérez, Troche, Susipop y Joaquín Reyes, sí el de Muchachada Nui.

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Dicho lo cual les dejo la pieza del Estafador invitado, Albert Monteys, para el último número, el 25, en torno al MIEDO. Nada tiene que ver más con la actualidad política que vivimos en España.

Terra incógnita_Rybczynski + e-book

Hoy, sin apenas tiempo que dedicar a nada que no sea trabajo remunerado, me empeño, sin embargo, en dejarles dos variopintos e interesantes apuntes provenientes, eso sí, de fuentes distintas. El primero de ellos viene de la mano del crítico de cine (simplificando mucho) Antonio Weinrichter, sin el cual no conocería esta obra.

RYBCZYNSKI_STEPS

EL CINE COMO DESTINO TURÍSTICO

Film poster for The Battleship Potemkin (1926). El acorazado Potemkin. Fuente imagen: Wikipedia

Steps (Rybczynski, 1987) es la representación de una posible visita turística a una película, El acorazado Potemkin (Sergei M. Eisenstein, 1925), un homenaje del cineasta polaco a la célebre escalinata de Odessa (icono de la revolución fallida de 1905*, antecedente de la que tuvo lugar en 1917) a través de la reedición-reescritura fílmica. Estamos, por lo tanto, ante una manipulación del mencionado clásico del cine a través de la incorporación del vídeo (cine vs vídeo), una adulteración del parámetro tiempo capaz de convocar en un mismo espacio audiovisual dos momentos distintos de la Historia (el de entonces y el de ahora, el de los turistas norteamericanos).

* Si bien existieron varias manifestaciones y represión contra los manifestantes en Odessa, la matanza es una ficción creada por Eisenstein contra el zar. El crítico de cine Roger Ebert escribió «no existió la masacre zarista en las escaleras de Odessa… es irónico que [Eisenstein] lo haya hecho tan bien que en la actualidad muchos creen que en realidad ocurrió»

Pasen y vean…

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LA BATALLA DEL E-BOOK

AMAZON ANUNCIA SU HERRAMIENTA DE AUTOEDICIÓN DE LIBROS EN ESPAÑOL

Fuente: Eñe (23.02.10) / Todo un cut&paste por mi parte

La batalla por conseguir el reinado de los e-books y los e-readers se libra día a día. Menos de un mes después de que Apple se lanzase de cabeza a la lucha con su iPad, Amazon sigue anunciando avances en su estrategia de convertirse en la mayor librería de e-books del mundo. Si Myspace se convirtió en la herramienta preferida de músicos de todo el mundo para darse a conocer, ¿por qué no puede ocurrir lo mismo con los escritores? Amazon acaba de anunciar que su herramienta de autoedición de libros ya está disponible también para autores en español, italiano y portugués (hasta ahora sólo funcionaba para libros en inglés, francés y alemán). Si tienes un texto inédito y quieres que se venda para ser leído en un Kindle, entras en Digital Text Platform, subes tu texto, y ya estás en el ciberespacio para ser comprado y leído…

En esta misma semana, Amazon ha anunciado algo más: su fondo, 40.000 títulos, ya está disponible también para Blackberry en Estados Unidos. Hace un mes hizo lo mismo con los iPhone. A falta de que el e-reader sea una realidad cotidiana, entremos en los dispositivos que sí están ya en muchos bolsillos, parecen haber pensado los cerebros de Amazon…

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De cine_Sin perdón

SIN PERDÓN

Dir.: Clint Eastwood
Fecha de estreno: 1992

Western crepuscular, pesimista, clásico y desmitificador. Así se nos muestra Sin perdón, trabajo dirigido e interpretado por un  fuera de la ley, Clint Eastwood, que logró alzarse con cuatro Oscar (Mejor dirección, Mejor película, Mejor actor de reparto y Mejor montaje). Y afirmo lo de fuera de la ley con toda intención. Pues Eastwood se sale de los parámetros narrativos habituales del género, sobre todo, por su aspecto desmitificador en un film que, osada y silenciosamente, incluye a un actor negro (Morgan Freeman) como compañero fiel del protagonista. Aquí, la leyenda, William Munny (el propio Eastwood), no es un ángel exterminador en toda regla, sino un ángel caído que lleva media vida intentando remontar el vuelo. Primero, dejando atrás una vida de violencia y alcohol a la que sustituye por una sosegada vida familiar y, posteriormente, intentando volver a ser aquel joven forajido capaz de reventar cualquier dentadura y sacar, así, adelante una economía familiar mermada por la gripe porcina. Ambos intentos frustrados en parte. Las primeras escenas de la película ya aventuran la tormenta en el horizonte, una tormenta que se volverá a repetir, aunque más estridentemente, justo al final del metraje, en el momento más álgido de violencia.

Munny vuelve a coger su arma y lo hace por dinero y con la torpeza de quien hace una década no practica su puntería. Su decrepitud se deja ver en diferentes ocasiones (desde mi punto de vista, demasiado exageradas y reiteradas): caídas del caballo, escasa puntería, torpeza extrema en el manejo de los cerdos… E, incluso, ese “tengo miedo a morir” que enuncia en varios momentos de la trama. Es entonces cuando Munny inicia un camino sin retorno que le llevará de la civilización a la barbarie, de ese posible -que no inequívoco- trasunto del William Blake poeta que se perfila inicialmente en Dead Man (Jim Jarmusch, 1995) a ese otro cuyos poemas, en último lugar, son escritos con sangre y que, herido ya de muerte, se deja arrastrar por las olas hacia el reposo absoluto, tal y como nuestro Munny se dejará llevar por su fiel caballo hacia el remanso de paz que identifica su hogar en los planos finales. Aunque formalmente, por supuesto, sean dos trabajos cinematográficos absolutamente dispares. Eastwood, para qué negarlo, está más cerca narrativa y formalmente de ese John Ford que firmó El hombre que mató a Liberty Balance (1962): lirismo en la imagen, cámara pausada, cierto romanticismo.

Desde luego, el Oeste ya no es lo que era y ni siquiera lo fue en su momento. La desmitificación en Sin perdón llega al punto de integrar tan tajante valoración como parte del guión: el amoral sheriff Little Bill (Gene Kackman) relata al biógrafo de Bob el inglés (Richard Harris), un caza recompensas encarcelado y vapuleado sin piedad por el primero, la patética realidad del Oeste (pistolas que explotan en las manos, borrachos que no aciertan a disparar). Sin perdón presenta de este modo una “revisión antimaniquea y naturalista del western”, tal y como apunta Carlos Aguilar en su Guía del cine (Cátedra, 2004). Pero, además, hace una reflexión sobre los orígenes y consecuencias de la violencia, poniendo sobre la mesa la ambigüedad moral de aquellos que representan la ley y de esos otros que son considerados héroes redentores. Ni los buenos son tan buenos, ni los malos lo son tanto.

Añade Aguilar que Sin Perdón no puede verse sin asumir asimismo que estamos ante “la recapitulación metafórica de la propia trayectoria profesional de su artífice”. Matiz que comparto en toda su amplitud. Eastwood, a través de su papel en la película, hace un vaciado de su propio recorrido como actor, se piensa a sí mismo, es el propio Eastwood quien se nos muestra, tanto en la pantalla como fuera de ella, como una vieja gloria del western que busca un lugar donde quedarse (hogar o celuloide, respectivamente). Y, sin lugar a dudas, el actor-director ha encontrado su sitio en ambas lides. Desde su primera incursión tras las cámaras, Escalofrío en la noche (1971), vendrán muchas películas memorables, en las que, en ocasiones, también queda lugar para el Eastwood actor: Bird (1988), Cazador blanco, corazón negro (1990), Mystic River (2003), Million Dollar Baby (2004) o el díptico sobre Iwo Jima (2006). Para la hoguera queda la fallida Invictus (2009).

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MÁS INFO

Nacionalidad: EE.UU.
Género: Western
Reparto: Clint Eastwood, Gene Hackman, Morgan Freeman, Richard Harris.
Guión: David Webb Peoples
Fotografía: Jack N. Green
Música: Lennie Niehaus

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Canciones para un martes + Slavoj Žižek

CANCIONES PARA UN MARTES

PIANO MAGIC / Never It Will Be The Same

THE FIERY FURNACES / Ex Guru

THALIA ZEDEK / House of The Rising Sun

LA HABITACIÓN ROJA / Voy a hacerte recordar

BRADIEN / Dip

* Esta semana mi fuente de inspiración musical ha sido la agenda de PlayGround Mag. Claudia, a tus pies.

Slavoj Žižek_un momento para la reflexión

El marco del cuadro que tenemos delante no es su verdadero marco; hay otro invisible, un marco que se halla implícito en la estructura del cuadro, un marco que enmarca nuestra percepción del cuadro, y estos dos marcos por definición no se superponen nunca, hay una brecha invisible que los separa.

Extracto de Lacrimae Rerum. Ensayos sobre cine moderno y ciberespacio (Ed. Debate. P. 28), libro que estoy devorando y, desde aquí, recomiendo.

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Tiempo de reflexión_escribir o no

Dotar de trascendencia, gracia, pertinencia y coherencia a lo que se dice; conseguir la perfecta comunión entre fondo y forma, dejar entrever al autor detrás del texto, la singularidad de la perspectiva, los argumentos lógicos y teóricos que lo avalan… Uf, qué difícil es todo esto. Seguiré intentándolo.

Y es que, a veces, una se plantea si merece la pena seguir escribiendo para seguir aprendiendo, abriendo así ventanas y cerrando agujeros. La duda martillea mi cerebro: ¿desaparecerá alguna vez la despiadada autocrítica que me lleva a pensar, cada cierto tiempo, en el sentido de lo que hago aquí, en este blog, y de lo que hago allí, en los medios o, tal vez, la autocrítica es imprescindible y necesaria para no quedar estancada? Doy por positiva la respuesta a la parte dos de la pregunta y por negativa la respuesta a la parte uno. Así, sin orden ni concierto. No me oculto tras las formas, ellas me delatan.

P.D.: El taller de Crítica Cinematográfica de los Cahiers tiene mucho que ver en esto. Cosa que, desde aquí, agradezco.

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Domingo de remember_Animación nipona + Premios Berlinale

TODO SOBRE LA ANIMACIÓN NIPONA QUE ARRASA EN OCCIDENTE

Imagen: Tekkon Kinkreet (Michael Arias, 2006)

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* Como sabrán o intuirán, Domingo de remember me sirve para recuperar determinados artículos, entrevistas, reportajes o críticas pretéritas. Dicho lo cual, les dejo esta vez un artículo que elaboré para Público en diciembre de 2007 en torno a la animación nipona. Por supuesto, recuerden siempre la fecha al leerlo.

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El anime o animación de procedencia japonesa empieza a tener una repercusión en España impensable hace unos años y es que, sin duda, estamos ante una de las formas de expresión audiovisual que más ha revolucionado el cine contemporáneo en los últimos tiempos. La Princesa Mononoke, Porco Rosso, ambas del gran maestro Miyazaki, además de Akira de Otomo y Metrópolis de Rin Taro, han sido los principales artífices de que la animación nipona se haya hecho un hueco en occidente. Pero, tampoco podemos negar la influencia de series ya míticas como Mazinger Z o Dragon Ball. Curiosidades de la vida, acaba de empezar el rodaje de ésta última, que será transformada en la “típica película americana estudiantil con héroe imberbe y acción hollywoodiense” que interpretan actores reales, tal y como nos comentan los responsables del blog especializado en manga y anime japonés, Ramen Para Dos.

Imagen: Metropolis (Rin Taro, 2001)

En este tipo de filmes las técnicas tradicionales se mezclan con la más moderna tecnología en 3D, creando una poesía visual urbana capaz de conquistar al mismísimo Quentin Tarantino de Kill Bill, el gran fagocitador de la cultura audiovisual contemporánea que llegó, según nos explica Ángel Sala, director del Festival de Sitges y gran experto en la materia, “a convertir una parte de la película en animación”. Asimismo, nos comenta, Matrix se basa en el manga Ghost in the shell, pero también estudios como Cartoon Network y Nickelodeon lo imitan (véase, Las Supernenas). Más recientemente, filmes como La brújula dorada y Stardust reciclan muchas escenas vistas en El viaje de Chihiro y El castillo ambulante. Es más, la nueva incursión cinematográfica de los hermanos Wachowski, Speed Racer, que podremos ver en mayo, también adapta una serie homónima de animación japonesa”. Sorprendentemente, “el anime más innovador de los últimos años, Tekkon Kinkreet, una adaptación de un manga de mucha tradición en Japón (Black and white), ha sido dirigida por un americano, Michael Arias” nos explica. De hecho, esta “tecnovisión animada de una cosmópolis retrofuturista”, en palabras del propio director, acaba de ser seleccionada para los Oscar de animación junto a otras grandes producciones como Persépolis o Ratatouille.

Imagen: El castillo ambulante (Hayao Miyazaki, 2004)

No obstante, la influencia entre Oriente y Occidente es recíproca. Cuentos de Terramar, cuyo estreno está previsto para el próximo 21 de diciembre, hace todo lo contrario. En este caso, “un realizador japonés, Goro Miyazaki, adapta la novela de una escritora occidental, Ursula K. Le Guin”, nos informa Sala. Y es que la animación nipona está de moda. Pero el anime, no nos equivoquemos, no es algo unívoco. “Miyazaki (padre) y el Studio Ghibli corresponden a lo más conservador y comercial que sale de Japón. Nos fascina porque ha llegado recientemente a España, pero podríamos identificarlo con Disney y sus mundos fantásticos e infantiles. Sin embargo, el Studio 4ºC con Satoshi Kon o Watanabe a la cabeza son los ejemplos más progresistas e innovadores. De hecho, Kon utiliza personajes y escenarios muy realistas, además de guiones muy elaborados. Es el caso de trabajos suyos como Paprika y Tokyo Godfathers. Afortunadamente, el Studio 4ºC, al igual que MadHouse (Rin Taro, Mamoru Oshii), innova en cada película con un grafismo, una temática y una narrativa poco convencional”, argumenta.

Imagen: Paprika (Satoshi Kon, 2006)

Muchos piensan que las realizaciones procedentes de aquellas tierras presenta una excesiva carga de violencia o sexo gratuito, pero la realidad es muy distinta y es que hay tanto tipo de anime como espectador y abarca tanto comedia como drama, terror, acción y ciencia ficción. No en vano, muchos de los filmes que nos llegan comportan, de forma sorpresiva para los neófitos, una buena dosis de crítica social.

“En nuestro país hay una cantidad de fans impresionante y un gran éxito del salón del manga o de festivales como el de Sitges o el de San Sebastián, pero hay pocas empresas de distribución que se dediquen a promocionar este género. Sólo Manga Films, Selecta Visión, Jonu Media y SoGood Ent. De hecho, en momentos tan críticos para la industria cinematográfica, los grandes éxitos de venta de DVD vienen de la mano de la animación, especialmente la japonesa”, objeta Sala. Actualmente, añaden Ramen Para Dos, “España se limita tan sólo a editar y distribuir anime, colaborando muy poco o nada en la faceta creadora”.

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GUÍA PRÁCTICA PARA UN NEÓFITO

“Una de las características más importantes del anime y el manga japonés, respecto a la animación tradicional de occidente, es que abarca todo tipo de géneros y edades”, explican Ramen Para Dos.

“Si te gustan las historias sencillas, de acción, artes marciales, compañerismo y superación personal, el shonen es tu género, donde obras como Naruto, Bleach, FullMetal Alchemist o las más clásicas de Ranma1/2 y Dragon Ball (reeditadas ahora en DVD) son de obligada referencia.

Si, en cambio, te gustan las historias más tiernas, con triángulos amorosos complicados, en las que el amor y las relaciones sentimentales son el centro de la historia, el shojo es lo tuyo. En este caso, la tierna historia de Fruits Basket o Nana (en una fantástica edición en DVD) posiblemente sean de lo mejor que hay ahora en el mercado.

Pero, si buscas historias más adultas que te hagan pensar, en el seinen encontramos películas tan imprescindibles como Tekkon Kinkreet, Paprika, o series como Monster, una obra maestra del genero del suspense que bien podría convertirse en una serie de culto de estar rodada en imagen real”.

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LOS IMPRESCINDIBLES

Akira de Katsuhiro Otomo (1988) / El gran clásico que introdujo el anime en Occidente.

Ghost in the shell de Mamoru Oshii (1995) / Icono del cyberpunk con secuela.

El viaje de Chihiro de Hayao Miyazaki (2001) / Primera película de animación en llevarse un Oso de Oro en Berlín y un Oscar.

Gisaku de Baltasar Pedrosa Clavero (2005) / Por ser la primera película de anime realizada en España.

Paprika de Satoshi Kon (2006) / El nuevo trabajo del director de la mítica Perfect blue.

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P.D.: PREMIOS DE LA BERLINALE

Fuente: Cineuropa / 21.02.2010

Berlinale

Oso de Oro a la mejor película
Honey – Semih Kaplanoglu

Oso de Plata – Gran Premio del Jurado
If I Want to Whistle, I Whistle – Florin Şerban

Oso de Plata al mejor director
Roman Polanski – The Ghost Writer

Oso de Plata a la mejor actriz
Koji Wakamatsu – Caterpillar

Oso de Plata al mejor actor (ex aequo)
Grigory Dobrygin y Sergei Puskepalis – How I Ended This Summer

Oso de Plata al mejor guión
Apart Together – Wang Quan’an

Oso de Plata al mayor logro artístico
How I Ended This Summer – Alexei Popogrebskiy

Premio Alfred Bauer
If I Want To Whistle, I Whistle – Florin Serban

Premios colaterales

Premio del Gremio de Cines de Arte y Ensayo de Alemania
Faith – Burhan Qurbani

Premio del jurado ecuménico
Sección Oficial en competición:
Honey – Semih Kaplanoglu
Panorama:
Kawasaki’s Rose – Jan Hrebejk
Forum :
Still Alive In Gaza – Nicolas Wadimoff

Premio FIPRESCI
Sección Oficial en competición::
A Family – Pernille Fischer Christensen
Panorama:
Parade – Isao Yukisada
Forum :
Crab Trap – Oscar Ruíz Navia

C.I.C.A.E. Awards
Panorama:
Kawasaki’s Rose – Jan Hrebejk
Forum:
Winter’s Bone – Debra Granik

Premio Europa Cinemas Label
When We Leave

Premios Teddy
Mejor largometraje
The Kids Are All Right – Lisa Cholodenko
Mejor documental
The Mouth of the Wolf [tráiler, film focus] – Pietro Marcello
Mejor cortometraje
The Feast Of Stephen – James Franco
Premio Teddy del jurado
Open – Jake Yuzna
Premio de los lectores Siegessäule
Postcard to Daddy – Michael Stock
Premio especial Teddy
Werner Schroeter

Premio Caligari
The Mouth of the Wolf – Pietro Marcello

Premio NETPAC
Au Revoir Taipei – Arvin Chen

Premio Peace
Son Of Babylon – Mohamed Al-Daradji

Premio Amnesty International (ex aequo)
Son Of Babylon – Mohamed Al-Daradji
Waste Land – Lucy Walker, João Jardim, Karen Harley

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Otra CRÍTICA es posible_La cinta blanca

LA CINTA BLANCA

Dir.: Michael Haneke
Fecha de estreno: 15/01/10

“El blanco es, como todos sabéis, el color de la inocencia”

En estos términos se expresa uno de los protagonistas del último trabajo del cineasta austriaco, el padre de unos niños a los que, como castigo, les obliga a llevar una cinta blanca -de ahí el título del filme- atada a su brazo para que, de este modo, recuerden que se han desviado del camino recto y son, por ende, impuros. Algo que podríamos concebir como una suerte de estrella amarilla que, posteriormente, marcaría a los judíos a modo de antisemitismo por parte del nazismo y de cuyos orígenes, entre otras cosas, nos habla Haneke.

Ubicada a principios de siglo -previa a la Primera Guerra Mundial-, en una pequeña comunidad rural del norte de Alemania, opresiva en su educación -religiosa y formal- y de una rigidez moral extrema, la historia hanekiana va desgranándose con la ayuda de un narrador, el profesor del pueblo, y sus recuerdos, a modo de flashback. Poco complaciente y muy desoladora respecto a la condición humana, La cinta blanca es el inequívoco retrato de un existencialismo escéptico, un despertar de la inocencia y una inmersión sin lubricante en un mundo cruel y déspota, el nuestro, en el que no queda nadie virgen y, mucho menos, sano. Es, sin duda, el nítido reflejo del abuso de los poderosos frente a los débiles, la importancia y prevalencia de las apariencias frente a la dura realidad. Así las cosas, el blanco y negro de la pantalla se diluye en un gris moral, donde todo comportamiento está lleno de matices e interesada flexibilidad ante lo convencionalmente establecido como correcto. El doctor, por ejemplo, es todo un referente de la comunidad; sin embargo, de puertas para adentro, es sádico y cruel con su amante, tanto como con su hija, de la que abusa en clara sustitución de una madre extinta a la que imaginamos tampoco respetaba.

Ha apuntado el propio Haneke que La cinta blanca es el retrato de la infancia que tuvieron aquellos que tiempo después se convertirían en los artífices de la ascensión del nacionalsocialismo -un nazismo que ni siquiera menciona explícitamente-, pero no sólo eso. Tal y como afirma el cineasta, “sería una interpretación demasiado fácil al transcurrir la historia en Alemania, sino (que nos habla en general) del modelo y del problema universal del ideal pervertido”. La cinta blanca parece querer advertirnos de que, tal y como afirmaba el filósofo y psicoanalista Slavoj Žižek en Lacrimae Rerum, “detrás de todo orden legal se oculta siempre el horror de algún crimen inconfesable”. Destacar, por lo tanto, que en el filme no existe una violencia meramente física -muertes, violencia de género, violación de la inocencia-, que también, sino más bien psicológica, marca inequívoca de la casa Haneke. Recuerden, si no, Caché o La pianista, películas donde la elipsis ha desaparecido y el envite hacia el espectador es frontal; un espectador que irrefrenablemente, ante algunas imágenes, siente nauseas. Haneke, no obstante, deja puertas sin cerrar para que, digámoslo así, entre la reflexión acerca de lo que entendemos por violencia, cuáles son sus orígenes y consecuencias. “El arte –afirma el autor- debe hacer preguntas y no avanzar respuestas que siempre parecen sospechosas, incluso peligrosas”.

A estas alturas del panorama, se preguntarán por qué Haneke ha elegido el blanco y negro y el tiempo pausado en un contexto cinematográfico donde prima el color, el espectáculo de las tres dimensiones, la urgencia del dinamismo… Bien, entendamos pues el blanco y negro como reflejo psicológico de una época –gris- a la que alude, pero también como el deseo consciente de un cineasta que quiere alejarnos del sensacionalismo mediático contemporáneo ante el que, por sobreexposición, ya estamos inmunizados y despertar así nuestras aletargadas conciencias.

El resultado no ha podido ser mejor. Ganadora de la Palma de Oro en la última edición del festival de Cannes y del Premio a la Mejor Película Europea, La cinta blanca ha sido galardonada, asimismo, con el Premio Fipresci de la crítica y el Globo de Oro a la mejor película de habla no inglesa en la 67 edición de los premios que otorga la Asociación de Periodistas Extranjeros de Hollywood, además de haber sido seleccionada para representar a Alemania en los Oscar a la mejor película de habla no inglesa (favorita en todas las quinielas). Sin duda, estamos ante la obra maestra de Haneke, la que le otorga indefectiblemente un sillón entre los grandes de la Historia del cine.

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MÁS INFO

Estreno: 15.01.2010

Nacionalidad: Alemania, Austria, Francia, Italia

Género: Drama

Reparto: Enno Trebs, Theo Trebs, Rainer Bock, Susanne Lothar, Roxane Duran, Miljan Chatelain, Eddy Grahl, Branko Samarovski, Birgit Minichmayr, Sebastian Hülk, Kai Malina, Kristina Kneppek, Stephanie Amarell, Bianca Mey, Aaron Denkel, Mika Ahrens…

Guión: Michael Haneke

Fotografía: Christian Berger, Aac

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www.golem.es/lacintablanca

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De cine_I’m Not There

I’M NOT THERE

Dir.: Todd Haynes
Fecha de estreno: 19.02.10

«Todo lo que puedo hacer es ser yo. Quienquiera que yo sea»
Bob Dylan dixit.

Dylan es ya parte de la Historia de la música popular (nos guste su música o no). Una afirmación, por supuesto, obvia. Tanto como que esta película de Todd Haynes (responsable de Veneno, Safe, Velvet Goldmine y Lejos del cielo), en torno a sus multiples caras, es todo un descubrimiento visual y narrativo.

I’m Not There es una suerte de biopic atípico más que recomendable que, incluso, se atreve a re-escribir algunas escenas de Ocho y medio, la maravillosa película de Fellini a la que debe la visión fragmentada del Yo (el Yo de Bob Dylan en este caso). Una fragmentación que, por otra parte, es posible interpretar como espejo inequívoco de la realidad contemporánea, fragmentada y poliédrica de por sí.

Tan múltiple resulta Dylan (su música, su vida) como las texturas (16 mm, 35 mm y vídeo) o tonalidades (B/N, color, etc.) utilizadas por Haynes para dotar de cuerpo y alma a la deconstrucción de un mito.

Por supuesto, la música es toda dilaniana, eso sí, reinterpretada por gente como Sonic Youth, Calexico, Antony and Johnsons, Cat Power, Mark Lanegan y Jeff Tweedy, entre muchos otros. Todo un lujo de OST que habrá que conseguir como sea.

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«Me sumergí más y más en Dylan, descubriendo todo el material inédito y leyendo cualquier cosa sobre él que cayera en mis manos. Y cuanto más leía, más me daba cuenta de cómo el cambio personal, artístico, etc. había definido su vida. Y la única manera de mostrar eso, era escenificarlo, destilar su vida y su obra en una serie de personajes e historias diferenciados», afirma el propio Haynes sobre un Dylan al que retrata con sus excesos y sus defectos.

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SINOPSIS

Vía Vértigo Films

Bob Dylan cambió la música popular en los años 60 y desde entonces y hasta hoy nunca ha dejado de influenciar a músicos, escritores, poetas y, en definitiva, a la cultura en general.

La película de Todd Haynes sobre su figura, que cuenta además con la aprobación del legendario músico, es un entretejido de historias en la América de los años 60 y 70. Cada historia expresa un aspecto de la mercúrica carrera de Dylan y han sido filmadas de manera diferente a través de también muy diferentes intérpretes: Woody (Marcus Carl Franklin), un niño negro de 11 años siempre huyendo; Robbie (Heath Ledger), un artista mujeriego siempre en la carretera; Jude (Cate Blanchet), un joven andrógino estrella del rock; John / Jack (Christian Bale), un ídolo folk que se reinventa como cristiano reconvertido; Arthur (Ben Whishaw), un poeta callejero; y Billy (Richard Gere), un famoso fugitivo milagrosamente vivo pero ya haciéndose viejo.

Seis actores interpretando a siete personajes “dilanianos”, inmejorablemente acompañados por la irrepetible música del artista.

PREMIO DEL JURADO EN EL FESTIVAL DE VENECIA.

CATE BLACHETT_GANADORA DEL GLOBO DE ORO, EL LEÓN DE ORO DE VENECIA Y NOMINADA AL OSCAR A MEJOR ACTRIZ DE REPARTO

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MÁS INFO:

Reparto: Cate Blanchet, Christian Bale, Heath Ledger, Richard Gere, Julianne Moore, Ben Whishaw, Charlotte Gainsbourg, Marcus Carl Franklin.

Género: Drama, musical
Guión: Todd Haynes y Oren Moverman
Fotografía: Edward Lachman

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www.imnotthere.es

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Canciones para un martes + Los Cines Luna

CANCIONES PARA UN MARTES

MAZARIN / Another One Goes By

MASSIVE ATTACK / Splitting The Atom

VAMPIRE WEEKEND / Cousins

EIGHT LEGS / These Grey Days

KRISTINE HERSH / Clay Feet

LA RESURRECIÓN DE LOS CINES LUNA

(vía Madrid me Mata)

Lo leo, me emociono y les hago un Cut & Paste:

Si alguno de vosotros teníais morriña o, simplemente, no llegasteis a entrar cuando todavía estaban abiertos, dentro de poco tendréis la oportunidad de entrar en los Cines Luna. La noticia ha saltado en Somos Malasaña, el medio que se ha enterado de que un grupo de mentes inquietas ha convencido a los propietarios del inmueble de reabrirlo para albergar películas de modo esporádico:

Andrés Aberasturi, hijo del conocido periodista de idéntico nombre y promotor de Ego Cibeles (exitosa pasarela anual de moda) es uno de los amigos que está detrás de este proyecto. Será su empresa Pelonio -agencia de comunicación- la que corra con los gastos de ponerlo en marcha.

Popi Blasco, otro de los promotores junto a Julio Prieto y Miguel Agnes la Sucia, cuenta que han contratado una empresa de limpieza industrial para acondicionar los cines y que alquirán un proyector. “La idea es conseguir marcas comerciales que patrocinen los pases de las siguientes películas, evitando así que seamos nosotros quienes los costeemos y logrando que para el público sea gratis”, comenta Blasco. “De conseguirlo, ofreceremos una película al mes“.

La primera proyección será Demons (Lamberto Bava, con guión de Darío Argento), el próximo viernes a las 22:30 horas.

Más información:

• El terror reabre los Cines Luna
• Entrevista con P. Blasco, uno de los promotores de la iniciativa

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